28 jul 2009

CUANDO 25 AÑOS NO SON NADA

Entre 1982 y 1985 Alejandro Del Prado grabó dos discos que lo colocaron como uno de los artistas locales con mayor proyección en la música nacional. Pero todo se fue esfumando en esporádicas actuaciones en vivo y un injusto silencio oficial que se negaba a reconocerlo debidamente. Esa ausencia se rompe un cuarto de siglo más tarde con una decena de canciones que Del Prado compuso en los momentos en que el recuerdo parecía ser el único camino que lo mantenía en el inconsciente colectivo.
Alejandro Del Prado quedó inmortalizado al momento que su tema "Los locos de Buenos Aires" c
omenzó a tener trascendencia cuando acababa la primera mitad de los ochenta. Lo cierto es que durante los setenta estuvo al frente de una banda que conmovió a la escena local con base en una poesía de trazo lúcido y músicas provenientes de las entrañas más potentes del Río de la Plata. Saloma, logró grabar un albúm en 1977 ("Canciones de Buenos Aires") en cuyo créditos aparecían poetas como Jorge Boccanera, Osvaldo Ardizzone y Raúl Gonzalez Tuñon.
Lanzado en
formato solista Alejandro grabó "Dejo Constancia" (1982) con la participación de Silvio Rodriguez y Litto Nebbia y el mencionado "Los locos de Buenos Aires" (1985). El reconocimiento obtenido por aquellos años se basaba en haber asentado las bases para una corriente que hoy, diversificada y readaptada, ocupa un lugar central en la cultura rock rioplatense. Del Prado es, quizás, el principal factor de referencia de artistas como Ariel Prat o la propia Bersuit Vergarabat. La conviencia constante del tango, la milonga y el candombe con el rock. El trovador con alta claridad lírica. El autor que logra pintar la vida con trazos certeros. "Yo vengo de otro siglo" significa algo más que un regreso. Es una forma de revalidar laureles y una forma de hacer música que, pese a aparentar quedar al margen del ciruito actual, parece respirar y explotar en cada rincón del Buenos Aires post-Cromagnon.
Este puñado de canciones retoma toda a
quella fugaz trayectoria de los ochenta y presenta una actualidad nostalgica que eleva al oyente al mejor Buenos Aires, ese que nunca dejó de estar presente pese a las aspiraciones de primer mundo y el avasallador avance de la magnificencia futurista. "Yo vengo de otro siglo/me estoy acostumbrando/con dos X y un tango/perdón si no me ubico", aclara el autor en "2 x y un tango" y la idea recorre todo el disco. El tango ("Tango, se te nota Tango") el fútbol ("Paravalancha"), un homenaje a Alfredo Zitarroza ("Zitarroseando") y hasta un aire de reggae ("Las virtudes del petardo") van dando forma a un disco con una frescura y la densidad propia de un tipo que sigue cantando como hace 25 años pero que se mantuvo guardado durante demasiado tiempo como para hacer explotar tantas historias en un albúm. Nunca dejó de hacer música, es cierto, pero el arte de años se condensa aquí, en el primer trabajo de Del Prado originalmente editado en cd. Las reversiones de "Los Locos de Buenos Aires" y "Si te Contara" son bonus tracks a modo de curriculum, pero a la vez una manera de demostrar que las melodías precisas y las letras certeras no tienen fecha de empaque ni de vencimiento.
Finalizo... el tema "Yo conozco un Buenos Aires" empieza con la letra y la voz de Osvaldo Ardizzone: "Solo quedamos yo y vos, hermano de antes. Solo yo y vos y el perfume del recuerdo. Y el viejo coche con su trote lerdo, ya no alcanza la esquina del pasado". ¿Qué más?.


22 jul 2009

INDUSTRIA NO, INDUSTRIA SÍ: EL GARDEL PARA SPINETTA

La emergencia sanitaria por la pandemía de los barbijos medíaticos ahorro ovaciones públicas. No fue a sala llena, nadie estuvo de pie. Pero la industria reconoció la trayectoria de Luis Alberto Spinetta otorgándole el máximo galardón del rubro en un año en que el flaco volvió a demostrar cuán lejos está de lo industrial, en una año en que las recetas estructuradas de la industria cultural se vieron nuevamente derribadas por un artista que no se ata, ni jamás se ató a sus reglas.
Las sonrisas que se dibujan a lo largo y a lo ancho del universo artístico nacional, los festejos, la sensación de justicia...todo eso debería ir acompañado de una reflexión que gire en torno a aquellos sectores que deciden hoy, lavarse nuevamente la cara, premiando a un artista que prefiguró la genesis de un movimiento al cual siempre combatió por la simple sensación de verse avasallada por él.
Puede resultar significativo el dato con que arrancaba este posteo, puede parecer significativo que, por el azar nunca azaroso del destino, la industria reconozca a aquel artista que alguna vez escribió: "Denuncio a los representantes y productores en general,y los merodeadores de éstos sin excepción, por indefinición ideológica y especulación comercial.Ya que estos no se diferencian de los patrones de empresa que resultan explotadores de sus obreros. O sea, por ser los engranajes de un pensamiento de liberación a quienes no les interesa que toda la pieza se mueva, dado que al producirse el más mínimo movimiento, serían los primeros en auto reprimirse y dejarían por tanto de participar en “la cosa”" sin gente alrededor. Hay una legitimación que los hilos del mundo volvieron ilegitimante, una pandemia de estructuras que evitó una ovación que también podría haberse entendido como grito de liberación.
Puede parecer una mirada demasiado crítica, tal vez romántica. Ya sabemos que todo movimiento, entre ellos el rock, necesita utilizar los mecanismos tecnológicos de reproducción masiva para poder llevar su mensaje a la mayor cantidad de cabezas posibles. No hay liberación sin mensaje, no hay mensaje sin medio y los medios se monopolizan para evitar las grietas. No las evita pero las invisibiliza. Hay situaciones en las que el rock y la industria se unen, pero en lo profundo de la relación, el alejamiento los vuelve irreconciliables.
Hay una distancia enorme entre lo que el rock propone y la industria dispone. Obviamente, existen usos múltiples y reiterados ejemplos en donde uno por sobre otro parecen prestarse una atención ficticia.

