CONTRA TODOS LOS MALES DE ESTE MUNDO

FITO, EL FACHO.

2011-07-13T17:28:00.000-07:00

Solamente al fascista de Fito Paez se le ocurre expresar su bronca de una manera tan categórica como lo hizo en la contratapa de uno de los diarios más importates del país. Sólo a un tipo como el rosarino se le puede ocurrir que eso tiene sentido. Sólo Paez tuvo pelotas conjugadas con genialidad.

Fito es un facho. Un facho en Argentina.

Un facho que hoy tiene que aguantar a "niños bien" ofendidos y a intelectuales de pocillo y pasillo explicándole por cadena nacional qué es lo que se debe y lo que no. A la "gente" no le gusta que le digan lo que tiene que hacer, a los políticos les retuerce el alma una pluma cargada como la del rosarino. Porque hablar desde las entrañas asqueadas es peligroso para ellos, para todos, porque desenmascara errores, debilidades, miserias. Y te convierte en un facho, claro.

A algún amarillo se le pasó por alto que fue sólo Fito el que se quejó de un resultado electoral , reconociendo el sagrado derecho de las urnas ("Siento que el cuerpo celeste de la ciudad se retuerce en arcadas al ver a toda esta jauría de ineptos e incapaces llevar por sus calles una corona de oro, que hoy les corresponde por el voto popular pero que no está hecha a su medida.) Algunos se quejan y argumentan razones sobre la calificación de los votos, sobre la clase social degradada, sobre el clientelismo, sobre la corrupción, sobre las adicciones, sobre la cooptación y eso no es escandaloso ni pone en duda algún tipo de legitimidad que directamente se desconoce sobre “el otro”.

A algún estratega se le escapará que no tiene que buscar en Fito una forma de encarar una campaña electoral, porque Paez no es político, no es militante, ni siquiera creo que suscriba abiertamente a una corriente de pensamiento en la actualidad. Entoces no le pidan a Paez que construya lo que no han podido construir otros desde las acciones cotidianas que encaran con fines específicos.

Fito Paez es un artista, un artista incorrecto que hizo gala de su incorrección con resultados que anduvieron por las pinceladas de hermosura y por las montañas de mierda. Está en su derecho de decir lo que quiera de la forma en que lo deseé porque dejaría de ser quien es si en algún momento elige callarse por algún mandamiento que lo aleje de su propio ser.

Al facho de Fito Paez le da asco la mitad de Buenos Aires. Capaz que su asco es mezquino. Si uno analiza los argumentos esgrimidos, a Fito debería asquearlo media argentina.

Simplemente, por facha.

DE REGRESO...

2011-06-20T14:55:00.000-07:00

Han pasado seis meses de las últimas impresiones compartidas y millones de sonidos quedaron anclados en el tiempo o pasaron velozmente por delante de nuestras vidas sin que podamos apenas percatarnos de su trascendencia que nos cruza y nos conmueve.
Pasaron seis meses de nuestras últimas palabras y aún así retumban en nuestras memorias cientos de historias compartidas y retazos de relatos que necesitamos unir para volver a convertirnos en esto que supimos inventar, como parte de una cultura, de un movimiento.
Seis meses después, necesitamos afinar el presente para reconstruir nuestro pasado con armonía y así hacer que el futuro suene al compás de nuestras perspectivas.
Redoblemos el desafío de renacer entonces!
Tenemos millones de excusas, acentuando las mismas que nos movieron a nacer y retrucando cuando el silencio no pide permiso y se posa impune ante nuestras narices calmas.
No será su victoria la que nos tendrá como espectadores, porque la música no para y eso quiere decir que las pasiones se multiplican, los temores encuentras resguardo, el pasado nos vuelve a golpear la puerta, el futuro corre y nosotros nos procuramos, al menos, no perderle pisada.
Acá estamos, una vez más para envalentonarnos en este viaje eterno...
...donde las palabras son las protagonistas...
...la música, la excusa...
...y la vida, la aventura...

2011...destino circular

2011-02-07T12:21:00.000-08:00

Los dos años que marcaron el final de la primera década del SXXI, estuvieron signados por las novedades recetadas y los rescates que se dividieron entre la melancolía y los revivals aggiornados a las nuevas exigencias. Los factores que van cercenando las posibilidades para los nuevos actores aportaron en parte al efecto que marca los días posteriores al "Cromagnon extendido". Es decir, espacios que se cierran y luces que no terminan de poder encenderse, lo que genera, en parte, un encadilamiento molesto de quienes tienen la posibilidad de brillar casi en soledad.

La perspectiva para lo que viene entonces comienza a centrarse en el realismo mágico. Es decir, en contemplar la posibilidad de que alguien revolucione la escena de modo inesperado. Salvando las diferencias, como a comienzos de siglo tres mosqueteros manotearon electroacústicas para sacudir de canciones la escena musical, el futuro deberá aguardar algo similar. Obviamente, la suerte también tendrá que aparcer como factor de poder que logre hacerle mella al mercado, que dice agonizar pero no desaparece. Es decir, más allá de la democratización que supone un buen uso de las tecnologías de la información, no está de más decir que aún hoy, son las grades multinacionales quienes gobiernan la escucha masiva. El oído popular. Lo que suena y lo que no (en términos relativos, claro está). No es tampoco muy arriesgado animarse a esperar un despegue al estilo Calle 13 (tal vez, lo más interesante que le pasó a la música latinoamericana del nuevo siglo). Porque, desde el año que pasó, se explicita que se puede utilizar al sistema para "explotar desde adentro" y echar a rodar caminos alternativos. Puede ser escuela o puede ser, tan sólo, otro experimento de liberación.

Quedará por descifrar la la incógnita con respecto al supuesto despegue de los sonidos digitados. Las tendencias que se presentan como "novedosas" y que poco tienen de apuesta de ruptura, más allá de los reacomodamientos clásicos que parecen un gran collage de fórmulas anteriores ("la historia prosigue, pero amigos yo ya la ví"). Por lo pronto, pocos son los indicios para pensar que el sistema no terminará por destruir las cosas que él mismo contruyó.

En fin, sòlo resta por el esperar el desvelo, la certeza de que por debajo de todo algo crece sigue latente, y las esperanzas de que las semillas sembradas por la historia florezcan de una vez por todas no claudicarán hasta que definitivamente alguién se disponga a dictaminar el fin de los tiempos. Por el momento, el destino es circular...y gira siempre en el mismo lugar.

PIN, EL VIOLÍN REBELDE

2010-09-30T23:37:00.000-07:00

Pernoctar y adentrase en el mundo virtual puede tener resultados varios. Cuando ví que Correa hablaba ya con tranquilidad tranquilizadora, apague la caja y me fui a dar una vuelta por el epacio de videos de mi amigo (del alma virtual) Freddy. Ahí de entrada, me topé con Aljandro Median y su banda haciendo el excelente tema "Un Ángel". Ahí esta Jorge Pinchevsky tocando el violín. Tocando, es una forma de decir.

Pin es rosarino (otro), capaz que es un dato que a muchos se nos pasa porque el lugar que naturalizamos cuando hablamos de él es La Plata. Ahí, su violín mágico hizo historia. Todas las posturas ante la vida, deberían ser valoradas por el simple hecho del respeto, pasa que hay algunas que resaltan por sobre el resto. Pinchevsky estaba predesetinado a ser un concertista clásico. Desde los cinco años descocía violines y eso lo llevó a tocar en los más renombrados cuerpos estables de la ciudad. Estuvo 5 años en la Orquesta Sinfónica de La Plata, 2 años en la Orquesta de la Municipalidad y 3 años en la Orquesta de Cámara de la Universidad. Pero cuando la electricidad se cruzó por su camino, supo comprender el guiño del destino. Y se convirtió en ese tipo que tanto nos cautivó.
Se definía como un "traidor a la música clásica", aunque en realidad fue uno de los primeros que apostó a readecuarla a un sónido más terrenal. Capaz que la frase que mejor identifica lo que Pin significó para el resto del país, salió de su propia boca: "Me tocó ser el representante de los músicos clásicos a los cuales les gustaba tocar progresiva pero no podían hacerlo porque se les habría coagulado la sangre del miedo". Se bancó el miedo y se convirtió en el violín más recordado de la cultura rock vernácula. Tanto así, que avanzar más allá de su nombre suele ser tarea complicada si intentásemos enumerar violines roqueros en nuestras pampas.
Su curriculum advierte más de treinta discos editados (entre propios y participaciones), algunos de ellos, obras fundamentales de nuestra música popular y una etapa alrededor del mundo en donde su selló arrasó las fronteras territoriales casi con la misma intensidad con que había destrozado las artísticas. Fue uno de los primeros hippies en aquellas comunidades que florecían en La Plata y El Bolsón. La dificil situación del país lo eyectó a tierras francesas e inglesas y allí, luego de experimentar los años duros de vivir "a la gorra" y dormir en la calle, se codeó con los más renombrados nombres del rock mundial. Formó sus bandas, grabó sus discos y emprendío lentamente un regreso al país que se iba a concretar finalmente a comienzos de los noventa.
Siguió enamorando con su música y su simpleza hasta que un infausto accidente en bicicleta puso punto final a la magia, una tarde del año 2003, mientras naufragaba olvidado por la mayoría de aquellos que siempre dijeron adorarlo.
Jorge Pinchevsky, "Pin" como lo llamaban sus amigos. Un tipo que supo hallar la forma de romper moldes y estructuras cuando el simple hecho de intentarlo podían traer aparejado consecuencias atroces.

EL FIN DE LA INOCENCIA...35 años de Adiós Sui Generis.

2010-09-19T21:38:00.000-07:00

Hubo un momento en la historia de la Argentina en la que ser joven remitía, irremediablemente, a una sensación de peligro permanente. Alejados del mundo que proponían los adultos, cientos de jóvenes empezaron a buscar estrategias que les permitiesen sentirse parte de un colectivo que los representara de manera más íntegra. A la par de una explosión de participación política sin precedentes en la juventud argentina, un movimiento de asentamiento más universal buscaba asentarse en la cultura nacional haciendo hincapié en una apuesta estética que encontraba en la música su principal referencia. Pero, los climas se oscurecían y todo lo que no terminaba de nacer parecía destinado a comenzar a hundirse en el barro de la historia. Si hubo un acontecimiento que definitivamente sentó las estructuras para que eso no sucediese, ese fenómeno se llamó, significativamente, Sui Generis.

El poeta y su época. Metástasis perfecta entre yo y el nosotros de la historia. Charlie García concentrará en cada una de sus emociones el sentir de una generación que no encontraba, hasta el momento, representaciones masivas y populares que los hiciera sentir parte de una identidad compartida. Desde los desaires amorosos a la crítica social más profunda, la prosa del prodigioso compositor rompía con los moldes de lo que hasta entonces se consideraba como música progresiva nacional. Su direccionalidad y postura acústica fueron un problema sólo en un principio, porque la apuesta a la maduración permanente fue lo que tal vez los ubica hoy en categoría mitológica.

Cuando todo era nada y Jorge Álvarez (el reconocido editorialista reconvertido en productor discográfico) decidió abrir las puertas de su estudio a los dos flacos de canciones melosas, pocos imaginaron lo que en aquella sala se estaba gestando. Fue “Vida”(1972) el despegue de una acelerada carrera a la masividad, que se continúo con el sonido más pulido “Confesiones de Invierno” (1973) y encontró el pico más alto de inspiración en “Pequeñas anécdotas sobre las Instituciones” que ya en 1974 comenzaba a ser víctima de la dictadura del lápiz rojo y las tijeras desafortunadas. La inocencia que se mezcla con lo promiscuo y las melodías simples que vociferan espasmos emocionales eclipsaron a aquel conjunto social que encontraba un lugar en el que a todos les pasaba lo mismo y eso que les pasaba, se escuchaba desde el winco.

Hace 35 años Sui Generis juntaba 36 mil personas en su recital de despedida. Aquello fue el afianzamiento definitivo del rock argentino en la cultura popular. Disco doble en vivo (con el correr del tiempo aparecería una tercera parte) y registro cinematográfico (se estrenó en 1976 y la dictadura la prohibió para menores de 18 años). La fórmula era perfecta, pero nadie por fuera del circuito clásico de los roqueros de entonces había tomado nota que aquellos jóvenes que parecían inofensivos estaban marcando a fuego la cultura argentina. Aquellos espectáculos en el Luna Park sirvieron para marcar el terreno, “pero más allá de eso, el doble recital se convirtió en un hito de un valor fundamental para la música de rock. Que eso es cierto no lo demuestran las alabanzas sino el tratamiento que le dio la prensa general a un acontecimiento que sistemáticamente se resistieron a comprender.”^¹

Cuando aquel dúo folk se había convertido en una banda de música progresiva que comenzaba a apuntar sus dardos contra el frágil sistema institucional que apremiaba a la Argentina decidió separarse, aquella generación que se había redescubierto a partir de sus canciones comenzaba a transitar la noche más oscura de sus vidas. La vida y la muerte esperaban en cada esquina y el reencuentro con cada estrofa remitía a aquel tiempo que había sido hermoso. La libertad se afianzaría como utopía y la verdad agacharía la cabeza por décadas. Charlie García empezaba a disfrazarse de sintetizador y Nito Mestre seguía apostando a la fórmula que lo había convertido en la voz que había incorporado a la mujer al mundillo roquero. Pasaron los años y aquella primera generación enamorada de Sui Generis, se reproduce con el paso de los años porque ser joven sigue siendo algo complicado, más allá de dictaduras y más allá de las democracias.

1 Revista Pelo. Septiembre de 1975.

DE LA MISMA MADERA...

2010-06-17T21:41:00.000-07:00

Hay músicas que llevan consigo aromas de época. Que le permiten a la historia asomarse detrás de cada fraseo y de cada postura artística. La sangre olimareña que Camilo López se propone revitalizar a través de su obra, logra traer a nuestros días aquellos conceptos que marcaron una etapa de la musicología latinoamericana y que, hoy, se revitalizan y se permiten ser reinterpretados de la mano de nuevas tendencias generacionales, donde la historia se conjuga con el futuro. Olimareño desde la cuna, el hijo de Braulio López se hace cargo de su procedencia y, en dialogo permanente con sus bases vitales y armónicas, se la juega con una propuesta novedosa que pone a dialogar una historia de luchas, exilios y, sobre todo, mucha música.

TODA LA VIDA TIENE MÚSICA

La relación de Camilo con la música es natural, pero en algún momento se convirtió en el rumbo definitivo de su vida. “Uno se crió en un ambiente de músicos. Por lo que la relación con la música nace conmigo. Acompañando siempre a mi padre por todos lados en un ambiente de músicos principalmente y eso va derivando en la posibilidad de seguir con la música. Seguir por mi lado o acompañándolo a él, pero intentando mostrar siempre cosas nuevas. Respetar la sangre olimareña pero con nuevas perspectivas, con perspectivas a los nuevos tiempos.”

E.S: ¿Cómo se va conjugando ese respeto por la sangre con “todo lo demás”?

C: Eso lo vengo logrando bien. El músico debe expresar lo que siente y busca lograr una expresividad propia. No seguir haciendo todo lo que hace papá, sino tomar todo lo que aprendí de él y buscar el camino propio. No dedicarme a ser “el hijo de”. Eso me lleva a lograr una fusión de varios ritmos musicales: el candombe, el rock, el son, algo de folclore, siempre pensando abrir nuevos caminos. La misma cabeza, en diferentes músicas.