Imagen: Pablo Alonso

19 jul 2009

ASESINATO AL ROCK (Pablo Dacal)

1. El rock ya no nos representa sino en parte, como el tango o la música romántica. Algo de nosotros puede ser dicho en sus términos, pero son géneros que representaron la experiencia de generaciones pasadas, no la nuestra.

2. El rock, al integrarse en todas las escalas del sistema de vida imperante, muere como canal de ideas nuevas y ocupa el lugar de la crítica dentro de la estructura del poder. Es otra oferta del discurso oficial, y atacarlo desde el Estado es parte del juego dialéctico. Creer que aún guarda algún poder de transformación es ingenuo y conservador.

3. El rock es antropofágico, y al ocupar socialmente el rol de música juvenil no permite ser desplazado. Quien tenga ideas nuevas deberá ser ingerido o pasar a la clandestinidad.

4. El rock, como todo género envejecido, añora su vitalidad original y vive enamorado de su pasado. Se expresa en el gesto de su juventud triunfante a través de la mirada pop. Creer que lo hace a través de la sexualidad o la violencia es falso: todos los géneros expresaron su propia sexualidad y violencia.

5. A través del pop hablan los arquetipos de la sociedad espectacular, utilizando ciertos géneros del siglo pasado, como el rock o el cine.

6. El mercado del rock oculta a la novedad proponiéndose como lo siempre nuevo. Decir que ya todo está realizado es parte de su truco: lo que ha sido hecho es solo lo que ha sucedido, lo nuevo esta por hacerse y no tiene nombre

7. Te sedan con sexo, drogas, rock y tecnología.

8. Géneros como el rock pueden ser interpelados, disfrutados e incluso desarrollados mediante la tradición, pero el placer o el desarrollo de una tradición no tienen que ver con la construcción de ideas nuevas.

9. No se trata de fusionar o poner en tensión géneros y estéticas del pasado, si no de utilizarlos como herramientas para que aflore nuestra sensibilidad. Las rítmicas, los colores, el sonido, la armonía y la estructura compositiva que conocemos son instrumentos que una nueva idea puede requerir, o no.

10. Las vanguardias realizan una lectura pretendidamente novedosa sobre los géneros e ideas instituidas en un momento determinado. Los movimientos genéricos, en cambio, surgen tras una verdadera ruptura con lo establecido y dejan el dibujo de una nueva moral, pudiendo o no generar moda.

11. Para encontrar lo nuevo hay que atreverse a no formar parte de la sociedad artística imperante. Si no hay sitios donde mostrar ni medios que nos comuniquen, deberemos inventarlos. Hacer sin dudarlo, como un acto de fe.

12. En la reacción que la obra genera está el norte de nuestro movimiento: solo hay que saber oírla.

13. Una nueva sensibilidad no encuentra la manera de expresarse física y espiritualmente con facilidad.

14. La canción y la historieta son las formas narrativas de nuestro tiempo, cargan con la herencia secreta de la poesía y la tragedia, y continuarán existiendo cuando todo estalle.

15. El mundo tal cuál lo conocemos vivirá probablemente mucho menos de un siglo. Nuestra música, al igual que nuestra vida, debe dejar de relacionarse con temporalidades ficticias como el futuro o el pasado para enfrentar lo actual en toda su crudeza.

16. Cantamos nuestro idioma y vivimos nuestro sitio.

17. No nos alcanza el tiempo.

Pablo Dacal
Rosario - Buenos Aires, Argentina
Diciembre de 2006

FELIZ DÍA!

Podría ir una versión completa pero me interesó más compartir con ustedes este fragmento aparecido en la Televisión Española que data del año 1990. Abrazos a todos, gracias por estar! Feliz día!!!


16 jul 2009

EL OFICIO DE LA PASIÓN

Las nuevas formas de comunicación, que entre otras cosas hacen posible este espacio, y las pasiones en común me llevaron a conocer a Gustavo Farías. Uno de los tantos hombres que hicieron de su pasión un oficio. Gustavo tiene 41 años y desde temprana edad encontró primero su conexión espiritual con la música para luego dejarse seducir por la historia de nuestro rock. Con el paso del tiempo, el hombre se convirtió en coleccionista y su habitat natural se compone por cientos de LP´s originales. Un tesoro que hoy comparte con nosotros. Su experiencia, sus preferencias, sus tesoros...la vida de un coleccionista...