E.S: ¿De dónde va

n saliendo todas esas músicas?

C: Las voy sacando de toda esa vida acompañando a mi viejo y todo ese camino musical. Rescato muchas cosas de los viajes, del exilio. Nosotros anduvimos por Francia, por México, por Italia, por España. Yo voy rescatando mucho esas cosas en mi música. Quizás eso es lo que me da la oportunidad de haber crecido como músico y como artista y que me permite ahora encarar algo nuevo desde mi propuesta.

E.S: ¿Qué respuestas encontrás de esa parte del público que puede sentirse atraído por la “propuesta olimareña”?

C: Hay público muy fanático y de repente va a ver cosas de Los Olimareños. Nosotros lo hacemos pero a nuestra manera y yo creo que eso no choca, que se entiende. Hay como una especie de reconocimiento. Podría hacerlo igual, pero no lo hago igual porque para eso están ellos, esta mi viejo. Creo que las cosas nuevas, lo que yo hago gusta mucho porque la temática, la letra, el contenido es exacta

mente la misma, agregada a estos tiempos. El público se fusiona y eso está muy bueno.

LOS OLIMAREÑOS Y LA POLÍTICA URUGUAYA

Camilo suele acompañar, cada vez que puede, al dúo que inmortalizaron su padre y Pepe Guerra desde comienzos de los 60´s. Desde su regreso a los escenarios, Los Olimareños han afianzado sus giras por el Uruguay y por diferentes países de Latinoamérica, interpelando (al igual que se propone C

amilo) a los nuevos públicos…

C: La vuelta de Los Olimareños era una deuda que, hasta familiarmente, nosotros teníamos. Era muy importante, tanto para mi viejo como para el Pepe, era algo que se debían entre ellos y que le debían al público. Una deuda pendiente. Eso queda demostrado desde lo que pasa ahora. Se armó el regreso, se hizo la despedida, pero nunca pueden terminar de despedirse. Esto que pasa lo veo también acompañado de lo que es resurgimiento de la política uruguaya y todo lo que esta pasando con Mujica.

E.S: Es como que las coyunturas políticas fueron “preparando el terreno”…

C: Sí, la vuelta se empasta ese reencuentro con la nueva propuesta que hoy tiene Uruguay. Se luchó durante años para que esto suceda, para que hoy Mujica sea el presidente. Mi viejo peleo toda la vida por eso junto con muchos otros artistas. Las dos cosas van acompañadas en el Uruguay. Y también veo que Latinoamérica hay un resurgimiento que se dio después de muchos siglos de vida, por una vez podemos ver una unión en la región. Vemos que nos podemos juntar si empezamos a respetarnos un poco más, dialogar, sentarnos y más allá de las diferencias políticas reconocer que le los gobernantes se deben al pueblo, a la gente. Y así se trabaja por la gente, lejos de individualizarse y pelearse entre ellos, porque la gente los votó para eso, no para que se pelean entre ellos como a veces se ve. Eso es lo que tiene Mujica. Sabiendo de donde viene, más allá de que tenga sus diferencias con un montón de sectores, él tiene claro que tiene que trabajar para el país, para toda la gente, no para un determinado sector. En base a eso tomará las decisiones que haya que tomar pero no devaluar la política en peleas, a partir de eso un país puede salir adelante. Eso es lo que yo veo en el caso de mi país.

E.S: ¿Y desde la opocisión se comparte la propuesta?

C: Yo no sé si esta idea es compartida desde el otro lado. Yo sé que Mujica está dando el ejemplo. El la primera reunión que tuvo fue con los militares, y ahí se decía que se iba a pelear, que los iba a meter a todos presos y no fue asi. ¿Qué hizo? Empezar a trabajar en conjunto. El tipo da un ejemplo en cada una de las cosas que hace. El sienta las bases y vos tenés y vos te das cuenta de que si no agarras te quedas afuera de algo grande, importante. “El Pepe” es claro, habla justo, sabe dialogar y todos logran entenderlo. El te canta la justa, a veces es duro, pero sin agraviarte te dice las cosas como son. Yo creo que van a ser los mejores años en mucho tiempo, el país va a cambiar mucho. Tanto es así que mucha gente del Partido Colorado o el Blanco, que nada tienen que ver con el Frente Amplio, lo terminan apoyando a él. El intenta unir el país y eso se nota, en sus discursos invitaba a los jóvenes de la ciudad a conocer los pueblos del interior, conocer otras realidades del Uruguay, eso es muy valorable.

* Publicado en REVISTA EL SUR

A proposito del Mundial...(1)

2010-06-11T14:27:00.000-07:00

Mucho se ha hablado durante estos días de "las barras" y la violencia en el fútbol. El viaje (y posterior deportación) de los líderes que se tomaron el avión hasta Sudáfrica puso sobre la mesa, una vez más, el tema de la violencia organizada en el deporte más popular de la Argentina.
Luis Alberto Spinetta trabajó la temática en "La bengala perdida" que formó parte del disco "Tester de Violencia", aparecido en 1988.

El que, a mi juicio, es uno de los puntos más altos de la riquísma obra spinettiana aparece como un paradigma de lo que representó el álbum que el flaco había comenzado a grabar en 1987 (la etapa post-Fito).

Por un lado, la inspiración sobre un hecho de extrema violencia (la muerte de un hincha de Racing, Roberto Basile, cuyo cuello fue atravesado por un proyectil lanzado desde la tribuna local por un hincha de Boca) que se mimetiza con el nombre del disco pero se desvanece en la temática general de un trabajo que no expresa cabalmente la noción violenta. A la par de una estética dark en ascenso, el disco de Spinetta aparecía como algo ligero desde lo melódico pero denso desde los climas que se generaban, principalmente sobre el trabajo lírico.
Por otro lado, conviven en ese tema dos posturas en constante paradoja durante el desarrollo del disco. Novedoso en la carrera de Luis, la temática del cuerpo se impone a lo intangible, al alma, al universo. A la vez, esa forma de contar historias con firmes bases sobre la materialidad debe conjugarse con la explícita influencia que sobre el trabajo spinettiano comenzaban a tener filosofos de la talla de Michel Foucault (también vuelve a aparecer el omnipresente Carlos Castaneda) lo que exige un esfuerzo intelectual a la hora de la comprensión del álbum como totalidad. "Esas lecturas me motivaron a escribir pequeños ensayos, de los cuales luego tomé imágenes y resumí algunos conceptos" le contaba el flaco a Eduardo Bertí para su libro "Crónicas e iluminaciones" al hablar del modo en que el trabajo filosófico se asentaba sobre lo mundano en el disco.
Este disco también habrá pasado a la historia como el debut de los artistas que luego saltarán a la masividad como Illia Kuriaky and The Valderramas, Valentino Spinetta y Lucas Martí. A decir verdad, los hijos de Spinetta y de su gran amigo el fotógrafo Dylan Martí se juntaron para darle vida a una agrupación circunstancial ("Pechugo") que escribió y grabó el tema más violento de "Tester...", "El mono tremendo".

"Mis hijos están muy trastocados. El tema trata la violencia en el sentido estricto del horror o de la muerte. Yo al principio les discutí la letra, me hacía el gil, que pusieran otra cosa. Y los monitos me miraron con una cara que me hizo comprender que debía respetar su obra", comentaba el Flaco al suplemento Sí del Diario Clarín con respecto a aquel trabajo.

HAY OTRA MÚSICA

2010-05-28T12:53:00.000-07:00

Comentar un disco de jazz-rock en la Argentina del bicentenario resulta complicado. Sobre todo porque las referencias obligadas deben rastrearse bien atrás (obviando algunos pasajes spinettianos) no bastarían dos décadas para intentar traer a la luz alguna referencia digerible sin caer en esfuerzos mentales para ejercitar la memoria auditiva.

Machi Rufino, Lito Epumer y Cristian Judurcha se juntaron hace un tiempo a zapar junto y fueron recorriendo un trecho que deriva en este primer disco que hace reverberar los sentidos dormidos de los amantes de un género que se encuentra sólo si se camina, se busca y se pone empeño.

“Power Trío” es un nombre atinado. No por el mandato natural que nos obligaría a comprender que estamos en frente de algo así como una reunión cumbre de grandes gigantes dormidos (no por decisión propia, claro está) sino porque a lo largo de sus nueve tracks el disco se asienta en pulsos concretos que tienen que ver mucho más con el rock que con el jazz. Los arreglos de Epumer, la exquisitez de Judurcha y el virtuosismo solapado de Machi (en “Durazno Sangrando” todo se hace explícito) redondean un trabajo con aires bluseros que vuelven a convencer al escucha de que es posible balancearse en las tan devastadas aguas del virtuosismo instrumental.

Las versiones finales de "Cold Turkey" con Pedro Aznar y de "Stratus" de Billy Cobham, Ricardo Mollo que se grabaron en vivo en La Trastienda sólo invitan a agudizar los conceptos que se arrojan soberbiamente a lo largo de la travesía en el estudio. Sobran los motivos para festejar el primer álbum de este power trío argento que, posiblemente, este predestinado a colmar salas semanalmente sin el beneficio de generar la repercusión mediática que demanda la idiotez.

NUESTRO AMO JUEGA AL ESCLAVO

2010-05-15T17:25:00.000-07:00

Probablemente sea necesario continuar arrojando leña al fuego mitológico. Ese alo de inaccesibilidad del que siempre hicieron gala, convencidos de que eso los transformaba en semidioses. Si en algún momento me convencí de que la pelea entre Skay y el Indio era el principio de transparencia triunfando por sobre la opacidad recostada sobre la incertidumbre y el hermetismo, hoy me debo afirmar (con tristeza) que la situación comienza a tomar ribetes repudiables.

Fueron los sostenedores de una bandera valiosísima que guió a cientos de artistas a comulgar con la idependencia artística, fueron una banda como pocas hubo en nuestro país, encriptaron mensajes y educaron poéticamente a más de dos generaciones. Fueron el refugio de un puñado de jóvenes expulsados del sistema en medio de las sucesivas debacles nacionales, se encumbraron como la banda más convocante que jamás haya existido en la Argentina. Dijeron "no transar", explicaron que estaban obligados a ocupar estadios porque ya no podían manejar lo que habían producido en sus fieles seguidores. Lentamente, se fueron pisando la cola entre ellos mismos hasta que desaparecieron primero y luego lo explicaron sin explicarlo.
Nos esforzábamos intentando entender, escuchábamos los discos y buscábamos los matices que explicarán algunas diferencias que peritiesen encontrar algún indicio. No aparecían hasta que ellos se volvieron a vestir para salir a escena. Cada uno elegió su pose y salieron al ruedo. A matarse, uno contra otro. El problema fue el de siempre...¿los celos?...¿el perfil musical?...¿la apuesta artística?...¿los años de desgaste?...No...la respuesta más temida apareció en el horizonte...los redondos se pelearon por la guita.
Se acusaron mutuamente de querer "apropiarse de la historia". Eso significaba que alguièn poseía material jamás editado, fotos, videos y demás elementos que aportarían hoy un caudal económico más que interesante. Encapsulados en sus mansiones, alejados de esa "clase desangelada" que siempre dijeron crípticamente representar, se pelean por los derechos económicos producidos por un fenómeno que ellos comandaron, pero del que no son dueños excluisvos. ¿El valor artístico, histórico, sociológico? enorme...pero les chupa un huevo, o asi parece.
Ayer, dejaron de circular por la web los videos que retrataban los recitales que la banda había brindado en Racing, allà por 1998. Videos que, claramente, habían sido tomados con la intención de inmortalizar los shows ricoteros desde el escenario, esas cosas que parecían no existir y que, cuando aparecieron, fueron rápidamete "borrados por el usuario".
Rehenes de una historia de la que decidimos formar parte, seguimos sin entender, continuamos agachando la cabeza y puteando al vacío. Esa pose, deja de tener sentido...el obrero...era el patrón...y la plusvalía no será negociada.

EL GRITO SAGRADO

2010-05-11T06:02:00.000-07:00

El 11 de Mayo de 1913, la Asamblea General aprobò como "Marcha Patriòtica" la compocisiòn que Vicente Lopez y Planes habìa redactado en 1912 y que terminò de redondearse (tal como la conocemos) casi un año despuès, cuando el catalàn Blas Parera se hizo cargo de musicalizar la obra. Las historias alrededor de lo que hoy se conoce como "Himno Nacional Argentino" (apareciò por primera vez bajo esta denominaciòn en el año 1847) son muchas y no serà motivo de este posteo relatarlas.

Màs allà del universalismo muchas veces proclamado desde este pequeño nicho roquero, nuestra cultura rock (hoy "nacional") siempre ha establecido claros lazos con las apuestas identitarias nacionales. Sin caer en chauvinismos vacuos, se ha apostado a "lo nacional" casi de la misma manera en que se lo ha puesto en conflicto. Todo va cambiando segùn pasan los años y se suceden los acontecimientos. Pero vayamos al grano.
El rock y las canciones patriòticas, ese es el tema de este posteo. Desde la segunda parte de los noventa uno puede encontrar un puñado de apuestas (que no necesariamente tienen que ver exclusimente con el micromundo roquero) que han reversionado obras del cancionero patriòtico nacional. Pero hay dos antecedentes que, sin duda, son paradigmàticos en este tema. La idea, como siempre, es compartir...

LA MARCHA DE SAN LORENZO (BILLY BOND Y LA PESADA)
La versiòn cerraba el segundo disco de la superbanda comandada por Billy Bond. En ese segundo albùm, aparecido en 1972, la banda "estable" (los entendidos comprenderan las comillas) se completaba con Pappo, Alejandro Medina, Javier Martínez, Poli Martínez, Kubero Dìaz y Jorge Pinchevsky.

Ni bien el disco saliò a la calle, el tema fue ubicado en las listas negras de la censura comandada (por aquellos años) por la dictadura de Agustìn Cano Lanusse. Eran los ùltimos años de la autodenominada "Revoluciòn Argetina". El clima polìtico se respiraba cada vez màs denso, la vuelta de Peròn dependìa sòlo de la voluntad del lìder y la banda tenìa claras posturas al respecto. "De alguna manera, en 1970, Perón era lo contrario a lo que había y, en ese momento, te identificabas ideológicamente. Era una toma de posición, para saber de qué lado estabas: del lado de la represión o del otro. Todos nosotros, consciente o inconscientemente, estábamos del otro lado", decìa "El Bondo" años màs tarde.
La decisiòn de grabar la marcha compuesta por Carlos Benielli y Cayetano Silva surgiò de un momento a otro en las caòticas jornadas creativas de La Pesada. Uno de los argumentos esgrimidos por los militares para su prohibiciòn, alegaba la existencia de "sonidos eròticos previos a una marcha militar".Una marcha militar llevada al ritmo de elèctrico del rock and roll, era algo inconcebible para el momento. Quizàs, de ambos bandos de la vereda polìtica, eso serà cuestiòn de revisar la historia. Pero los integrantes de la banda tenìan en claro por què lo habìan hecho. "Es un grito de guerra, igual que el rock".