¿Cuándo y cómo empezó tu relación, primero con la música y luego con esta faceta de coleccionista?
Mi relacion con la musica comienza desde que tengo memoria,ya que mi papá escuchaba bastante musica (algunas no muy buenas como Los iracundos, Sandro, Palito Ortega, etc) y otras si, Beatles, Creedence, Stones. Mi relacion con la que realmente me gusta (el rock nacional) y con mi locura por coleccionar,empieza cuando tenia 11 ó 12 años.Un compañero de la escuela me invita a su casa y me propone escuchar la musica de sus hermanos (algo mayores que el),
y pone lo primero que encuentra (era un cassette de Pastoral,Humanos),y no se que fue,pero algo cambio en mi cabeza para siempre (y eso que a esa edad uno no tiene muy en claro lo que le gusta,menos en lo musical)escuchar esa musica,esas voces me dio ganas de conocer todo el origen de esa musica espectacular.Y bueno ya pasaron mas de 20 años y todavia sigo disfrutando del rock nacional.

En el transcurrir del coleccionista ¿llega un momento de seleccionar qué sí y qué no, hay un perfil delimitado o todo lo que vaya apareciendo sirve de algún modo? ¿Cómo es tu caso?
En un principio si,buscas determinados discos para conocer ciertas bandas ó estilos. Pero cuando tenes tanto, ya medio que experimentas con cosas que por ahi no son tan conocidas, y resultan ser muy buenas.

Sabemos que existen formas de organizarse, encuentros públicos y otras instancias ¿Cómo se arman esos encuentros, cómo se amplifican los contactos, cómo se realimenta el universo del coleccionista?
Yo particularmente nunca fui a ningun encuentro de coleccionistas,como que soy un poco solitario en ese tema.

Hay como una imagen mítica creada desde el ideario "comercial", por llamarlo de algún modo que indica a este tipo de actividades en términos "económicamente redituables" ¿es asi? ¿Se puede ganar plata siendo coleccionista? Más allá que en tu caso responda a una cuestión pasional.
Si porsupuesto que es redituable,hay gente que paga mucho dinero cuando encuentran lo que buscan desde hace mucho tiempo. Como pones ahi no es mi caso, me han ofrecido mucha plata ó hasta poner un stand (donde me aseguran que con mi material saco buena plata) pero lo mio pasa por otro lado, es el disfrutar de todos y cada uno de mis discos (no paso un solo dia sin escuchar alguno) junto a mi familia, eso no tiene precio.

Contanos un poco lo que tenés y cuál es el perfil de tu colección.
Todavia no hice un stock real,pero debo tener casi 500 discos,algo asi como 6000 temas (el 80% es en vinilo). Mi coleccion está orientada casi en su totalidad al rock nacional,hay algunos discos internacionales, pero no tanto como de rock nac.

Creo estar al lado de un conocedor nato de muchas cosas que se han perdido lamentablemente ¿Cuáles son tus tesoros más preciados?
Por ejemplo el disco Humanos de Pastoral (con el sobre original, el que tiene el informe de la grabacion) , el disco de Charly Garcia, Festival del amor (donde despedia a La maquina de hacer pajaros,con temas ineditos ó en versiones diferentes de Leon Gieco, Nito Mestre, etc) un simple de Arco Iris con el tema Llego el cambio (prohibido por Ongania). Los temas de los primeros Abuelos de la nada (con Pappo en guitarra) y muchos mas (no tengo tanto espacio)

Lo que tenés debería ser considerado algo así como "patrimonio cultural", por decirlo de alguna forma. Más allá de los espacios que antes citabas ¿Crees que puede haber alguna otra forma de compartirlo "con el mundo", al menos en parte?

Creo que si, con los blogs, con paginas en internet, pero fundamentalmente (para mi) tendria que haber mas programas en la radio, que difundan nuestro Rock (pero en forma seria), no tan comercial (como el puro rock nacional) ,ni tan politizadas, como las emisoras que pasan a duras penas nuestra musica.

EL ACENTO EN LA COMUNICACIÓN (Pelo 1979)

De regreso en Buenos Aires luego de un extenso periplo europeo, Charly García relata las experiencias recogidas en los diferentes lugares que visitó. Los contactos con las filiales de la grabadora que lo representa, las posibilidades de llevar su grupo a Europa. el encuentro en España con Moris y la incidencia de este viaje en el futuro de Seru Giran son abordados en este relato. Una vivencia que traerá cambios.

"El motivo de mi viaje a Europa fue combinar dos cosas: placer y negocios. En la parte turística, el viaje fue totalmente positivo porque es como que se me achico mucho el mundo. El itinerario fue París, donde me quede un mes, luego Londres (ahí pase Año Nuevo), la parte italiana de Suiza. Milán, Madrid y Roma. En principio, fui a París porque quería encontrarme con una compañía de ballet brasileño: Grupo Corpo, donde esta el chico que diseñó la tapa de Seru Giran.
"Por mi lado, me fui a realizar algunos contactos. Por recomendaciones que me había llevado de la Argentina, fui a la WEA y visite todas las subsidiarias en Europa. El saldo fue muy positivo en todos los lugares en que estuve. No concreté nada porque para firmar un contrato internacional hay que asesorarse muy bien, poner abogados, y yo estaba muy apurado. Voy a contar lo que paso en cada lugar. En principio, fui a la WEA de París, que es una compañía gigantesca donde hay por todos lados posters de Rod Stewart y conjuntos de música disco. En Europa, lo que mas funciona es el disco, como musica comercial, después están los conjuntos punk que no tienen mucha difusión por la radio pero de todas maneras cualquie
r compañía tiene cuatro o cinco de catalogo. También esta gustando mucho otra música como el reggae que hace Bob Marley.

España, punto clave

"En París, tuve la suerte de conocer a un productor, no de la WEA en una fiesta. El escuchó el disco, le gusto muchísimo y se ofreció para servirme de intérprete para hacer mis contactos porque yo de francés no entiendo nada, solamente sé pedir el desayuno: le petit-dé-jeuner. Hablamos con el encargado de la parte internacional de la WEA de Paris y le gusto mucho el material. Entendió de lo que se trataba, le pareció un poco underground para el mercado frances, pero igualmente piensa que funcionaría si el conjunto estuviera alla. El se ofreció a sacar el disco sin ningún problema pero con la condición de que demos una serie de recitales que el se encargaría de organizar.
"La idea de Europa es hacer todo el continente porque hacer un solo pais, arriesgar tanto —llevar equipos, gente, etcétera— no justifica el esfuerzo. El punto principal de Europa para nosotros es España porque es donde podemos empezar a trabajar mas rápido y con mejores posibilidades Y todo eso por el idioma y porque se esta gestando un movimiento de rock muy importante; ellos están ávidos de conjuntos. El disco fue algo que me abrió muchas puertas porque allá escuchan
en seguida el material. Además, llevé mi libro de prensa con toda mi trayectoria: Sui Generis, La Maquina, las críticas a Seru Giran. Les impresionaba muchisimo la cantidad de gente que había en el Luna Park fue una cosa que no entendían porque un grupo parisino lo más que lleva son mil personas. Se sorprendieron con que en la Argentina hubo tanta gente copada con el rock. También les causaba mucha gracia algunos artículos de revistas semanales de actualidad, que titularon alguna nota: 'El músico que derrotó a Monzón'. Y los sorprendió, especialmente, porque Monzón es muy conocido en Europa"

Encuentro con Moris

"Después, fui a Milán pero no tuve suerte porque la mujer que tenia que ver en la grabadora estaba en un congreso internacional (MIDEM). De todos modos, dejé el material y quedaron en contestarme por carta. Y finalmente fui a España. Ahi tampoco encontré a contacto que llevaba porque estaba en ese mismo congreso del disco pero hablé con otras personas que, aunque no tenían capacidad de decisión para editar el material, igualmente eran empleados importantes de la compañía que me hicieron todo el cope para que vaya ya mismo allá. Estuve con Moris y le va muy bien. Tenia una dirección de Moris pero ya se había mudado, pero un día lo encontré por casualidad en la calle: él iba en un auto y yo en un taxi. Fui a su casa, me mostró lo que esta haciendo, tiene mucho trabajo. En España se trabaja mucho en discotecas que son lo que aqui los shows. Hay como cinco mil discotecas, además de los recitales y festivales, que allá se hacen con frecuencia. Con la gente de WEA quedé en volver cuando termine algunos trabajos acá. A las cosas también hay que darles tiempo, no hay que descuidar lo que hacemos acá, tenemos compromisos tomados y además tenemos superganas de tocar en la Argentina. Tenemos muchas ganas de apoyar el álbum y de mostrar algunas cosas nuevas que estamos haciendo. Posiblemente, vayamos a grabar el segundo long play a España. En abril vamos a terminar de hacer algunos trabajos pendientes, luego haremos un impasse y enseguida vamos a programar uno o dos recitales grandes en la Capital Federal para este año, además de que ya estamos componiendo el material del segundo álbum."

Londres: no había nadie

"Cuando llegué a Londres, pensé encontrarme con todo lo que creía que era. Pero me dio la impresión de llegar a una cancha de futbol cuando termina el partido: no había nadie. De todas maneras, cuando llegue era invierno y hacia entre 15 y 20 grados bajo cero, asi es que la gente muy bien no estaba. Además, las cañerías estaban rotas, la calefacción no funcionaba porque habían saltado las usinas, había muchas huelgas, estaba todo muy convulsionado. Volviendo a los planes de Seru Giran, voy a viajar primero para hacer todos los contactos necesarios, y eso me puede llevar una semana o un mes. No tiene sentido que todos viajemos a la aventura sino que hay que arreglar todo concientemente, y luego sí viajaremos todos. "Cuando en Europa escucharon la musica que hacíamos, vieron algo de música folklórica argentina moderna, arreglada. No la asociaron para nada con jazz-rock o con rock. Desde la tapa ya les pareció algo subterráneo. Me decían que las canciones están quizás excesivamente arregladas pero les gustaba muchísimo. En Londres, objetaron el castellano. En París, para editar se puede hacer una mezcla de castellano y francés, porque hay varios artistas argentinos que les está yendo muy bien, por ejemplo, Susana Rinaldi y el cuarteto Cedrón, que cantan en castellano. En cambio, en Inglaterra hay que cantar en inglés y ya estamos trabajando en eso, hay que traducir las letras, hacer un buen trabajo. Eso seguramente lo vamos a encarar mejor en Europa. Seguramente, del segundo álbum se van a utilizar las mismas pistas para cantarlas en ingles y tenemos intenciones de producir nosotros mismos una recopilación del primero y el segundo disco para editar en inglés, para presentar la WEA."

Algo que llegue a la gente

"En España, se percibe mucho la influencia de Aquelarre. Todo su trabajo de llevar el rock en castellano por todo el país fue una cosa que quizás cuando ellos estaban no fructificó en la oportunidad de grabar, pero todo eso sirvió para abrir el mercado.
"Aunque no están todos los temas compuestos, en el nuevo material de Seru Giran vamos a poner el acento en la comunicación. Trataremos de que el long play sea más agresivo que el primero. Seguramente va a ser sin orquesta, puede ser que incluyamos alguna sección de vientos, pero básicamente queremos tener un sonido directo, todos los instrumentos en primer plano. Esto es un intento. Hacemos este intento por la gente de la Argentina. Es preciso hacer algo que le llegue al público, sin hacer las canciones de Sui Generis. Se trata de hacer una música donde las letras hagan participar más a la gente."