HIMNO NACIONAL ARGENTINO (CHARLY GARCIA)
Charly rompiò los moldes entrados los noventa. En "Filosofìa barata y zapatos de goma" (1990) grabò su versiòn del nuestro himno nacional. Bases sòlidas en sus teclados y un acompañamiento contundente de guitarras y baterìas. Sin duda, el aceleramiento y el abandono de la templanza que la solemnidad patriotica suele ostentar fueron motivos suficientes para que las quejas llegasen hasta la Justicia, que finalmente le diò el visto bueno al mùsico del bigote bicolor.

Pese a que entre sus argmentos, la Càmara Federal aducìa que la versiòn de Charly "no constituye una ofensa al sìmbolo nacional", hubieron pataleos eternos que no se resignaron a aceptar que los tiempos cambian y que una canciòn patria puede ser aggiornada, como las costumbres, como las culturas.
Renè Vargas Vera se quejaba en el año 2000 de la libertad que la Justicia le habìa otorgado a Garcìa a la hora de ejecutar la obra: "Si Charly quiso exorcizar o redimir el Himno de las versiones ceremoniales con un piano destartalado, desafinado y aporreado en nuestras escuelas, su misión está cumplida. Pero su difusión radial oficial implica el riesgo de que los chicos -que admiran su talento- incorporen dicha versión como único modelo." Esto apareciò en las pàginas del diario La Naciòn. Dime desde donde hablas...
Vale la pena aclarar que los argumentos por los que esta interpretaciòn fue llevada a la Justicia se encontraba el que, en rigor de verdad, indica que existe una normativa que da òrdenes en torno a la ejecuciòn de la obra. La forma de ejecución y el texto están establecidas en el decreto 10.302 firmado en 1944 por el Presidente Ramirez. Otro dato que marca a las claras que no se es conservador sòlo por elecciòn.
A veces, la ley nos lo obliga.

LA CANCION DEL BICENTENARIO

2010-05-10T09:24:00.000-07:00

La Naciòn argentina cumple 200 años y eso es motivo de muchìsimos festejos y homenajes que nos obligan de manera permanente a replantear nuestra historia, repensar nuestra identidad y mirar hacia el futuro sin olvidar los pasos que nos hand ejado en este lugar en el que estamos.
Historia que genera historia. Porchetto vuelve a aparecer en las bateas y en el estudio se cruza con Leòn Gieco para grabar el tema que le canta al bicentenario patrio. Lo presentò en exclusiva en "La Mañana con Victor Hugo" de Radio Continental, hace una semana...escuchà...

Canción del Bicentenario
Letra: Leon Gieco/Raul Porchetto
Mùsica: Raul Porchetto

Y vamos, lealtad y traición,
lucha y decepción.
Dos siglos que van, van, van...

Y vamos, gloria y pasión, libertad y dolor.
Dos siglos que va, van, van...
Y van...Dos siglos de inicio y final.

Nación...Persistente y desigual
Y vamos... trampas en la ley, ganar o perder.
Dos siglos que van, van, van...
Y van... dos siglos de ayer y hoy,
historia, de esperanza rota en dos.

Y vamos, sin saber muy bien,
que vendrá después, dos siglos que van, van, van...
Y vamos... Salvador vencido, milagro escondido.
Dos siglos que van, van, van...
Y vamos...

Y van... dos siglos de sombra y luz.
Nación... de un destino a cara o cruz.
Y vamos... hechos y desechos,
blanco, gris o negro.

Dos siglos que van, van, van...
Y van...Dos siglos de guerra y paz.
Historias de mentira y verdad...

EL HELADO JUSTICIERO

2010-04-20T19:40:00.000-07:00

El tìtulo de este posteo puede resultar llamativo y claramente dirigido pero la verdad es que hay veces en que una banda o un artista alcanza grados de popularidad por medios que no estàn convencializados para ese fin. La publicidad comercial de algùn producto de consumo masivo ha sido esa vìa en varias oportunidades. En nuestro rock sobran los ejemplos pero iremos de manera directa a la historia que nos convoca. Corrìa la primera etapa de los noventa y uno podìa oir una melodìa pegadiza interpretada por algùn incògnito mientras chicas y chicos corrìan por la playa en trajes de baño (que hoy resultan hasta ridìculos). "Toda la noche hasta que salga el sol tomando un helado de Frigor...Sin Parar" ¿Se acuerdan?. Aquella publicidad dejò en el inconsciente colectivo de nuestro paìs esos fraseos que habìan nacido una dècada atràs. La banda se llamaba Orions y tenìa una prehistoria no menos rica en calidad: Orions Betthoven.

Orions Betthoven
La banda de los hermanos Adrian y Ronan Bar habìa nacido a finales de la dècada de los 60`s. Justo en el momento en que nuestra cultura roquera se movìa entre el momento de la gènesis y el crecimiento hacia la dominaciòn histriònica de los instrumentos. Con su formaciòn original (que completaba Josè Luis Gonzales detràs de los parches) tuvieron una importante participaciòn en los primeros circuitos roqueros del paìs y grabaron dos discos: "Superangel" (1973) y "Tercer Milenio" (1977). Esos discos no alcanzaron difusiòn masiva aunque platearon una forma de encarar la obra bastante arriesgada para aquellos años. Escucharlos hoy puede servir de ejmplo para comparar por un lado la diferencia que el trìo marcaba con los demàs grupos de la escena local y, por otro, còmo esa diferencia escondìa una apuesta por la experimentaciòn basada en las corrienes sinfònicas que provenìan del blues y la psicodelìa del paìs del norte. Algunas dificultades hicieron que Jorge Liechtenstein reemplazarà a Gonzales durante la època de "Superangel" aunque el baterista original retornarìa para la gabaciòn del segundo trabajo de la banda, aparecido en 1977, en el que ya se contaba con la presencia de Petty Guelache en los micròfonos.

Orions
La segunda etapa de esta banda nace iniciada la dècada de los ochenta. No hay una separaciòn conflictiva, de hecho no hay una separaciòn. Pero la suma de nuevos actores y una apuesta màs acomodada a la època que deja de lado las estridencias musicales de los virtuosos 70`s, hacen que el grupo modifique el trabajo compositivo y el nombre. Orions incorpora a Alberto Varak como voz principal y a Horacio Vàrvaro en los teclados. La mùsica se vuelve màs ligada al rock clàsico, con matices pop y una mayor presencia de lo lìrico en los formatos. En 1982 graban "Volando alto" que tiene entre sus temas el clàsico que, años despuès, se transformarìa en hit publicitario ("Toda la noche hasta que salga el sol").
En 1983, Josè Luis Gonzales muere en un accidente automovilìstico y su lugar es ocupado por un breve lapso de tiempo por Cacho D`Arias. Como sucede en estos casos, la banda no puede sobreponerse a la desapariciòn fìsica de uno de sus fundadores y finalmente termina por dislverse. Antes de eso, un disco mucho màs crudo ve la luz. "Asfalto Caliente" (1983) marca, desde su tìtulo el estado de la banda y no logra repetir la aceptaciòn masiva del anterior trabajo.

A lo mejor, la historia oficial no ha sido suficientemente justa con esta banda. No ha tomado demasiado en cuenta el trabajo de los hermanos Bar y sus compañeros. Esta banda tiene entre su anecdotario el haber particpado de todas las ediciones del Festival màs emblemàtico de nuestra historia: B.A.Rock. De hecho, es la ùnica banda que posee asistencia perfecta. Sus actuaciones estàn inmoralizadas en las dos pelìculas que retratan aquellas experiencias y su mùsica suena en cada uno de los argentinos que en algùn momento se fue a comprar una tacita de Sin Parar de paso por algùn kiosco. En fin, esto ha sido una pequeña menciòn a un grupo que entre el 69 y el 83 ha caminado en los que quizàs sean las etapas fundamentales en la construcciòn de un gènero, los tiempos en donde la apuesta se basa en nacer y mantenerse a pesar de los vientos que soplan a contramano.

¿ES SÓLO UNA CUESTIÓN DE ACTITUD?

2010-04-07T08:13:00.000-07:00

Algunos debates interesantes se han diseminado en torno a algunos discos editados recientemente. El esperado regreso de Divididos a los estudios fue motivo de numerosas críticas fundadas sólo en el pensamiento mágico que indicaba que el trío más potente del rock argentino debía revolucionar la escena a partir de una propuesta novedosa que debía partir de un trabajo de ocho años en silencio. El regreso del Paez clásico despertó a los obsecuentes de la renovación permanente y fue causa suficiente para desacreditar un disco que vuelve a poner a Fito como un referente obligado de una forma de encarar el trabajo compositivo. Si esto fuera cierto, debemos estar en condiciones de desacreditar a Calamaro, a Charly, a Spinetta, a Leòn Gieco y a tantos otros que, amparados en un estilo particular que los hace únicos caminan sobre los resortes en los que ellos mismos han impuestos los márgenes. Es decir, su estilo.

Divididos no tenía la obligación de modificar su estilo. Los años en silencio no obligan a un músico o a una banda a cambiar su forma de pararse ante la compocisión y la ejecución de sus obras. Divididos vuelve a pararse en la vereda de lo crudo, de la potencia y de las jerarquías individuales combinadas. Amapola del 66 es un gran trabajo que actualiza el lugar que el trío ocupa en la escena argentina. A su vez, es un disco que a lo largo de sus trece pistas experimenta avances compositivos (en lo lírico y en lo musical) funkea, roquea y vuelve a coquetear con la música tradicional argentina. Combo clásico, con matices novedosos. ¿Esta mal?. Exigir a un grupo que modifique su actitud y su estilo disco a disco, año a año es trabajar con la misma lógica que aquellos que denuncian "transas" cada vez que una banda adquiere notoriedad o realiza una modificación en su relación con su propia obra.
El regreso de Fito Paez corre la misma suerte. Aunque a Fito se lo maltrata más. Fue duramente criticado en su incursión al cine, despertó críticas feroces en su revisión acústica del cancionero roquero argentino (Moda y Pueblo), cientos de detractores se quejaron de la canción excesiva de "El mundo cabe en una canción", ni hablar de su sólo piano "Rodolfo". La frase que indica que Paez se repite desde "El amor después del amor" se ha convertido en una falsa verdad absoluta que se repite una y otra vez. La realidad es un poco más compleja y la progresión en la búsqueda que el artista trabaja a lo largo de su propio trabajo no puede desconocerse. Salvo que las escuchas se centren en lo básico y no tengan en cuenta los matices que van dando identidad propia a cada trabajo. El 90% de los artistas lucha años intentando encontrar su propia identidad, buscando aquellos matices que le permita perpetuarse en el inconciente colectivo con un sonido propio. Cuando lo encuentra, en eso se asienta su propia identidad como artista.
En fin, son sólo algunas puntas para el debate. El problema no es aquí si los músicos se repiten o no. La discusión debería centrarse en un análisis que tenga en cuenta las trayectorias, las coyunturas y los paisajes históricos sobre los que los músicos conmueven a la sociedad.

LA RESISTENCIA DE LA CULTURA ROCK...ALGUNOS APUNTES

2010-03-21T19:07:00.000-07:00

Durante los primeros días de los militares en el país, más allá de vivencias y sentimientos personales, los referentes de la cultura rock y su cúmulo de seguidores no se sintieron directamente perjudicados. Pese a un par de shows suspendidos (“por seguridad”), quienes sobrevivían a las razzias en los recitales, observaban un ejercito montado a la salida de los espectáculos, eran requisados de manera abusiva y trasladados en colectivos junto con decenas de jóvenes para averiguar antecedentes no veían en aquellos primeros meses un cambio significativo con respecto a lo que siempre había pasado. Claro que las cosas se endurecieron y rápidamente se comenzó a sentir: las permisiones que las fuerzas de seguridad se daban en los operativos, los traslados, las requisas, las preguntas … algo había cambiado.

Para la lógica de la dictadura había una relación entre movimiento de rock y subversión, la cuestión era desarticular el circuito de los recitales, dado que éste era el ámbito privilegiado de constitución del "nosotros" del movimiento. Pablo Vila reconoce que la práctica disuasiva que los militares llevaron a cabo en este ámbito comenzó, como recién evidenciaba, con una aparente indiferencia para seguir con una serie de pequeños movimientos que tendían a “boicotear” espacios de encuentros de menor envergadura para así ir sembrando la sensación de inseguridad y temor permanente. La bomba de gases lacrimógenos que explotó en medio de un recital del grupo Alas en 1977, responde a este tipo de “operaciones menores” que daban cuenta de la intolerancia que se comenzaba a explicitar. La “marca” dejada en los recitales más chicos, siguió con un aumento significativo del accionar militar represivo durante las previas y a las salidas de los grandes recitales que se organizaban en el Luna Park, para luego seguir con las “recomendaciones” que las fuerzas de seguridad hacían a los dueños de los locales para que no contrataran artistas de cual o tal tipo debido a su supuesta inconveniencia. Todo este accionar, fue obligando a los músicos a refugiarse en algunos centros periféricos de resistencia, sino en escuelas y en sindicatos. Muchos, cansados o amenazados, fueron lentamente expulsados al exilio.

Con una premeditación absoluta los militares se encararon de barrer los espacios colectivos existentes, promovieron la apatía y cercenaron todas las expresiones culturales que se alejaran de lo que ellos entendían debía ser la cultura argentina. Sin darse cuenta, potenciaron la convergencia de un montón de expresiones que como fin común tenían su opocisión al régimen, su poca posibilidad (no capacidad) de expresión y sus ganas de reconstruir o mantener algunos lazos permanentes. Una de las cosas que existían con anterioridad al golpe y que se potenció después del 24 de Marzo por sus características particulares fue la cooperativa artístico-musical que tenía sede en la casa de la familia Vitale. Entre los Músicos Independientes Asociados el lema era “primero el arte, segundo el negocio” y la cosa funcionaba como una institución de pedagógico-musical. Mientras Donvi ejercía el papel de formador, Lito y Liliana comandaban el barco de la compocisión y ensayos de la tribu que formaba parte de la banda y Esther se encargaba de armar los ficheros y enviar cartas a lo largo del país informando fechas de recitales o enviando discos a domicilio. Entre los músicos, también había quienes se encargaban del arte de tapa de los discos (M.I.A. grabó cuatro en total) y de las puestas en escena en vivo. “Autogestión: esa era la palabra. Como en las utopías obreras del novecientos, como en las cooperativas del viejo socialismo, M.I.A. estableció una red de oyentes a lo largo del país^{^[1]}” Esa red de oyentes se formó por medio de cartas, de información que circulaba entre conocidos, por el Expreso Imaginario, era un colectivo que funcionaba de manera muy organizada: producían sus discos, armaban sus giras, vendían sus discos, montaban sus escenarios, creaban su puesta en escena, todo en el seno de la cooperativa. Para dar un dato de la magnitud de lo forjado por los M.I.A., su disco Cornostipicum vendió 4 mil copias por adelantado, por pedidos que llegaban por carta a la casa de los Vitale.

M.I.A. (Músicos Independientes Asociados)

Fenómenos como estos tenían su correlato en el interior del país. En Rosario, Juan Carlos Baglietto, Rafael Bielsa, Adrián Abonizzio y Jorge Fandermole entre otros rosarinos (que descendieron en plena guerra de Malvinas en Buenos Aires para lanzarse a la masividad) formaron A.M.I. (Asociación de Músicos Independientes) que funcionaba de la misa manera. En Túcuman la banda Redd y en Mendoza el grupo Altablanca establecieron la misma forma de producción. Así, los primeros movimientos de músicos independientes (en boga con los adelantes tecnológicos de principio de siglo) nacieron bajo la órbita de la Argentina militar como un claro gesto de resistencia ante la opresión y la censura.

Hubo un momento en que lo más importante era recuperar los propios aires identitarios del “ser joven“. Alejados del mundo que proponían no sólo los militares sino el mundo adulto en general, cientos de jóvenes empezaron a buscar estrategias que les permitiesen sentirse parte de un colectivo un poco más representativo. Había que recuperar la noción de movimiento que años de atrás le había dado el puntapié inicial a una etapa de identidad cultural que no había terminado de nacer.

Desde mediados de 1976, acrecentándose de manera significativa hacia 1977, los parques y las plazas públicas volvieron a recuperar el papel que los militares con su estado de sitio permanente, con una ley marcial que jamás llegaron a aplicar y una persecución constante a todo lo que les resultase “ajeno” a sus concepciones de “ser nacional” les habían quitado desde el 24 de Marzo. Parque Centenario y Parque Rivadavia se convertían durante los fines de semana en sede de pequeñas congregaciones de jóvenes que gustaban de la música, los libros y del arte en todas sus expresiones. Allí, los discos se intercambiaban, los libros se prestaban y se armaban pequeñas posibilidades laborales en torno a algún proyecto que tuviese que ver con la danza, la pintura o la actuación. La artesanía y los colores también reflorecían en aquellos soplos de libertad de las tardes “en comunidad”.

Con base en esos lugares comienzan a aparecer las primeras publicaciones independientes. Escritas individual o colectivamente y con tratamiento artesanal, la producción casi clandestina de estas publicaciones (que en muchos casos sobrevivían tan sólo un par de números) daban cuenta de la necesidad de expresión que alcanzaría su punto máximo con la revista Expreso Imaginario (revista que entre 1976 y 1982 marcó un hito en la resistencia contracultural argentina), pero que se sentía extrema cuando las condiciones eran las que reinaban en aquel tiempo. Esas revistas daban cuenta de una necesidad de decir, pero también de una necesidad de “encontrarse”, no por nada surgen de los encuentros en el parque y allí se distribuyen principalmente. Pese a los intentos de los militares, la idea de lo colectivo era muy fuerte, esas revistas tenían la particularidad de tener responsables hasta la página 9 o 10 para luego dar lugar a que cada uno adose las ideas que le surgiesen, así las revistas se hacían in situ y circulaban gratuitamente entre quienes allí estaban. El rock, la cultura alternativa, producción propias de prosa, de poesía, opiniones que surgían en esa Babel que aparecía en las tardes porteñas de enclave militar.

Un hecho curioso pero simbólicamente muy fuerte tiene que ver con las “escuchas colectivas” que se organizaban en esos espacios, luego trasladados a algunos sitios más cómodos y más seguros para no perder la mística colectiva del recital. Hay testimonios en el trabajo de Pablo Vila que recogen estas experiencias en voz propia: “Era una época en que gastabas mucha más guita en recitales que en discos. ¡Gastabas mucha más guita! Pero es la época en que se empezó a escuchar discos en común. A nosotros, por ejemplo, en esa época se nos ocurrió juntarlos, entre 15 ó 10 tipos. Hicimos una discoteca gigante y escuchábamos discos entre todos. Porque era la única forma de ... de repetir el clima de los recitales, ¿viste? Nadie tenía discos en su casa, todos quedaban depositados en la casa del flaco que centralizaba. O sea que teníamos todo colectivo, ¿viste? Es que la música la vivíamos como algo colectivo... ¡es que era lo poco que tenías de colectivo!^{^[2]}" dice uno de aquellos jóvenes que se empecinaban, en medio de tanto fomento del individualismo y ruptura de los lazos sociales en buscar la forma de juntarse un compartir aquello que los hacía sentirse, aún en esos momentos, parte de algo. En las peregrinaciones a Lujan (una de las pocas manifestaciones colectivas, junto al fútbol, que los militares no atacaban)"¡La gran mayoría de la gente que iba era de condición social bastante baja, y gente muy nucleada al rock, muy ligada al rock! Yo recuerdo que, por ejemplo, era muy común que, bueno... alguien llevaba un grabador, y se juntaban 20, 25 personas ó 30, que no tenían relación entre sí más que encontrarse en ese lugar, y se nucleaban alrededor de un grabador. Y de pronto al lado tuyo pasaba un curita con un grupito de catecismo, rezando, cosas así, y todo el mundo a las puteadas porque el cura, ¿viste?, por ahí te tapaba la música. Yo después pensaba y decía ¡qué hijos de puta! porque en realidad era una cosa de la Iglesia, nosotros ahí no teníamos nada que ver. Era fortuita nuestra presencia. ¡Vos ibas a otra cosa! Aparte te digo... llegabas allá, normalmente creo que en Luján después hay una misa, en la plaza. Y nosotros ni pelota; de Luján al micro y a casa.^{^[3]}"

Uno de los hechos de resistencia más explícitos se dio en lo estrictamente musical. Durante el período analizado (que aquí delimitamos desde 1976 hasta el final de 1981) se editaron en nuestro país unas 150 placas que se pueden catalogar dentro del rubro antes delimitado. Más allá del número, que no deja de ser anecdotario pero representativo, quienes lograron grabar durante aquellos años no lograban saltar la feroz situación de censura permanente que el “Operativo Claridad” había instaurado a lo largo y lo ancho del país.

En un contexto musical, hubo dos corrientes marcadas, una de ellas encontró en la experimentación musical como parte de una estrategia para mantenerse en pie, pero lo más importante giró entorno a lo lírico.

Herederos del primer Sui Generis, el dúo Pastoral se ubicaba en una corriente acústica cuyo fuerte se basaba en cálidas y concretas melodías acompañadas con una fuerte propuesta lírica que generalmente estaba a cargo del letrista Alejandro De Michele. Su tercer disco salió a la calle en 1976 a pocos meses de la instauración del régimen y el título del tema que abría la placa, el homónimo “Humanos” sonaba a denuncia y resignación. “Humanos quieren llamarse ellos,/que matan a un ave al volar./Humanos son los que con sus manos/la vista a un hombre le han de quitar./Sí, también soy humano, y lo fue mi hermano,/antes y después de morir./Pero el odio, por la gente inculcado,/lo llevó a lo alto y consiguió la paz./Humanos son los que cavan trincheras,/son los que rompen higueras.“Humanos, humanos son.”

LA MÁQUINA DE HACER PÁJAROS

Tras la separación de Sui Generis, Charly García había formado La Máquina de Hacer Pájaros y se había asentado en una corriente musical que apostaba los amplificadores, desde allí probó la fórmula de trabajar con dos tecladistas (él y Carlos Cutaia) mezclando pasajes tangueros con lo sinfónico que aparecía por todas partes en el mundo y con algunos guiños a los ritmos latinoamericanos. Pero no descuidó el prestigio como letrista que se había ganado en su primera banda. Las letras de García son tal vez, junto a las de León Gieco, una referencia obligada a la hora de trazar un mapa de relaciones entre la música argentina y la dictadura. En Charly la virtud aparece en un juego con el lenguaje que lo ha caracterizado durante toda su carrera y que supo explotar muy bien durante aquellos años. El primer disco de La Máquina apareció en 1976. Con casi la totalidad de sus temas pensados con anterioridad al golpe el disco logra alejarse un poco de la superficie en las referencias a lo que acontecía. Pero sin lugar a dudas, el punto más alto de descripción de sensaciones de aquellos primeros años de dictadura se encuentra en “Películas” el segundo y último disco de la banda. “Nunca dejes de abrirte, no dejes de reirte,/no te cubras de soledad/y si el miedo te derrumba/si tu luna no alumbra/si tu cuerpo no da más/no te dejes desanimar/basta ya de llorar/para un poco tu mente y ven acá (…)/No te dejes desanimar/no te dejes matar/quedan tantas mañanas por andar.” En un clima de apremiante represión y persecución donde el estado de sitio vacía las calles y todas las esquinas representaban un peligro permanente, Charly arrojaba un mensaje que sonaba a interpelación propositiva. “No te dejes desanimar” era un llamado a toda la juventud, a toda la sociedad. No había que bajar los brazos ante tanta negatividad. Después de todo todavía se podía albergar algún tipo de esperanza, aunque fuera ínfima. En ese clima, el tema que daba título al disco arrojaba una punta denunciativa tras una aparente interrogación inocente: “¿Qué se puede hacer salvo ver películas?”, preguntaba Charly García. Películas, era un excelente trabajo musical con constantes interpelaciones que cruzaban la barrera entre la intimidad y lo social. Teníamos entonces un tema que proponía no desanimarse, otro que interpelaba desde las sensaciones del encierro y las posibilidades de acción de un ciudadano medio, faltaba la descripción de lo social, de lo que se vivía en las calles. Ese guiño aparece en “Hipercandombe”: “Cuando la noche te hace desconfiar/yendo por el lado del río,/la paranoia es quizás/nuestro peor enemigo./Cubrís tu cara y tu pelo/también/como si tuvieras frío/pero en realidad/te querés escapar de algún lío./Dejenme en paz /no quiero más/no hay esperanza en la ciudad./Mi amada está lejos de acá/en un país hipernatural./Cuando la luz de gas y alquitrán/cubra tu cuerpo podrido/toda tu caretez, mi amigo, no tendrá sentido/y si te asusta este canto final/o no le encuentras sentido/podes cambiar el dial/y escuchar algo más divertido.” La paranoia, la falta de esperanzas, el peligro permanente, el esquivar situaciones riesgosas de manera constante. Todo se dibuja en el tema que completa el tridente de canciones que ubican al segundo disco de La Máquina de Hacer Pájaros en una referencia obligada cuando hablamos de rastrear gestos de resistencia musical durante los primeros años de la última dictadura en Argentina.

También en 1977, Pastoral iba a grabar “Atrapados en el cielo”, su cuarta placa. Con un claro crecimiento evidenciado en lo musical, De Michele sube la apuesta en lo lírico y el tema que le da nombre al álbum se convierte en un himno en lo referido a la denuncia de lo que se vivía. "Luis quiso llegar al cielo/de su mundo dibujado/y la realidad demente/esta vez lo ha emboscado/y quién sabe si no es/su sombra la que hoy/nos muestra una mueca de risa,/demacrada su voz/no alcanzo a disipar/al silencio que se lo tragó. /Luis, gran apuntador de los genios falsos,/mártir intelectual, te fuiste con tu llanto/a vivir en el cielo para poder entender/por qué mueren sin ser oídos/aquellos luises que son como vos.. /Humilde ser, tus /plantas se aferran hoy/a este infierno/donde se muerden los hombres/que alguna vez sonrieron. /Débil está tu herencia/porque al amor lo persigue la histeria/del tiempo absurdo que han empleado/para destruirte./Luis, ignorando tu esencia,/porque al fin tan sólo un hombre eras,/con temor clavándose en tu espalda/y en las manos toda la impotencia/esa que también hoy tengo yo” En cuatro estrofas, plagadas de metáforas, los Pastoral hablaban de la exclusión, la persecución y el encierro. No sólo de Luis (personaje de la historia) sino de “todos los luises que son como vos” y que en ese momento desaparecían de sus casas, de sus lugares habituales, de las calles, los trabajos, las escuelas y las universidades.

Pero había situaciones en que la censura era feroz. León Gieco lo sabe muy bien, en sus discos pocas canciones pudieron pasar el lapiz rojo de los censores pero sin duda el caso paradigmático en esta relación entre la músicay la censura durante la última dictadura es lo sucedido con “El Fantasma de Canterville” el tema de Charly García inmortalizado por León Gieco. La versión original había sido grabada por PorSuiGieco (Raúl Porchetto, Sui Generis, León Gieco y María Rosa Yorio) en el año 1975 pero el disco había salido a la venta un año después. La versión original del tema apareció en el disco tal cual había sido grabada lo que obligo a la compañía a sacar el álbum de circulación y suplantar la canción. De ese disco hay hoy tres versiones originales que salieron ese en 1976. Unos pocos tienen en sus manos el material con “El Fantasma de Canterville”, otra camada de quienes adquirieron el disco encuentran que en la lista de temas aparece suplantando a esa canción, un tema compuesto por Charly que se llama “Antes de Gira” y en el medio, un puñado de melómanos poseen en sus colecciones una edición que tiene en la lista de temas que aparece en la solapa el tema “Antes de gira” pero la cuando el disco gira lo que en realidad suena es el mismísimo Fantasma de Canterville.

PORSUIGIECO (Portada álbum original)

León Gieco grabó un disco con ese nombre en 1976 e intento incluir el tema tal cual había sido gestado. Las complicaciones fueron eternas y la letra tuvo que ser modificada. Para hacer la comparación, voy a tomar también la versión que Charly García grabó para el registro en vivo que se llamaba “Música del Alma” que se había sustanciado en un recital de 1977 y que salió a la venta en 1978. En la versión original dice: “me han ofendido mucho/ y nadie dio una explicación/ ay! Si pudiera matarlos/ lo haría sin ningún temor”. En el disco de León se modifico por “ay! Si pudiera odiarlos/ lo haría sin ningún temor” y en la versión de Charly: “ay! Si pudiera amaestrarlos”. Caso extremo en las diferencias de significado lo que ocurre con la estrofa que reza “Siempre fui un tonto / que creyó en la legalidad” en la que Gieco tuvo que cantar: “Siempre fui un tonto que creyó en la humanidad” y García ridiculizó la situación suplantando la letra por un acompañamiento onomatopéyico de la música: “Siempre fui un tonto/ que creyó en lalilalilaaaa”. Sobre el final del tema el grito que denuncia “He muerto muchas veces/ acribillado en la ciudad” se transforma en “He muerto muchas veces/ arrodillado sobre la ciudad” en la versión de León y “He muerto muchas veces/rodando sobre la ciudad“ en la de Charly. En fin, “El Fantasma de Canterville” tiene al menos cuatro versiones (en la tumba del fantasma los “discos” se transforman en “perros” en algunas ocasiones) con diferentes letras que las situaciones de los censores de turno obligaron a intervenir entre la obra y su ejecución.

^{^[1]} Pujol, Sergio. “Rock y Dictadura. Crónicas de una generación (1976-1983)”. Edit. Emecé Memoria Argentina. Año 2005

^{^[2]} Vila, Pablo. “Rock Nacional.Crónicas de la resistencia juvenil”. Jelin, Elizabeth (comp.) “Los nuevos movimientos sociales. Mujeres. Rock nacional. Derechos Humanos. Obreros. Barrios. Centro Editor de América Latina. Bs. As. Año 1985

^{^[3]} Idem

EL ROCK Y LA JOTAPÉ

2010-03-07T22:45:00.000-08:00

Hay visiones que se convierten en hegemónicas con el paso de los años que en muchos casos son fruto de meras construcciones mitológicas en torno a los acontecimientos. Según lo define la Real Academia Española el mito se compone en gran parte por "una narración maravillosa situada fuera del tiempo histórico y protagonizada por personajes de carácter divino o heroico". Las narraciones fuera de tiempo han sido una constante en el análisis de las relaciones que la cultura rock ha mantenido con los movimientos políticos revolucionarios del país durante la última parte de los sesenta y la primera etapa de los setenta. Aquellas épocas de ebullición son leídas por muchos con matrices diferentes que suelen ubicar, por momentos, a la cultura rock y las formaciones políticas juveniles en polos casi antagónicos; en muchos casos expresando la presencia de un aborrecimiento mutuo. El revisionismo histórico ha instaurado nuevas corrientes de lectura de aquellos años y nos ha permitido observar lo que muchos se encargaron de negar despiadadamente. Sin negar las diferencias, la apuesta revolucionaria unía en el fondo de la cuestión a las dos partes más activas de la juventud de aquellos años. La revolución cultural y la revolución política podía encontrar disyuntivas en el campo de la acción, aunque filosoficamente los puntos de encuentro serían más claros.