FUENTE: MAGICAS RUINAS

RUN RUNES...

De un tiempo a esta parte se han echado a rodar rumores en torno a una posible reunión de las ex bandas del flaco Luis Alberto Spinetta. Por separado o todas juntas. Sí, leyó bien...todas juntas. Uno de las últimas versiones que salieron a la luz tiene que ver con una posible fecha (se señala diciembre de 2009) que Spinetta organizaría en River en la que todas las formaciones lideradas en algún momento por el flaco deambularían de un un momento a otro.
Lo que no queda nunca claro es cuáles son las fuentes a las que se recurre, nunca queda claro en qué nos estamos basando miles de almas para apuntalar nuestra esperanza de presenciar en vivo la historia de nuestro rock. Nada es verdad o todo es cierto, nunca lo sabremos. Puede que el rumor preceda la decisión o estamos, tal vez, ante presagios certeros.
El 4 de Julio, Machi Rufino escribió en su página de facebook "Rumor has it... :)" y la bola se hizo enorme. "Nooooo!!! No me digas que...? Es lo que yo pienso?", "Loco!!!No me digas!!! Si es asi ya empiezo a emocionarme." Fue el propio Machi el encargado de subir la apuesta: "Hace ya algún tiempo que me estan preguntando pública y privadamente sobre un rumor que está corriendo y yo mismo lo desmentí, pero los rumores a veces son por algo...De todas maneras no hay nada en firme, veremos...." Pero enseguida puso paños fríos al asunto. Alguien reflexionó "Estaría buenísimo... pero no creo q esto se le pase por la cabeza principalmente al Flaco... Tal vez para un solo show... Hast q no pase no lo creo..." y el bajista asintió con un simple "Hacés muy bien :)" Todo quedó donde había empezado.
En fin, una vez más, estamos en medio de un oleada de rumores como las que tantas veces hemos asistido. De un tiempo a esta parte, estamos siendo testigos de un conglomerado de reuniones históricas que abren esperanzas, a lo que también se suma un Spinetta mucho más abierto a hablar públicamente del pasado (actitud que durante muchos años se mantuvo hermética) . Lo cierto es que la información debe manejarse con pinzas, no hay que ilusionarse demasiado aunque es preciso no perder la ilusión. Lo que acaba de leer tiene la intención de aportar a una discusión que se viene presentando en foros, en discusiones privadas y en el pequeño universo roquero de nuestro país. Aunque, es cierto, corriendo el riesgo de caer en una de las tantas irresponsabilidades periodísticas que siempre critiqué.

7 jul 2009

LA BERSUIT SE DESNUDA

Los atajos que suelen abrirse al costado de los caminos que se comienzan a intoxicar de éxito han servido en algunos casos para dar luz a nuevas estéticas en las trayectorias grupales e individuales y en otros para sacar a relucir virtudes y defectos personales que sirven para entender mejor el funcionamiento interno de un grupo a la hora de encarar las concepciones artísticas que se complementan en la producción final del producto colectivo. Bersuit Vergarabat (sigo prefiriendo llamarlos así) estalló en esquirlas que se diferencian a simple vista. Mientras se esperan nuevos brotes de este parate bersuitero, las dos peladas brillantes del grupo mostraron su carta de presentación. El alma de la banda se desgrana en público.

"Cordera Suelto" es un disco de canciones compuesto entre finales del 2008 y comienzos de este 2009. Un disco recargado de esas historias que le gusta cantar al pelado que desde hace años lidera la banda que aparece en pijama sobre los escenarios en que pisa. Canciones optimistas, directas, historias acompasadas de melodías cadenciosas. Listas para ser coreadas, para sonar en las FM. El primer corte del disco ("Me la juego a morir") contiene el engaño de ser el único tema del disco con matices electronicas bien marcados, pero no miente en el espíritu con que se despacha ante un público que quizás no esperaba un disco solista de Cordera y queda boquiabierto frente a un trabajo prolijo y con mucha calidad estética. Es cierto, la mano de Santaolalla y Kerpel (siempre presentes) y el "oído-cash" de Afo Verde, no pueden derivar en otra cosa que en un máquina de hits. La marca registrada que a esta altura es la voz del Cordera aporta mucho y si bien el trabajo que no arriesga demasiado, mantiene el espíritu bersuitero hasta con la cuidada inclusión de una bossa ("Mensajera") y un tango ("No hay monstruos invencibles") que mantienen el "aura" en un trabajo parejito.

En el otro extremo, Juan Subirá y su "Fisura Expuesta", un disco a corazón abierto. Un compilado de compocisiones propias que datan de varios años. Algunas que fueron quedando afuera de la discografía bersuitera y otras que el tecladista resguardaba bajo llave esperando la oportunidad de sacarlas a la luz. Un trabajo mucho más oscuro, arriegado, con experimentaciones que irrumpen en formato de collages sonoros entre milongas, tangos y candombes. Un disco altamente recomendable con rupturas internas, saltos rítmicos y estilísticos que remiten, en algunos puntos, a la etapa progresiva de la música autóctona. Con colaboraciones notables como la Andrés Calamaro ("Salvavidas de plomo"), la de Palo Pandolfo ("Menos uno") y hasta del propio Gustavo Cordera ("Al borde"), el trabajo remite a la etapa de culto bersuitera que tiene su máxima expresión en Don Leopardo, grabado en 1996. Un disco complejo, un grito de liberación artística, sin ataduras, repleto de tinieblas, de esas que hoy ya no tienen lugar en el cachengue de la bersuit del SXXI. Me atrevo a decir que estamos en frente de lo más interesante en materia de solistas en la producción nacional del 2009.

Una coincidencia no menor, Cordera y Subirá tomaron las voces de sus hijos para que acompañasen sus respectivos álbumes. El primero para cerrarlo con un tango que suena a canción de cuna, el segundo para abrirlo entre jadeos infantiles y golpes al teclado. De las entrañas de la Bersuit Vergarabat nacen dos discos que explicitan la urdimbre exitosa que llevó a la banda a lo más alto de la escena local. Una urdimbre que se va transformando lentamente en un mantra que promete completarse con nuevas apariciones que, lejos de parecer un parate, representan una explosión colectiva de individualidades virtuosas que demuestran saber jugar con cartas propias. Hay Bersuit Vergarabat para rato, ya sea por el todo o por la suma de sus partes.

5 jul 2009

MAMÁ ROCK

En los últimos años parece que la historia ha comenzado a desmitificarse, pero no siempre fue así. Es más aún, hoy la cuestión es resistida por muchos sectores (retrógrados, conservadores, machistas, puristas o como quieran llamarse). El espacio de la mujer en el rock es un tema conflictivo y lo fue siempre.
Se les aduce falta de potencia, se les critica ese don natural que hace prevalecer en ellas agudos que en algunos casos resultan molestos para quienes gozan con el chasquido distorsionado de una guitarra, se bastardea sus posturas y se las acusa constantemente de poseer frivolidades que estarían en contra de una cultura como la del “movimiento rock”. Pese a esto la mujer ha logrado hacerse con el transcurso de los años un lugar en el género que durante décadas fue impensado. Hubo quienes se animaron a transgredir, quienes abrieron el camino, hubo pioneras. En nuestro país, en nuestro rock, esa mujer se llamo Gabriela.
Como siempre sucede, hubo un antecedente. Entre los primeros simples que la pionera “Mandioca” logró dar a luz había uno de una joven modelo devenida en cantante que se llamaba Cristina Plate pero la corta carrera de la artista quedó prácticamente trunca después de aquel EP (algunos dicen que el ambiente del rock perjudicaba su carrera como modelo) que salió en conjunto con el primero de Miguel Abuelo y del trío Manal.

Gabriela fue la primera mujer que logró registrar un larga duración con nombre propio y es por esto que se la considera la primera mujer del rock argentino.
Gabriela era una chica que deambulaba a comienzos de los años 70 por la escena que nucleaba a los impulsores de aquellos míticos primeros festivales B.A.Rock, aquellos hippies. Pero Gabriela no era una chica más, ya que poseía una armonía vocal muy trabajada por aquellos días además de componer canciones que encajaban perfectamente con las ideas y el folclore roquero de esos años. Así fue como la cantante debutó en el segundo festival B.A.Rock realizado en 1971. En esa ocasión la banda que acompañaba a Gabriela es observada hoy con cierto asombró y algunos no dudan en colgarle el rótulo de “supergrupo”: Edelmiro Molinari se hacía cargo de la guitarra, Litto Nebbia de los teclados mientras David Lebón desde el bajo marcaba ritmo junto a Oscar Moro que se lucía desde la batería. En aquel festival (realizado en el Velódromo) Gabriela se presentó en sociedad ante aproximadamente 5.000 almas.
Seguido a eso, la cantante se unió al movimiento que proponía la alternativa acústica con fuertes guiños al folk, la canción y el folclore. Así fue que participó del hoy mítico “Acusticazo” (algo así como un umplugged pero mucho antes que a la MTV se les prenda la lamparita tragabilletes) junto a León Gieco, Raúl Porchetto y Litto Nebbia entre otros.
Fue en ese 1972 cuando tras la buena difusión de su segundo simple (“Mamá, Mercurio ha venido por mí”) Gabriela se meta a desarrollar lo que fue su primer disco homónimo.
El disco sorprendía no sólo al público, lo que se plasmó en una difusión más que interesante para la época, sino que recibía excelentes críticas como la de la Revista Pelo que la acusaba de demostrar que “las nenas, más que cantar como adornos, pueden hacerlo en serio y además componer”. La primera patada a la estructura machista: una mujer componía rock, lo cantaba, grababa discos y le iba muy bien.
Su actuación en el B.A.Rock III quedó inmortalizada en la película de Anibal Uset (“Rock hasta que se ponga el sol”) y en 1974 Gabriela editó su tercer EP que contenía “Voy a dejar esta casa, papá” y el excelente “Has tu mente al invierno del sur”. Siguió con sus presentaciones hasta que en 1976 (como muchos) decidió radicarse con su entonces pareja, Edelmiro Molinari, en Los Ángeles.
Allí compuso lo que iba a ser su regreso a las tierras pampas: “Ubalé” que se editó en la Argentina en 1982 y fue presentado en una pequeña estadía de la cantante en nuestro país.
Muchos se habían olvidado de ella cuando reapareció (nuevamente en Argentina) en 1990 con su tercer álbum: “Altas planicies”, un disco que tuvo muy poca repercusión y que contó con la participación de varios históricos del movimiento nacional.
Actualmente radicada en los Estados Unidos y en pareja con Pino Marrone (el ahora blusero guitarrista de Crucis) Gabriela fue la encargada de abrir un camino que aún hoy es sinuoso y lleno de obstáculos. Muchas son las damas que han dejado su sello en la historia de nuestro rock, pero (si sirve como dato) Gabriela grabó 10 años antes que Celeste Carballo y que Patricia Sosa con La Torre, 15 años antes que la aparición de Fabiana Cantillo en Los Twist y casi con casi dos décadas de anterioridad que las Viudas o Hilda Lizarazu. Un camino abierto por una mujer que, cuando la cosa comenzaba a gestarse logró romper con preconceptos y tabúes para encarnar todos los sueños, realidades y proyectos de toda una generación de artistas que parió esto que hoy tenemos…(obviamente, a veces para mal…los hijos se rebelan)

Publicado también en EL MUNDO ENTRE LAS MANOS

2 jul 2009

NOS PONGAMOS EN PELOTAS!