Las conexiones entre la militancia política y la cultura rock de los primeros años puede rastrearse en muchos puntos que suelen hacer coincidir acontecimientos, fechas, personajes. El anecdotario puede resultar muy interesante. Desde la militancia compartida por Spinetta y Del Guercio con Chacho Alvarez, Carlos Grosso y Rodolfo Galimberti (entre otros) en el seno de JAEN (Juventudes Argentinas por la Emancipación Nacional, corriente que finalmente terminaría formando parte de Montoneros) hasta el inequívoco dato que señala que el hoy mítico Mandioca fue fundada por Jorge Alvarez cuya editorial fue la encargada de sacar a la luz más de 200 títulos del progresismo de la época (la empresa que llevaba su nombre funcionó entre 1963 y 1969) con auotres como Walsh, Piglia, Quino, Norberto Galasso y Abelardo Castillo entre otros. En fin, un sinnúmero de situaciones que no enumeraré aquí porque seguramente serán temas para otras entradas.

Jorge Alvarez y Claudio Gabis

Pero, no por azar los ejemplos tienen una relación más estrecha con la rama corriente peronista. Corría el año 1973 y la fórmula del FREJULI había ganado las elecciones. La Juventud Peronista comprendió entonces que, más allá de las diferencias conocidas entre el campo de la acción política revolucionaria y el conjunto de jóvenes afines a las nuevas corrientes de la música popular, había que integrar en el proceso a todos los sectores dispuestos a modificar el orden de las cosas y ahí estaba el rock. Y en el rock había un aliado: Jorge Alvarez. Como se lee habitualmente en la barra lateral de este sitio, Billy Bond decía al respecto: "Eramos todos peronistas y Jorge Alvarez especialmente. Por eso la tapa de Pidamos peras a Mandioca es una gran pera… es un Perón. La pera era Perón y nadie lo entendió. El gran Perón. Nosotros teníamos una forma de contestar a la represión diferente a la de otros músicos de rock nacional. De alguna manera, en 1970, Perón era lo contrario a lo que había y, en ese momento, te identificabas ideológicamente. Era una toma de posición, para saber de qué lado estabas: del lado de la represión o del otro. Todos nosotros, consciente o inconscientemente, estábamos del otro lado". El 31 de Marzo de 1973 la plana mayor del Rock Argentino fue convocada a formar parte de lo que se llamó Festival del Triunfo Peronista, convocada por la Brigada de la Juventud Peronista en el Estadio de Argentinos Juniors. En la programación estipulaba se encontraban Aquelarre, Pappo´s Blues, Billy Bond y La Pesada, Pescado Rabioso, Sui Generis, Dulces, La Banda del Oeste, Vivencia, el dúo Miguel y Eugenio, Gabriel, León Gieco, Raúl Porchetto (que por un "herror" de imprenta aparecía en los afiches como "Rubén Porchieto"), Escarcha, Color Humano, Litto Nebbia y Pajarito Zaguri. Pero la lluvia hizo que todo se desarrollase de manera interrumpida. A las 17:30 hs del último día de Marzo del 73, tras la lectura de las adhesiones protocolares correspondientes una multitud de jóvenes con las clásicas pancartas de la época asistió a la actuación de La Pesada (hicieron dos temas) que se continuó con la presentación trunca de La Banda del Oeste. El grupo comenzó pidiendo un minuto de silencio en memoria de Eva Perón y cuando el espectáculo musical iba a comenzar, uno de los organizadores puso un freno ante la llegada del flamante vice-presidente electo Vicente Solano Lima. Se entonó el himno, Solano Lima arengó a la juventud y cuando La Banda... se dispuso a tocar, los desperfectos técnicos volvieron a copar la parada. Ante el silencio, el baterista de la banda aprovecho para "leer un pensamiento de Juan Domingo Perón sobre la Juevntud"...pocos lograron escucharlo. Solucionado el problema con el sonido, la lluvia terminó con lo programado.

BILLY BOND

En su libro "No Toquen. Músicos Populares, Gobierno y Sociedad/ Utopias, Persecusión y Listas Negras en la Argentina 1960-1983" el periodista Darío Marchini explica el telón de fondo de aquella tarde:

"Alternadamente, Bond fue abordado por distintos allegados a la organización. "Antes de cantar tenés que hacer alguna mención a Evita", fue la primera recomendación. "Tenés que decir algo de Isabel", le sugirió otro. "Ni se te ocurra hablar de Isabelita, sólo de Perón y el Tío Cámpora", le previno un tercero. "Únicamente podés hablar de Perón" fue la última directiva, ya en tono de orden. "Pónganse de acuerdo muchachos, esto así va a terminar mal!" protestó el cantante, quien a esa altura seguramente ignoraba el carácter profético que terminaría cobrando su queja. (...) Evidentemente no fue un día peronista. Algunos especulan que esa tarde el poder político comprendió que no podían llevar a los músicos del rock para su molino, y decidió combatirlo, ya no sólo por la longitud de sus cabelleras."

Esta última interpretación que Marchini realiza sobre los significados de aquella tarde de precipitaciones desafortunadas es rebatible sólo desde el ámbito de las apreciaciones. Significativamente, luego de la renuncia de Cámpora, la persecución a los músicos de rock se tornaría asfixiante. Los atentados en recitales y las razzias en nombre de la "defensa de los valores morales de la Nación" se convertirían en moneda corriente y servirían (como muchas cosas más) como anticipo de lo que llegaría en 1976. Precisamente, con le llegada del golpe, la conexión en la resistencia volvería a unir expresamente a los grupos políticos juveniles y a las corrientes de la cultura roquera nacional. Pero es cierto que aquella tarde de Marzo iba a unificar la dos expresiones más convocantes de la juventud "no azonzada" de la época y el olor a revolución, a cambio, al paso de la resistencia a la ofensiva iba a flotar claramente en una comunión que hasta el momento no se había centrado en las coincidencias, prestándole demasiada atención a las distancias. Seguramente, el tema de las conexiones y las distancias volverán a ser tratadas en el marco de este sitio.

ROCK ARGENTINO PROMO BICENTENARIO (by Presidencia de La Nación)

2010-03-07T14:16:00.001-08:00

AMAPOLA DEL 66

2010-03-06T19:15:00.000-08:00

La espera llega a su final el mes próximo. Divididos posee la extraña cualidad de ser una de las bandas con mejor factura musical de la escena nacional pero se mantenía en un hermetismo que lo ubicó durante ocho larguísimos años en un silencio que lo alejaba de los estudios y privaba a sus seguidores de nuevas composiciones. Marzo del 2010 terminará con la dictadura de los shows y los discos añejados. El trío en su versión actual debuta con "Amapola del 66" y la cuenta regresiva ya parece más agobiante que la escena del mute. "Hombre en U", "Buscando un ángel", "Mantecoso", "Muerto a laburar", "La flor azul", "Senderos", "Jujuy", "Amapola del 66", "Caminando", "Boyar nocturno", "Avanzando retroceden", "Perro funk" y "Todos" son los temas que reemplazarán los ya clásicos del "Vengo del placard de otro" de 2002. El disco también sirve para inaugurar sello propio (La Calandria) y contará con la participación de Peteco Carabajal.

Todo es hermético y, a juzgar por el nombre de los temas, se puede vislumbrar que el trabajo seguido por el tándem Arnedo-Mollo continuará en la línea que fusiona la potencia roquera con el vértigo, el minucioso trabajo instrumental y la música popular. Será en Marzo entonces, la vuelta de Divididos a las bateas de novedades.

LA VIEJA DE LEBÓN

2010-02-14T22:29:00.000-08:00

Hurgando cosas guardadas, entre el polvo y los bichos disecados naturalmente, encontré un revista Pelo que data de Febrero de 1988. La tapa venía en un papel ilustración que se diferencia con las demás que están en esa caja. A todo color, una única foto de un Charly García joven, posando detrás de una bufanda y con un elegante sombrero tipo vaquero. "Exclusivo. Charly García. Confesiones de Verano". Entre las notas que se destacan en la portada aparecían Pink Floyd, Duna, Depeche Mode, el Pre-Chateau Rock y David Lebón. De esa nota. De aquella entrevista que firmara Nora Fisch, es de lo que pretendo hablar en el siguiente posteo.

"La vida de David" se titulaba la nota que, con muy buen tino, se daba una vuelta por la carrera personal del músico. El Lebón humano y su relación con la música. Como es historia conocida, "el ruso" nació en Bueno Aires en 1952, de chico se fue a vivir a los Estados Unidos y allí mamo toda la formación musical que comenzó a plasmar cuando regresó al país a finales de los agitados 60´s. Pero ese reportaje, desde el comienzo trae consigo una historia apasionante, quizás en segundo plano en la idea original de la nota...la historia de la madre de David Lebón. Para no entrar en valoraciones y recortes, transcribo la primera parte de la entrevista, que tiene que ver, directamente, con esta historia...

LA FAMILIA

-Hablemos del pasado

-¿De cuando estuve en Miami, cuando empece a tocar?

-No! Antes! Pasado remoto.

-Me crié en Barrancas de Belgrano, que es donde vivo, donde viví siempre. Mi viejo tenía studs, caballos de carrera, una 38 en la cintura. Llegaba a casa y la guardaba en el ropero.

-Ah, era como de la "Familia" tu viejo!

-Mmmmm...Sí, un poco sí, pero vasco-francés, no de la "familia" tana. Era bien de stud. Un tipo impresionante. No era un tipo malo, sino que se cuidaba. En esa época andaban con chumbos, los quías...Me llevaba al Maipo, a los camarines; estaban todas las minas con estrellitas en los pezones. Muchos problemas con mi madre, mi viejo era muy salidor.

-¿Mujeriego?

-No, era fiel...Pero mi vieja es china por ejemplo. No! No china con los ojos así! Nació en China. Mis abuelos, que eran rusos, se escaparon de la primera guarra mundial y empezaron a viajar por todos lados. Mi abuelo era un general cosaco, un tipo increíble, muy de vodka. Lo conocí por fotos: con el uniforme, la espada, los cartuchos, el bigote así. Se llamaba igual que yo y firmaba igual que yo! Con una caligrafía tipo nene: árbol, casita, todo mal. Antes de casarse con Manolo, que era mi viejo, mi vieja se fue a Londres y se enamoró de un piloto inglés. El mismo día que se casaron, el tipo se fue a hacer un vuelo de reconocimiento y lo bajaron. Ella entonces se hizo aliada. Paracaidista. Fue espía en la segunda guerra mundial. Mi vieja no tiene pezones, la torturaron. Trabajaba de yiro: se tiraba en paracaídas, se acostaba con un par de nazis y recopilaba información. Era muy linda, tipo vedette.

-¿En serio todo esto, David? Porque si es verdad, entonces quiero hacerle una nota a tu vieja.

-Vas a tener que viajar un poco lejos, porque está en Miami...Bueno, el último salto que iba a dar, cayó justo en medio de un campo de concentración. La agarraron, la torturaron, le hicieron de todo. Entonces, para no pasar frío (era invierno, nevaba) ni hambre, mi vieja, acostumbrada a eso, le daba un par de besos a un tipo, de bronca, de resentida y a cambio le daban heroína para pasar el frío. A todo ésto, los que estaban encerrados le decían que era una vendida. Y mi vieja se cagaba de risa de los nazis y de los demás: hacía la suya. Cuando a pocos meses vinieron los aliados, mi vieja agarró un revolver y mató a los tres o cuatro que la habían torturado. Cuando volvió a Buenos Aires, conoció a Manolo y fue el tipo de quien más se enamoró en su vida. Mi viejo murió cuando yo tenía catorce años. Se arremangaba, se sacaba la 38 y hacíamos engrudo para armar barriletes; los remontábamos durante horas y horas.

MIAMI

-Cuando mi viejo muere, yo estaba con él. En ese momento a mí me agarró un ataque de asma terrible, y el médico recomendó que nos fuéramos a vivr al campo o a Miami, que era un clima estable. Como mi vieja es china, estuvimos tres días en migraciones, no la dejaban entrar. Ella era una mina tan peleadora que les propuso lo siguiente: "Bueno, yo enseño pacaidismo para los tipos que van a Vietman y listo". Y consiguió laburo haciendo eso. Yo, por ejemplo, llegaba los sábados del colegio, de jugar al basquet y había quince monos disfrazados de fajina y mi vieja explicándoles, que la guerra que pi, pi, pi. Entonces un día me rayé y le dije: "Vieja ¿no tuviste bastante guerra en tu vida? ¿Vas a mandar a estos pibes a la guerra también?" Y se hizo manicurista. Le hace las uñas a los viejos en los pies. Ahora vive adentro de una botella de J.B. Pero está bien. El "drink" le dice ella. Una vez vino a Buenos Aires a visitarme y, como le daba vergüenza pedir whisky en el avión, vació una botella de shampoo y la llenó de whisky. La fuimos a buscar a Ezeiza y apenas se sentó en el auto me dijo: "Toma nene, ¿querés un "drink"? Y era un asco, tenía espuma y estaba todo caliente!. "Vamos a los carritos de la costanera" dijo. Cuando ella vivía acá, todavía eran carritos de verdad y los bifes de lomo eran gigantes. Escucha esto, pidió un bife de lomo y le trajeron uno chiquito ¿sabés lo que hizo mi vieja? Se volvió al aeropuerto y se fue ese mismo día. "Argentina ya no es la misma" dijo. Agarró su botella de shampoo y se fue. Hace ocho años que no la veo. Ella está ahí con sus flores de plástico, su spray para el pelo y sus dos televisores a color. En el placard tiene guardados recortes de diarios y medallas. Fue una especie de héroe.

VOLVER

-Un día yo decidí ser músico. Ella no estaba muy de acuerdo con eso. Tenía una única halaja muy valiosa que le había regalado mi viejo. Me dijo: "Bueno, ¿vos querés ser músico?" Fue, vendió la pulsera, me compró un equipo y una viola. "Pero no quiero que vivas más conmigo. Porque yo no quiero que seas músico." Y vino, me trajo acá a Buenos Aires, me dejó y se fue. Y ahí se pudrió todo.

-Te tiró a la vida.

-Es que la gente que más sufre es la que más comprende. Llega un momento en que la comprensión tuya es tan grande que perdonás a todos, porque te estás perdonando a vos mismo! Cualquiera que te hace mal, vos decís "Bueno, probrecito...

Y sigue la nota, y la historia es conocida. David se instaló y comenzó a ser parte de la historia grade la música popular argentina. Estuvo, desde el comienzo de todo. Su primer cable a tierra fue Rinaldo Rafanelli y no paró jamás. Pappo´s Blues, Sui Generis, Color Humano,Pescado Rabioso, Polifemo, Serú Girán, cientos de etcéteras. Para la época de la entrevista, ya tenía ocho discos solistas en las bateas. Hoy, ese número se duplica.