Entre las gloriosas épocas de Juan Gatti, la complejidad de Rocambole o las fotos de "Dylan" Martí, la historia de las caratulas aparecidas a lo largo de la historia del Rock en la Argentina guarda su lugar para aquellos que decidieron, en diferentes épocas, poner el cuerpo, literalmente. Como bien lo marca la historia, tuvieron que pasar poco más de dos décadas para que a alguien se le ocurriese emular la histórica tapa de la pareja Lennon-Yoko Ono en Two virgins (1968) en donde el todavía beatle y su esposa oriantal posaban en tapa como dios los trajo al mundo. Aquello era todo un concepto de época, sin dejar de notar el caracter rupturista de aquella imagen que copó bateas de una sociedad acartonada.

Hubo en la Argentina intentos, insunuaciones, sospechas...de todo. Lo sexual continúo siendo un tabú. Se transparentaba en las letra pero las imágenes (y sobre todo las portadas!) parecía un escollo que nadie se aventuraba a cruzar. La supuesta vagina chorreada del Durazno Sangrando de Invisible (1975), el culo pop de Superficies de Placer (Virus, 1987) y más acá en el tiempo... las tetas calientes de Leche (IKV, 1999), la morcilla de Divididos en Vengo del Placard de otro (2002) y la provocativa tapa de Jessico (Babasónicos, 2001).

Pero, en rigor de verdad, fueron los Pachuco Cadaver los primeros que pusieron su cuerpo al servicio del packashing de su primer disco editado en el país , 3 huevos bajo tierra, aparecido en 1991. "Yo le dije a Piccolini: la única manera de que vendamos este disco en la Argentina, es poniéndonos en bolas en la tapa" cuenta Roberto Pettinatto, que radicado en España buscaba su experiencia post-Sumo luego de encontrarse con Guillermo Piccolini y Willy Crook. La tapa, pasará la historia por el tamaño del pito del saxofonista y periodista devenido en showman televisivo. La idea es del propio Pettinatto: "De todas las tomas elegimos ésta porque era en la que mi pito salía más chico, y me parecía que la gente de lo que iba a hablar era del pito chico de Pettinatto. Mucho más en este país, donde a todos les gusta burlarse del pito chico ajeno". Así fue la idea y el resultado de aquella tapa que sirvió de presentación para una banda que ha pasado a la historia sin ser, a mi humilde modo de ver las cosas, el reconocimiento merecido. Al igual que Almendra, la explosión Sumo tuvo tres vertientes. Las dos más conocidas (Divididos y Las Pelotas) y Pachuco Cadaver.

Después vinieron otras famosas exposiciones corporales. Quizás, la única capaz de vencer en el rubro a la comentada anteriormente, sea la tapa de Cabeza de los Pez, aparecido en 1994. Una verdadera muestra de prepucios en primerísmo plano. Ariel Minimal, Poli y Alez Barbieri tomaron sus repsetivos penes, lo apretaron y dejaron al descubierto, ese pedazo de cuero que la creación puso al miembro masculino para proteger al glande. Tal cual es la tapa.

Las caratulas siguieron, la andrógina desnudez de Andrea Alvarez en Dormis? (2005) y la apuesta de Gil Solá al desnudar a su hija y su mujer y hacerlas caminar por el medio de la pampa secapara la caratula de Leaving las vergas es una prueba más de las experincias nudistas en la historia de nuestro rock. Experiencias que tienen que ver con un concepto estético, pero también con una actitud ante la vida, la sociedad, sus modismos, formas de ver al mundo, hartarse de él y conmoverlo de manera permanente.

Podés leer la historia de las tapas de los discos del rock argentino en el libro "A todo volumen. historias de tapas del rock argentino" que editó Sebastián Ramos en el 2008.

1 jul 2009

DESENTERRANDO LA MARIPOSA (Pelo 1981)

Precursor de la música de rock argentina, regresó al país Miguel Abuelo. Su larga experiencia en varios países de Europa nutrió su acervo musical y humano, al que muy pronto tendrá acceso el público cuando se presente en un escenario local.

Mediados de la década del '60. Pueyrredón 1723. Subsuelo. Allí se reúnen todas las noches un grupo de muchachos, a los que más tarde se les daría el nombre de "pioneros del rock argentino". Billy Bond, Javier Martínez, Moris, Los Gatos, Tango, los hermanos Fattorusso, entre otros. El lugar es "La Cueva" y puede decirse que allí nace el rock nacional. Y entre todos esos jóvenes, hay uno bajito pero de gran talento: Miguel Abuelo. El mismo que hace diez años partió hacia Europa y que ahora ha regresado con sus valijas repletas de experiencias y ganas de mostrarle a sus compatriotas la música que hace.
Miguel Abuelo: "En Europa estuve haciendo lo de siempre, o sea: teatro, cine, televisión, música, composición, bandas de sonido para películas, etcétera. Anduve por España, Francia, Inglaterra. Toqué con Mike Heron de la Incredible String Band. También toqué con músicos franceses, ingleses, españoles y argentinos, como Miguel Cantilo, Kubero Díaz, Carlos Joana, Miguel Segovia. Cachorro López. "Además edité un libro —que ahora va a salir aquí— en Barcelona. En él hay poemas, dibujos, blues, rock, funky. En los últimos tiempos canté tango en España."
Antes de partir, Miguel Abuelo había formado parte de uno de los primeros grupos del rock argentino: Los Abuelos de la Nada, banda en la que también estaban Pomo y Pappo. Ese grupo fue revivido por Miguel Abuelo en Europa.
MA: "Los Abuelos resurgieron con otra gente. Tocábamos con Miguel Cantilo, Morsi Requena, Kubero Díaz y músicos brasileños."

EMPUJANDO EL CARRO

Durante los diez años que estuvo en Europa, Miguel Abuelo trabajó en diferentes facetas artísticas.
MA: "Ya fuera empujando el carro o como mascarón de proa, siempre estuve ligado al arte. Hay editados como diez discos en los cuales trabajé como invitado de otros músicos. Que lleven mi nombre tengo un álbum editado en París, dos simples y un simple más de música para películas. El long-play vendió once mil placas, que es muy poco. Pero lo que pasó fue que el grupo se desarmó al poco tiempo de aparecido el disco y por eso no tuvo difusión. Sé que hay disquerías argentinas que están interesadas en importarlo.
"Ahora he vuelto para quedarme definitivamente. Aquí tengo un objetivo primordial que es el de hacer música. Quiero hacer giras y presentarme por todo el país. Tengo una cantidad de temas compuestos y también escenas visualizadas que habrá que desarrollar paulatinamente. Si bien volví solo, aquí estaba Cachorro López que es un bajista que ya tocó varias veces conmigo y que ahora va a volver a hacerlo. El resto de la banda lo estamos formando.
"Mi música actual es una confluencia de diferentes corrientes. No tengo ningún tipo de prejuicios ni ataduras. Por ser argentino, por haber nacido sobre un cascote tan grande y polifacético como es Buenos Aires, abarco desde el tango hasta el jazz-rock, del rock hasta el folklore, desde la música hindú, hasta la polca rusa. En realidad esto es un divague infame porque la posibilidad de hacer cosas es menor en cuanto a tres o cuatro horas de concierto que se puedan dar. De a poquito vamos a ir dándole forma al grupo y a la música.
"La música no termina, no para. Es una consecuencia de la vida de uno, por lo tanto continúa tan frágilmente como la piel que se desintegra. En mis temas no se ha perdido la esencia poética de 'Mariposas de madera', por ejemplo. Pero debido a la aparición de nuevos elementos sociales, técnicos, potenciales, he cambiado. Ya no soy aquel Miguelito que cantaba 'Mariposas de madera' con vibrato nervioso. Ahora soy más sustancial, tengo más centro de gravedad, por lo que los temas cambiaron completamente de acuerdo al tiempo. Cambiaron, se mutaron, se enterraron, son otros.

PRECIOSOS RECUERDOS

Diez años es mucho tiempo y Miguel Abuelo lo sabe. Sabe también que la gran mayoría del público actual no vivió las épocas de La Cueva, y que son pocos quienes lo recordarán. Sin embargo, eso es algo que no te preocupa.
MA: "Soy consciente de que tengo que largar de cero. Cada cosa que me ha pasado en la vida, tuve que largar de cero. La vida es un cero, sino no podríamos dormir todos los días. Lo que me alienta a vivir es la posibilidad de estar creando todo el tiempo. Y eso es algo que está dentro mío desde las épocas de La Cueva. Tengo unos recuerdos preciosos de aquella época. Recuerdo pelos, cintas volando, risas francas y abiertas, una amistad sin compromiso, una ambición por lo más grande y un lenguaje —por cierto muy poco objetivo— pero sí muy cargado de juventud. Era muy grato aquel vivir estrafalario."

Curiosamente, varios de los ex pobladores de La Cueva que se habían alejado del país, están en estos momentos en Argentina.
MA: "A Moris lo vi por televisión. Creo que sigue su camino, sigue su impulso, su naturaleza. Por cierto es una naturaleza que da bastante que rabiar a un oyente que espera más de esa naturaleza. Pero a mí no me corresponde rabiar con esa naturaleza; más bien le guardo afecto. Cada uno hace lo que puede.
"Yo soy un enamorado de la música de Javier Martínez. Creo que lo que están incubando en el estudio no debe ser ninguna tontería porque son tres grandes 'bichos' los que se juntaron ahí adentro."

A pesar de los diez años en que estuvo fuera del país, Miguel Abuelo conoce bastante de lo que se hizo en el rock nacional en todo este tiempo.
MA: "Escuché a Seru Giran, Spinetta y sus etcéteras, un poco de León Gieco. En realidad no me interesó lo que ocurría en el movimiento musical en este país. Y no lo digo despectivamente, sino con cariño. Lo que ocurre es que estuve desconectado.
"Creo que en dos meses más volveré a estar sobre un escenario argentino. Voy a hacer temas míos, de Cachorro López, de Daniel Melingo, etcétera. Algunos temas populares de diferentes regiones ... Lo latino me interesa, porque soy latino. La música europea me interesa, porque viví mucho tiempo en Europa. La electrónica también me interesa. En realidad, lo que más quiero es cantar, cantar, cantar. Cantar y decir cosas..."

Fuente: MAGICAS RUINAS