Lo que aquí intenté plasmar fue una historia, más allá de la música, el músico, el artista y el personaje. Incluso, más allá del hombre. Esa revista que encontré me sumergió en una historia que tal vez se repita en muchos rincones del mundo. Fruto de la tierra en crisis, del hombre contra el hombre. Una historia de vida, de muerte y también, una de mucho amor.

CEMENTO ECHO POLVO

2010-01-28T10:34:00.000-08:00

Era difícil imaginar un final distinto para lo que fue el templo del under roquero durante las últimas dos décadas. Cemento se convirtió en este último tiempo en un deposito del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y, como sucede con templos de estirpe similar (piensen sino en la mítica Cueva o en los gloriosos estudios TNT) el progreso solo comprende las cosas a partir de la demolición.

Cemento había abierto sus puertas en Junio de 1985, en medio de la explosión del under porteño que revivía en cientos de experiencias vanguardistas en aquel clima de reviente post-dictatorial (y también post-primavera). Fundado originalmente como un espacios para artes varias, centrado con mayor preferencia en las puestas escénicas, el lugar ideado en medio del romance entre Katja Aleman y Omar Chabán lentamente se fue convirtiendo en el sotano roquero por excelencia. Dos generaciones de músicos mostraron sobre aquel escenario sus primeras armas de combate. El aspecto de trinchera que el propio lugar cerraba ,casi sin proponérselo, una metáfora maldita que terminó cuando el fuego alcanzo al aliado mayor. Cromagnon era hijo de Cemento. Chabán intentó amplificar desde ese emprendimiento la experiencia de Cemento, con mayor olfato empresarial pero con la misma desfachatez que caracterizó a la bohemia ochentosa que se fue tergiversando lentamente en la cultura del reviente, producto de años de malarias permanentes en la que en nuestro país se fueron perdiendo las posibilidades de soñar. Sólo quedaba resistir o reventarse, algo de todo eso mamo la juventud que noche a noche albergó el último Cemento. Los resultados de todo ese cóctel están, lamentablemente, a la vista.

Cuando Cromagnon ardía, Cemento cerraba por última vez. Adentro quedaban las escrituras en las paredes, cientos de anécdotas que hoy forman parte del folclore roquero argentino y una postura contracultural que supo aguantar hasta la ambición de su propio creador, que lo fue relegando para embarcarse en el proyecto que lo terminó condenando.

Físicamente, poco y nada queda de Cemento. Gran parte de la historia del rock argentino comenzará a dispararse a partir del mito que nace con su destrucción. Otra señal de una etapa en la historia de nuestra cultura rock que va esta llegando a su final.

Foto: Página/12

23 DE ENERO

2010-01-23T12:56:00.000-08:00

Este pibe, hoy cumple 60 años!

FELIZ CUMPLE FLACO...GRACIAS POR TODO!!!

LOS RELATOS DE UN NAUFRAGO*

2010-01-13T16:18:00.000-08:00

*Por Fernando D´addario

Las grabaciones incluidas en este CD fueron hechas en 1967 y permiten “redescubrir” a un artista afectado por su propio mito. Urgencia juvenil y espíritu rockero se manifiestan en un puñado de canciones inéditas, alimentadas sólo por la voz y la guitarra de Tanguito.

Hubo un Tanguito mítico, alimentado sobre la base de sus excesos, su muerte trágica y su casi nula historia musical. Hubo también un Tanguito reconstruido a partir de una rigurosa investigación periodística (el libro de Víctor Pintos Tanguito, la verdadera historia, de 1993); pero el aporte fundamental a esa especie de “nada” que quedó de su legado fue la película Tango feroz, responsable de la efímera asociación de su figura con los códigos de una estudiantina poco feliz.

Pero ahora, a partir de la publicación de Yo soy Ramsés, puede decirse que “hay” un Tanguito que justifica artísticamente aquellas aproximaciones.

La edición independiente de Kelito Records, que desconoce el apodo más famoso del músico y rescata sus nombres auténticos (el del DNI: José Alberto Iglesias; el que reivindicaba como verdadero seudónimo: Ramsés), incluye 12 canciones registradas en octubre de 1967 en los Estudios TNT. La referencia temporal es, en este caso, ilustrativa, porque ayuda a desmontar los juicios y prejuicios edificados alrededor de la estatura artística de Tango (perdón, Iglesias). Hasta el momento, la única referencia sonora que existía de su voz era el disco póstumo Tango, un rejuntado de grabaciones registradas entre 1969 y 1970. Era un Tanguito en decadencia, apagado, sin concepto artístico. Una declinación puesta aún más en evidencia cuando se la compara con la vitalidad que destila el CD recién editado.

Al escuchar varias de estas canciones, no queda más remedio que pedirles disculpas a aquellos “cueveros” reivindicadores de su instinto artístico. Tango muestra aquí algo que en 1967 era difícil de aprehender en una grabación: espíritu rockero, materializado en modulaciones y articulaciones del lenguaje que se despegaban de los registros convencionales de su tiempo. En estas tomas crudas –la voz de Tango y su guitarra áspera son las únicas herramientas utilizadas en esta grabación– puede intuirse de manera radical, buena parte de la ideología de sus compañeros de generación rockera.

Hay en Yo soy Ramsés unos pocos temas conocidos más allá del ghetto de “los que estuvieron ahí”, los coleccionistas y los melómanos: apenas el clásico “Amor de primavera” y la versión minimalista de “Yo no pretendo (esto va para atrás)” compuesta por Moris y grabada en su disco 30’ de vida. El resto entra en el marco (y al mismo tiempo lo excede) del rescate antropológico. Habrá quien se sorprenda con la visceralidad de “El hombre restante” (con letra de Javier Martínez que, a tono con la época, planteaba un escenario de supervivencia posapocalíptica); estará el que especule con las posibilidades frustradas de un hit en potencia (“No vuelvas”). Otros se quedarán con los manifiestos antibélicos de canciones como “Vociferando” y “Lo inhumano”, o con la descripción, en clave existencial, de “La historia de un muchacho (Billy el náufrago)”. ¿Qué hubiese pasado con estos temas de haber contado con un productor? La tentación contrafáctica no conduce a nada: tal vez hubiesen ganado solidez, quizás hubieran perdido encanto.Lo que queda claro después de esta edición es que José Alberto Iglesias merece la oportunidad que la historia le negó a Tanguito.

Link a la nota:
http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/espectaculos/7-16628-2010-01-13.html

HASTA SIEMPRE GITANO

2010-01-04T16:33:00.000-08:00

ROBERTO SANCHEZ (1945-2010)

Estaba destinado a ser un ídolo popular. Había nacido en el 45´ cuando los cabecitas negras se levantaban y el barrio iba a la ciudad para conquistarla plenamente. El pibe desfachatado de Valentin Alsina que conquisto el mundo a partir de su voz potente, su prosa sencilla y sus movimientos provocativos y revolucionarios hoy ve desde quien sabe donde cómo lo llora un país y tres generaciones. Siempre rompió los moldes, nunca se quedó quieto, ni aún cuando sus débiles pulmones le pedían un descanso. Cuando por todo el mundo (y la Argentina por supuesto) famélicos productores discográficos inventaban forzados imitadores del rock&roll norteamericano, el morocho bajó con todo su bagaje barrial y le puso autenticidad a los movimientos, sentimiento a la voz y conquisto a la primera generación de pibas que vociferaban su nombre, entre el colapso nervioso y el morir de amor. Vio nacer al rock argentino, estuvo ahí, en los míticos lugares en donde todo se gestó, codeándose y aportando a la creación autóctona de un género que lo había catapultado a él a ser un semidios juvenil desde las pantallas de la televisión.

Después, su carrera dio el vuelco que todos conocemos, pero no perdió el fuego de la revolución permanente. Nadie se movía como Sandro, porque, en cierto modo, sólo él lo tenía permitido. Llenó el Madison Square Garden y volvió a cantar en bailes populares, en clubes de barrio. El sabía de donde venía y jamás traicionó sus raíces. Se quedó donde sabía que tenía que estar. Dejó de lado los grandes teatros, la posibilidad de la fama efímera, las voces en otro idioma. Sus movimientos, sus canciones, su voz no podía ser comprendida de manera correcta alejada de las barricadas que lo vieron nacer. Alejadas del sudor del pueblo, las canciones y las pasiones del gitano probablemente no significarían nada.

Más allá de las comparaciones, no fue Elvis al principio y no fue Frank Sinatra después. Fue simplemente Sandro. Ese tipo que revoleando una campera de cuero o invitando al amor pasional, no convencional, ese fluye desde el sentimiento, no el que se abroquela en las formas tradicionales del “te quiero” moral, logró enamorar a tres generaciones de mujeres y hombres. Sandro fue fuego permanente, por eso su aporte a este mundo tiene el valor que tiene.

Al Gitano de Valentín Alsina la vida se le fue consumiendo como se consume la vida de cada uno de los cigarrillos que lo llevo a la muerte. La peleo, hasta donde pudo. Aún cuando su corazón y sus pulmones dijeron basta, el decidió continuar. Pero muchos destinos parecen estar marcados y la luz se apagó una tarde noche de enero.

Muchas cosas se podrán decir y como aparecen los amantes, los detractores también harán sonar sus campanadas. Pero su poesía está allí, su historia marcó a fuego la cultura popular argentina y eso es lo que hace que en cada rincón del país alguna lágrima aparezca inevitablemente. Roberto Sanchez…el primer roquero…el último romántico…el eterno…Sandro!

FELICIDADES

2009-12-30T07:01:00.000-08:00

Todo camino puede andar

Todo puede andar...

Con esta sangre alrededor

No sé que puedo yo mirar

La sangre ríe idiota

Como esta canción

¿y ante quién?

Ensucien sus manos como siempre

Relojes se

pudren en sus mentes ya

Y en el mar naufragó

Una balsa que nunca

zarpó

Mar aquí, mar allá

En un momento vas a ver

Que ya es la hora de volver

Pero trayendo a casa

Todo aquél fulgor

¿y para quién?

Las almas repudian todo encierro

Las cruces dejaron de llover

Sube al taxi, nena

Los hombres te

miran

Te quieren tomar

Ojo el ramo,

nena

Las flores se caen, tienes que parar

Ví la sortija

Muriendo en el carrousell

Vi tantos monos,

Nidos, platos de café

Platos de café, ah

Guarda el hilo, nena

Guarden bien tus manos

Esta libertad

Ya no poses, nena

Todo eso es en vano

Como no dormir

Aunque me fuercen yo nunca voy a decir

Que todo tiempo por pasado fue mejor

Mañana es mejor

Aquellas sombras del camino azul

¿dónde están?

Yo las comparo con cipreses que ví

Sólo en sueños

Y las muñecas tan sangrantes

Están de llorar

Y te amo tanto que no puedo

Despertarme sin amar

Y te amo tanto que no puedo

Despertarme sin amar

¡no! nunca la abandones

¡no! puentes amarillos

Puentes amarillos, seMira el pájaro,

se muere en su jaula

¡no! nunca la abandones

muere en su jaula

Mira el pájaro, puentes amarillos

Hoy te amo ya

Y ya es mañana

Mañana

LO MEJOR DEL 2009

2009-12-20T17:58:00.001-08:00

Cerrando el priemr año de vida de este espacio, llevamos acbo con los amigos de El Mundo entre las manos un pequeño espacio de dialogo en el que amigos, músicos, periodistas y gente cercana con las que compartimos espacios afines de melodías y prosa musical elegimos lo mejor de este 2009 que se va...categorías básicas y oídos abiertos. Estos son los resultados que dejó esa experiencia.

ARTISTA DEL AÑO

1. Lisandro Aristimuño

2. Luis Alberto Spinetta

3. Mercedes Sosa/Catupecu Machu

ÁLBUM DEL AÑO

1. Las Crónicas del Viento - Lisandro Aristimuño

2. Simetría de Moebius- Catupecu Machu

3. Anfibio- Nico Ibarburu/Fuerza Natural- Gustavo Cerati

SOLISTA DEL AÑO

1. Lisandro Aristimuño

2. Luis Alberto Spinetta

3. Pablo Dacal/ Mariana Bianchini

CANCIÓN DEL AÑO

1. Hay una Guerra- Gabo Ferro (c/Pedro Aznar)

2. 8 de Octubre - Spinetta-Gieco (c/Tipitos y R.Mollo)

3. Sacrificio Japonés- Spinetta (c/Ratones Paranoicos)

GRUPO DEL AÑO

1. Bicicletas

2. Catupecu Machu

3. Banda de Turistas

REVELACIÓN

1. Onda Vaga

2. Nairobi

3. Motorama/Eruka Sativa

EVENTO DEL AÑO 2009

1. Spinetta y las bandas eternas en Velez

2. Ley de Medios

3. Sentencia Cromagnon

EL ROCK CONTRA POSSE

2009-12-20T00:41:00.000-08:00

"Hoy vemos la degradación familiar, padres que no

controlan a sus hijos, jóvenes

drogados y estupidizados por el rock"

(Abel Posse, Ministro de Educación de la Ciudad de Buenos Aires)

Cuando me adentré en las declaraciones que el impresentable Abel Posse (desde su impresentable status de flamante Ministro de Educación del impresentable Mauricio Macri) había esbozado en torno al rock me dije que necesariamente algo había que salir a decir. Pero espere, me senté a pensarlo. Alguien tenía que decir algo, desde acá, desde nosotros.

Hoy, 20 de diciembre de 2009, en la nota de tapa de Página/12, esta lo que esperaba. Que de paso, me ahorra el laburo. La comparto con ustedes...

“Don Abel Posse va a ser una bendición para la revista Barcelona.” Convocado por Página/12 para dar su visión sobre el ministro de Educación designado por Mauricio Macri, Andrés Calamaro prefiere la vía de la ironía. “No me parece necesario ampliar: la ironía y el barcelonismo son suficiente elocuencia”, cierra el músico, que acaba de despedir un gran año con shows en el Club Ciudad y el Luna Park. Como les sucede a muchos de los consultados para esta producción, como pudo pulsarse en conversaciones registradas en toda esta semana en el mundillo rockero (y no tanto), las declaraciones del funcionario sobre la dictadura, los jóvenes delincuentes, el rock, la educación sexual, lo ubican muy cerca del terreno del grotesco. Al cabo, también resulta un movilizador de ideas, un tester para mensurar el estado ideológico de una sociedad que a menudo parece partida. Aun contando a favor con cierto adormecimiento de las conciencias, Abel Posse generó un reguero de reacciones.

De eso habla Federico Gil Solá, ex baterista de Divididos, actual integrante de un trío junto a Gringui Herrera y Tito Losavio y un dúo junto a su pareja Laura Ros: “Mauricio Macri nos unió a todos”, señala. “A mí me llama mucho la atención, no puedo dejar de pensar en que es una provocación que busca volver a instalar ciertos discursos, ciertas ideas que tienen la ultraderecha y sus medios. Ya lo intentó con el Fino Palacios... no entiendo muy bien qué es lo que intentan hacer con esto, si es una cortina de humo para mientras tanto hacer otras cosas. Hay que reaccionar, claro, porque por momentos es casi gracioso, casi te da ternura las cosas que dice, o te hace reír porque parece un sketch de Peter Capusotto. Pero entonces recordás que es el ministro de Educación y ya no te hace tanta gracia”. El músico señala además una preocupante cuestión de fondo: “Uno termina volviendo a discutir reivindicaciones que se pensaba que ya estaban asumidas, en vez de empezar a hablar de tantas cosas que tendríamos que estar pensando y hablando. Hay un montón de cosas que quedan relegadas, es como una manera inteligente de distraer.”

Ariel Minimal –ex integrante de Los Fabulosos Cadillacs, cantante y guitarrista de Pez– llega a una conclusión que también ahorra palabras.

“No podemos esperar nada de la gestión de Macri... es como si le diéramos la oportunidad de gobernar a Ricardo Fort”, se ríe, y luego remacha: “A mí, y a mi generación, siempre los políticos nos parecieron muy desagradables, ligados a una cosa que no era en absoluto noble, ni sincera, ni mucho menos saludable. Fue la fuente y el origen de una forma delictiva que continúa hoy día”. Más allá de la visión nihilista, parece cierto que el “caso Posse” reactivó una célula dormida del rock como reacción ante lo conservador. Ante lo reprimido. Ante la idea del control, del cerco a la libertad. Palo Pandolfo lo profundiza: “Si el hijo no rebate, no discute, no enfrenta la imagen paterna, su ser no se desarrolla. No crece”. Pecho, de los combativos Las Manos de Filippi, también oprime esa tecla que el género parecía haber desactivado. Su visión es más política: “El odio hacia los jóvenes se explica en el odio del fascismo hacia cualquier movimiento que modifique el estado de las cosas. Estos guardianes del ‘orden publico’ temen profundamente cualquier idea, ya sea materializada por el arte o el discurso, que ponga en tela de juicio el andamiaje del régimen que defienden. Lo que nos queda hacer a los rockeros es unirnos para repudiar estos dichos y ponerle un freno a la política de criminalización directa del rock y la juventud, contra la brutalidad y el gatillo fácil”.

Algunos de los entrevistados no evitan la analogía entre este Ministro y los educadores de The Wall, de Pink Floyd, donde los jóvenes eran sometidos a una máquina de picar carne. A Tomás Sussman, guitarrista de Las Pelotas, el paralelo le parece inevitable: “No sé por qué extraña que Posse opine así. Es natural que piense eso, lo raro sería que dijera otra cosa”, dice, y mete el dedo en la llaga: “Más de un rockero, yo diría que varios –por desgracia– votaron a Macri, y más de un conductor de radio y TV, y más de un músico de rock también lo votó. Ya es hora que cada uno se haga cargo de lo que decide. Estoy bastante cansado y asqueado de todo esto, hay que terminar con la hipocresía. Me preocupa más de Posse su apoyo a la dictadura, que es infinitamente mas grave que su opinión sobre el rock, que hasta suena ridícula e ingenua al lado de su opinión sobre los crímenes de los milicos. Se esperaba que Macri haga lo que está haciendo, no hace más que demostrar su verdadera esencia... pero hay errores que se pagan muy caro, y los pagamos todos. Parece que es una lección que no terminamos de aprender como sociedad”.

Las definiciones del ministro sobre el rock y la juventud despiertan preguntas en la integrante de un célebre clan dedicado a la música. “¿Será que a Posse le molestan los vientos de libertad, amor al prójimo, igualdad, camaradería y tantas otras cosas que sin prisa y sin pausa se pretende quitarle a la juventud?”, inquiere Marián Farías Gómez y continúa: “Señor, sepa que el rock produce músicos excelentes que nos enorgullecen: Gieco, Nebbia, Charly, Nito, Lebon, Aznar, Porchetto, Lizarazu, Spinetta, Cerati y tantos más que llenarían un periódico completo y le aseguro que lo llenarían de música, alegría y amor por el otro. ¿Dónde estaba este señor cuando desde Woodstock miles de jóvenes clamaron por el cese de envío de soldados a Vietnam, cuando el mayo 68 de París –también con la música rock como estandarte– gritó por la libre expresión y el protagonismo cultural? ¿Dónde en los 80, en la vergonzosa guerra de Malvinas, cuando los rockeros tomaron la posta de los folkloristas –prohibidos por la dictadura– y gritaron por los pobres soldados que en condiciones infrahumanas eran enviados a pelear sin la mas mínima seguridad de volver? Qué lástima que un individuo con esa filosofía sea quien dirigirá los destinos de los jóvenes estudiantes de la Ciudad”.

“Puedo estar en contra del fast food y no por eso voy a cerrar los McDonald’s”, declaró Posse cuando este diario lo consultó sobre la continuidad o no del programa “Vamos las bandas”. Lito Vitale, su coordinador y productor, tiene su visión al respecto (ver aparte). Pero el concepto de la respuesta anida en la vieja idea del rock como “foráneo”. Beto Satragni, bajista uruguayo fundador de Raíces, dice que “ese pensamiento es exactamente igual al que tenían los dictadores militares de ambas márgenes del Plata. Para empezar, el rock fue un fenómeno internacional y acá en el sur gente como Moris, Litto Nebbia, Javier Martínez o Spinetta le dieron mucho más que un carácter local. ¿Acaso tantos temas del rock argentino no son el fiel reflejo de una generación pensante, de un movimiento cuya sensibilidad marca el principio de una filosofía de vida que habló de la ecología cuando nadie ni la mencionaba, o del amor al prójimo, o de los problemas sociales?” El músico, que acaba de compartir escenario con Spinetta en Vélez, señala que la visión de Posse “tira por la borda mas de 40 años de historia musical, intelectual y riquísima culturalmente. Por suerte quedan muy pocos que opinen este tipo de barbaridades”.

Otro planteo es el de Palo Pandolfo. La mirada del cantante está puesta en una paradoja de vieja data. “El sector que él representa es históricamente quien más mira lo foráneo: el objetivo principal son las inversiones extranjeras, hay un complejo de inferioridad con respecto a Inglaterra y Estados Unidos y, remontándonos al siglo XIX, quienes masacraron a los pueblos originarios de la Araucania para repartirse las tierras entre hijos y nietos de españoles... ¡América toda está colonizada por entes foráneos!” Luis Borda, tanguero de ley radicado hace años en Francia, aporta su mirada. “Si el rock fue o es foráneo, no tiene importancia. El tango y el folklore también lo son”, dice e ironiza: “Si Posse cree que el rock fue la fuente de ‘una forma juvenil que ha terminado muy mal’, bueno, habrá que buscar una solución: propongo que las nuevas generaciones de argentinos/as opten por incorporar como música nacional al Gamelan de Nueva Zelanda y ver si tienen mejor suerte... no comparto la opinión imprecisa del ministro, tampoco su tendencia ideológica”.

La ironía también resuena en la apreciación de Juan Quintero, notable guitarrista y cantante del trío Aca Seca, señalado por muchos como una de las revelaciones de este tiempo en el folklore joven. “Interesante opinión la del señor Posse, de la que se puede deducir, de una manera un poco vaga, que el rock no se cuenta entre sus preferencias musicales. En realidad, tampoco debe disfrutar del tango ni de ninguna de las distintas vertientes de la música popular argentina, que comparten, sin excepción, su raíz foránea, su ligazón a cosas que no son muy saludables (intuyo que se refiere al alcohol, las drogas y la vida nocturna), y el haber sido propiciadas en su oportunidad por movimientos juveniles. Seguramente le habrían parecido igualmente amenazantes los compadritos del arrabal que se meneaban al son de un ritmo que años después devino uno de los símbolos más relevantes de la Argentina, el tango.”

Nito Mestre, en cambio, no oculta su preocupación: el ex Sui Generis apunta que “no quiero volver a perder una generación más”, y que la sugerencia de que el rock estupidiza a los jóvenes “es una falta de respeto a la juventud y también a nuestra generación. Me produce una extraña sensación de temor en el estómago”. Suna Rocha –¿quién podría dudar de su vena criolla?– recurre a la metáfora de Silvio: “Creíamos que con todo lo que nos pasó no existiría nunca más este tipo de mentalidades. Es evidente que, como dice Silvio en ‘Sueño con serpientes’, la mato y aparece una mayor. Me parece una opinión temeraria y reaccionaria. También escuché al Sr. Posse reivindicar la figura de Julio Roca, el asesino más grande de nuestra historia, que mató sin piedad a los pueblos originarios. Basta con ir al sur para ver en históricas fotografías color sepia a los hombres y mujeres mapuches colgados de un palo, y atados de pies y manos, cual animales. No estoy de acuerdo con este señor, pero como suele decirse, la culpa no la tiene el chancho, sino quien le da de comer”.

Al filo del cierre, los testimonios se amontonan: Pepe Céspedes, ex bajista de Bersuit Vergarabat, prefiere no darle demasiado “cartel” al funcionario, porque “cualquier respuesta es darle más prensa a un señor que es de otro tiempo, al igual que los bigotitos de Macri”. Para Adrián Barilari, cantante de Rata Blanca, la cuestión central es el estado de la educación y su vínculo con los gobernantes: “Me parece que la educación en los últimos veinte años estuvo despreciada y abandonada por los que nos gobernaron y nos gobiernan. Fue la fuente y el origen de una forma insalubre de educar”, afirma. Juan Carlos Tordó, baterista de La Mississippi, se une a esa consigna que disparó un grupo de resistencia en Facebook (“Abel Posse NO puede ser Ministro de Educación”) que, al cierre de esta edición, llegaba a 25.483 adherentes: “La gente que no tiene sensibilidad para captar los cambios sociales no debería tener cargos tan ligados a la formación”. Walas, cantante de Masacre, arranca de la realidad cotidiana y aterriza en la Biblia: “Existen dos tipos de fascistas: los amateurs y los profesionales. Unos son los tacheros con el cerebro lavado por Radio 10, que votan a Macri y a los quince días se arrepienten y se la pasan puteándolo. Los otros, como en este caso, son los que estudiaron en la Sorbona. No sé cuáles son los más peligrosos, pero es la obligación de los artistas y de los que amamos la libertad combatirlos y, en este caso puntual, tratar de que Abel no nos haga pasar las de Caín”.

El moño, al cabo, lo pone Gil Solá, con la misma contundencia que suele tener detrás de la batería: “Está todo tan polarizado, tan enrarecido, y en el medio aparecen estas cosas... Pero desde cierto lugar lo ‘respeto’ a este tipo, de un modo muy relativo, más que a los que se hacen los progres y ocultan sus verdaderas creencias. Abel Posse está expresando muy claramente un pensamiento. O, quizás, un no pensamiento”.

*Cristian Vitale y Eduardo Fabregat

Link a la nota:

http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/elpais/1-137349-2009-12-20.html

IMPUNIDAD...esa costumbre

2009-12-08T13:05:00.000-08:00

Sólo se vieron algunas comparaciones a la pasada. Este no "otro caso de inseguridad" al estilo mediático. Se trata de la inseguridad más real y perpetua que exsite en nuestro país. Esa inseguridad propicida por aquellas instituciones anquilosadas que dicen vivir velando por nosotros. Pasan los años y las historias se repiten. Y se repiten de manera constante, sólo que tenemos que llegar a las últimas consecuencias, a las más terribles, para que el vaso rebalse y alguien pare la oreja.
La irresponsable actividad de las fuerzas de seguirdad en los recitales (en general, pero en los estadios y en las bailantas en particular) es algo demasiado común para ser tolerado con tanta naturalidad. A Walter Bulacio lo habían reventado en la 35ta. pero la corporación azul (y la complicidad política, claro está) mantuvo la impunidad intacta (estamos en condiciones de enfrentar un juicio oral casi 20 años más tarde). A Rubén Carballo le rompieron la cabeza, le partieron el craneo y lo dejaron tirado. La excusa era la misma, se había querido "colar". Nadie pudo explicar cómo un chico de 17 años, con la entrada en sus bolsillos intenta colarse a un recital y se cae de un tapial (poniéndo en riesgo esa vida que hoy le terminaron de arrancar). Bulacio merodeaba, se había querido colar, era un violento. Todas mentiras, para justificar una violencia injustificable.
Los monos de azul no están allí para darnos "seguridad", están educados par contestar monosilábicamente y para vengarse de todos los maltratos a los que ellos mismos han sido expuestos durante su formación prehistórica*. Un chico que anda por la calle, un joven que se divierte en un boliche, un pibe que está por entrar a un recital...víctimas fáciles destinadas a morir impunemente. Siempre fue así, los maltratos no trascienden jamás, porque no "llegan a mayores" pero existen todo el tiempo. El viernes, cuando hacía el trayecto que me depositaría en el recital en que Luis Alberto Spinetta se reencontraría con la historia, un uniformado palmeaba a la persona que estaba delante mío y le decía mirándolo friamente a los ojos: "dame el encendedor ¿qué me miras? ¿sos vivo? dame el encendedor o te reviento". Esas palabras, que pueden resultar tan sorprendentes como me parecieron a mí en ese momento pueden servir de ejemplo para ver cómo actúan estas fuerzas que dicen estar allí para velar por nuestras vidas y nuestra integridad. Lamentable.
Otra vez, tenemos que llorar a un pibe que cometió el crimen de haber ido (querido ir) a un recital de rock. Y que, más allá del desborde que se puede haber ocasionado en aquella puerta, no tenía por qué correr la suerte que corrió. Pésima suerte. La de ser la gota que rebalsa el vaso de animaladas de la más triste costumbre nacional: la represión policial.

* Sin duda la generalización no es buena y falta a la realidad. Pero a experiencia reciente esta marcando lo contrario. Haganse las salvedades necesarias en dicha afirmación.

PALABRAS DESORDENAS DE EMOCIÓN

2009-12-06T15:16:00.000-08:00

Algunos ya lo han hecho y creo que ese es el camino. Vamos a renunciar a cualquier intento de síntesis, como así también a cualquier intento de representación o descripción de lo que fue la noche del 4 de Diciembre. Pero algo vamos a decir con respecto a lo que fue, a mi modo de ver, la noche más importante de la historia de la cultura rock en nuestro país. Y esto no lo digo por puro "lameculismo" spinettiano, sino que los factores que se conjugaron esa noche tiene los ingredientes necesarios para que el cóctel se quede en la memoria colectiva como un lugar en que 40 años de música se presentaron en un escenario frente a 37 mil almas con un anfitrión de lujo: la pluma con mayores pergaminos de nuestra cultura roquera.

Faltaba más. Una enumeración de los presentes (con riesgos de lagunas): Nerina Nicotra, Guillermo Vadala, Sergio Verdinelli, Claudio Cardone, Baltasar Comotto, Nico Cotta, Diego Rapoport, Leo Sujatovich, Mono Fontana, Gustavo Spinetta, Juan Del Barrio, Beto Satragni, Dante Spinetta, Valentino Spinetta, Lito Epumer, Mar

celo Torres, Javier Malosetti, Machi Rufino, Pomo Lorenzo, David Lebón, Carlos Cutaia, Black Amaya, Bocon Frascino, Rodolfo García, Edelmiro Molinari, Emilio Del Guercio, Juanse, Gustavo Cerati, Fito Paez, Ricardo Mollo y Charly García. A eso, llamo yo, 40 años de historia sobre un escenario.

Cuando en la presentación oficial del espectáculo Spinetta hablo de "ir a los bifes" muchos nos imaginamos una especie de lugares comunes a los que necesariamente el show debía virar teniendo en cuenta la estructura para abarcar semejante obra en los tiempos de un espectáculo habitual. Sin embargo, y por suerte todo eso fue echado por tierra cuando boquiabiertos asistimos a cinco horas y media de una selección musical riquísima que si bien no puedo saciar el hambre de los miles de oídos predispuestos a escuchar "ese tema"... dio en la tecla con una ensaladita que tuvo bifes pero también aportó proteínas extras.

La presencia de todo el arco de tecladistas de pasaron por Spinetta Jade fue la primera parte de la gran seguidilla de emociones que deparó el show. "Ella También" (con Diego Rapoport) se llevó el primer gran silencio atento de la noche, también las primeras lágrimas. Leo Sujatovich tuvo su actuación estelar al traer a Maribel a la vida, el inicio de Juan Del Barrio en un coreadisimo Alma de Diamante y el virtuosismo del Mono Fontana, presente en gran parte de la primera etapa del show, sirvió para demostrar que los años parecen no pasar pese a ver que ya no somos tan chiquitos.

Los encuentros individuales eran una sorpresa para muchos, así como también lo era un repertorio que tuvo puntos emotivos al traer a la luz una hermosísima versión de "Mariposas de madera" de Miguel Abuelo, que acompañada de "El Rey lloró" (Nebbia), la rapeada familiar de "Necesito un amor" (J. Martinez) y la sorpresiva aparición de Juanse para hacer "¿Dónde está la libertad?" (Pappo) formó parte de la reivindicación histórica para la genética de la cultura rock en nuestro país. Entre los que subieron entre loas y caricias permanentes queda solamente para destacar reediciones de duplas muy festejadas por la historia y la representatividad que enmarcan. Cerati, Fito y Charly, con reprtorio previsible y ovación correspondiente.

Las palabras no alcanzarán nunca para intentar un acercamiento de lo que vino después del camino que abrieron Los Socios del Desierto (con Malosetti ocupando el lugar del siempre presente Tuero Wirtz). "Durazno Sangrando" (con Machi haciéndose cargo de medio tema) fue la punta de un repertorio fino, bien aceitado que sacó a la luz la virtuosidad que no se pierde con los años, como tampoco se esfuma la química del trío que tras cinco ejecuciones de tipo catedrático dejaron su lugar al remozado Pescado Rabioso (con Vadalá en el bajo). Aquí, a mi gusto, uno de los puntos más altos de la elección de repertorio. Cuando todos imaginaban que la fuerza iba a primar (estuvo presente con la triada previsible de "Me gusta ese tajo", "Despiertate nena" y "Post Crucifixión") el arranque con "Poseido por el alba" y la virtuosidad de "Serpiente, viaja por la sal" mostraron a una Cutaia al mango que daba la pauta de lo que se estaba experimentando arriba y debajo del escenario. Un relojito!

Llega Almendra y todo cae, iban cinco hora de espectáculo y la emoción ya no parecía no caber en el jardín de gente que Spinetta estaba regando. "Color Humano" fue el primero, Del Guercio emocionó con "Fermín" y la formación circular para traer a aquella "Muchacha" termino con la cerrada ovación que hizo coincidir melancolía con cientos de reacciones psíquicas y espirituales que se multiplicaban por miles.

La cosa no terminó porque los bises agitaron el avispero con el regreso de la banda actual. "8 de Octubre" junto con Mollo y el cierre a todo trapo con los clásicos que faltaban. Esos que no se extrañaban tanto pero que no podían faltar en una noche como como la de Velez.

No queda mucho por decir. En fin, todo lo expresado es simplemente un intento por reflejar los sentimientos vividos por quien suscribe que se sacó el disfraz de cronista para desnudarse como lo que es...un enamorado que vivió una velada soñada junto a 37 mil almas sedientas de un sueño del que se hace imposible querer despertar.

LISTA DE TEMAS:

01 - Presentacion
02 - Mi elemento
03 - Tu vuelo al fin (c/ Baltasar Comotto)
04 - Ella tambien (c/ Diego Rappoport)
05 - Umbral (c/Diego Rapopport)
06 - Fina ropa blanca
07 - La bengala perdida
08 - Sombras en los alamos (c/ Juan Del Barrio)
09 - Alma de diamante (c/ Juan Del Barrio)
10 - Cisne
11 - Al ver veras (c/ Mono Fontana)
12 - No ves que ya no somos chiquitos? (c/ Mono Fontana)
13 - Cielo de ti (c/ Javier Malosetti)
14 - Las cosas tienen movimiento (c/ Fito Páez)
15 - Asilo en tu corazon (c/ Fito Páez)

16 - Mariposas de madera
17 - El rey lloro (c/Beto Satragni)
18 - Adonde esta la libertad? (c/ Juanse)
19 - Te para tres (c/ Gustavo Cerati)
20 - Bajan (c/ Gustavo Cerati)
21 - Cementerio club
22 - Era de Uranio (c/Leo Sujatovich)
23 - Vida siempre (c/Leo Sujatovich)
24 - Maribel se durmio (c/Leo Sujatovich)
25 - Necesito un amor (c/ Dante y valentino Spinetta)
26 - Filosofia barata y zapatos de goma
27 - Rezo por vos (c/ Charly García)

LOS SOCIOS DEL DESIERTO

28 - San Cristoforo
29 - Bosnia
30 - Nasty people

INVISIBLE

31 - Durazno sangrando
32 - Jugo de lucuma
33 - Lo que nos ocupa es esa abuela la conciencia
34 - Niño condenado
35 - Amor de primavera (c/ Lito Epumer)

PESCADO RABIOSO

36 - Poseido del alba
37 - Hola dulce viento
38 - Serpiente viaja por la sal
39 - Credulidad
40 - Despiertate nena
41 - Me gusta ese tajo
42 - Postcrucifixion

ALMENDRA

43 - Color humano
44 - Fermin
45 - A estos hombres tristes
46 - Hermano Perro
47 - Muchacha ojos de papel

BISES

48 - 8 de octubre (c/Ricado Mollo)
49 - Retoño
50 - Seguir viviendo con tu amor (c/Mono Fontana)
51 - Quiero ver un tren (c/ Mono Fontana Nico Cotta y Javier ...)
52 - No te alejes tanto de mi

CORTARSE SÓLO...nuevos aires en el Rock Argentino

2009-12-01T14:44:00.000-08:00

Hay que remontarse en el tiempo para recordar la cantidad de desprendimientos que han experimentado las bandas con mayor convocatoria de nuestro rock en pos de proyectos propios (sean solistas o no) que también vieron su amanecer en este 2009. Los últimos y no menos rimbombantes que afianzaron sus disputas en las primeras planas del rock argentino rompiendo el hermetismo clásico al que nos tenían acostumbrados fueron Carlos "Indio" Solari y Eduardo "Skay" Bellinson, hoy empapados en sendos proyectos solistas. Yendo aún más atrás, Gustavo Cerati, El Bahiano o Ivan Noble pueden ser otros ejemplos aislados y producidos en tiempos y circunstancias diferentes pero que también continuaban esta lógica "matar la gallina de los huevos de oro" en pos del proyecto personal.

Pero el buceo por la historia no nos dará un parámetro similar a lo que ha sucedido durante este año que cierra la primera década del siglo. Tres de las cuatro bandas con mayor convocatoria del país experimentaron desprendimientos en sus filas, aunque con diferentes reacciones hacia afuera. A diferencia de Attaque 77 (Ciro Pertusi dijo "me voy" y la banda siguió adelante), ni la Bersuit, ni Los Piojos se animaron a confirmar los rumores de la separación ante sus seguidores, escudándose detrás de "descansos sin plazos" que ambos grupos habrían estado necesitando. Con el correr del tiempo, las evidencias fueron apareciendo sobre el escenario. El Pelado Cordera, Juan Subirá y De Bueyes dividieron créditos de lo que era Bersuit Vergarabat con sendos discos independientes y prolíficos espectáculos en vivo. "Pity" Fernandez había formado La Franela y los rumores de ruptura en la "primavera piojosa" empezaron a dar fin a la pediculosis que se paró "por tiempo indeterminado", según la propia banda. Todo estaba tranquilo desde aquel comunicado, hasta que finalmenteAndrés Ciro comenzó a armar su regreso a los escenarios (posiblemente será en Córdoba durante este diciembre) sin piojos y aún sin definir si sólo o acompañado.

Otra variable a analizar de cara a un intento de balance son la materialización de otras experiencias, que no repercuten en separaciones, pero que pueden leerse en la misma clave de la apuesta "por fuera" del formato de grupo que contenía a los artistas en el pasado inmediato. Un buen primer disco de Jorge Serrano (quizás uno de los más prolíficos compositores de las últimas décadas del rock vernáculo), otro experimento solista de Juanse o el trabajo pronto a salir de Edu Schmidt (ex-Árbol).

Estos últimos años que vienen marcando una nueva corriente dentro del rock argentino en donde "desde abajo" lo que parece venir pechando es una nueva camada de solistas con un futuro promisorio, queda marcada también por el final de un conjunto de bandas que van dejando atrás sus experiencias exitosas en pos de nuevas apuestas que el tiempo sabrá valorar como positiva o negativa. Al contrario de tiempos no muy lejanos, en donde estábamos enfrente de una serie de regresos efímeros con poca perspectiva a futuro, la cultura rock asiste a un escenario en donde los grandes grupos se separan (o reformulan sus recetas).

No es para dejar de lado la situación que marca la separación de Intoxicados y la vuelta al ruedo de Viejas Locas (fenómeno quepuede ubicarse exactamente en un "punto medio" en estos fenómenos), la vuelta de Charly García a los escenarios y el afiazamiento de nuevas tendencias en formato de grupos (Bicicletas, Nikita Nippone o Banda de Turistas). En fin, un nuevo escenario del entramado del rock argentino que aparece con las mismas características complejas de siempre y promete el mismo dinamismo cultural de siempre buscando enriquecer poco a poco nuestra cultura con base al sonido de época que comienza a sonar y marcar las tonalidades características del nuevo siglo en nuestro país.

AL FLACO DALE GRACIAS...DE ADENTRO!

2009-11-27T18:37:00.001-08:00

A la espera del prometedor Velez del 4 de diciembre y (con un poquito más de tiempo) la aparición de la cuarta entrega de "Al Flaco...Dale Gracias", Contra Todos los Males de este Mundo (el programa de radio, que sale los miércoles por la 88.7 del dial cordobés) habló con Fabián, del departamento artístico de la FM D-Rock (Mar del Plata). ¿Cómo se hizo el homenaje más festejado a uno de los artistas más respetados del país? El proyecto, el trayecto, la idea, los resultados. Todo en esta charla que inaugura nuestra sección de escucha.

Entrevista fabian FM D-Rock by contratodoslosmalesdeeste

PUNILLA ROCK ...I.M.P.R.E.S.E.N.T.A.B.L.E.S.

2009-11-25T14:21:00.000-08:00

*Por Alberto Castillo

Nos hiciste concursar en un PRE-PUNILLA ROCK con los peores equipos y el peor sonido de la historia y ni un vaso de agua nos diste… no dijimos nada…
Nos dijiste que tocabamos el VIE a las 18.00 Hs, mientras que en los afiches y gigantografias estabamos anunciados para el domingo, dijimos SI…
Me llamaste desesperado para que cierre la noche del VIE a las 03.00 AM, ya que nadie queria hacerlo, te dijimos SI…

Cuando llegamos, no pudimos ingresar el vehiculo, exponiendolo a robo. No dijimos nada…
Cuando ingresamos al predio, nos diste 4 sandwich de miga y una coca, sobre un tablon sucio y ni siquiera una silla para sentarnos, mientras que al resto de las bandas le diste BOUCHERS para comida y bebida… no dijimos nada…

Me entero por terceros que me metiste de pecho 3 bandas mas y que ahora, en vez de cerrar la noche a las 03.00 AM, cerrabamos a las 05.00 AM… dijimos SI…
A las 03.15 AM apagan las luces del escenario, te busco PUNILLA ROCK y nos decis que un tal “PITUFO” se rayó, y no dejo que ninguna banda toque. Este “pitufo” era el jefe de escenario, no creo que yo como organizador le daria jamas a un jefe de escenario la posibilidad de que él eliga que banda toca o no…

La cana y la organizacion nos echan del predio sin ningun tipo de explicacion, mientras la Banda Don Genaro toma el escenario y la Banda Alma esta a punto de trompearse con la “organizacion”… no dijimos nada.. nos retiramos en silencio…
Cuando nos estamos llendo encima vos, PUNILLA ROCK, pretendes que nos quedemos y te esperemos porque queres hablar con nosotros… eso ya era el colmo… Nos retiramos inmediatamente…
RESULTADO: No tocamos.

Al dia siguiente, despues de tratar como un perro a Victor Hamudis (que encima renego con vos PUNILLA ROCK para que le habilites los pasajes, los cuales, se los entregaste recien 12Hs antes de su show), dejarlo a la deriva en Carlos Paz y hasta negarle un desayuno, ademas de que el hotel que le ofreciste parecia una barraca militar… vino la cana y los desalojo a todos del escenario natural… Victor tampoco pudo tocar y el resto de las Bandas fueron trastaladas 1KM al escenario principal…

Mientras las bandas sigamos apañando a estos mamarrachos, van a seguir existiendo un “Ruben” y un “Chili”, como cara de una organizacion que estafa al musico, un tal “Guillermo” que nunca es posible comunicarse con el y cabezas ejecutivas totalmente anonimas…
TODOS ESTAFADORES
TODOS IMPRESENTABLES
Encima, me juego la cabeza que si esta misma gente, el año que viene organiza un XXX ROCK, la mitad de las Bandas que han participado en esta tremenda estafa y maltrato, se ofrecen… y gratis!
Por favor, hagamos mea culpa y reflexiones sobre esto para tratar de evitar que vuelvan a suceder estas cosas…

Agrego un par de cosas mas:
Quiero comentar sobre lo que los chicos de DOBLE N comentaron en una carta abierta que hicieron sobre el PUNILLA ROCK, que “no se juega con el Rock & Roll”.. no chicos de Doble N… NO SE JUEGA CON LA ILUSION Y LA BUENA FE DE LAS PERSONAS… EL ROCK & ROLL ME TIENE SIN CUIDADO!

Otras cosas que me entere es que recibieron multa por pegar las gigantografias sin autorizacion municipal y que es cierto amigos de Bluesers, Valuka y Finisterre se bajaron del evento 2 semanas antes que comience todo debido a importantes desprolijidades e irregularidades… pero nosotros seguimos adelante…

Lo unico que puedo decir es que me hago cargo de toda mi responsabilidad como musico y artista independiente sobre el caso, ya que esto nos paso sinceramente por querer tocar en cualquier evento medianamente importante para mostrarnos, sin siquiera averiguar referencias… quizas eso demuestre mi desesperacion como artista de cordoba al cual no dan mucha pelota por sumar un punto mas al curriculum del proyecto… Hago mea culpa por ser parte de los musicos y artistas que alimentaron esto, se los puedo asegurar.

Alberto Castillo
de PolCastillo

YO ACUSO (por Miguel Villanova)

2009-11-18T13:59:00.000-08:00

Yo, don Vilanova, más conocido como Botafogo, en honor a mis cuarenta años de ruta junto al rock y el blues y a mis libros de enseñanza de música que han influenciado a varias generaciones de músicos, muchos de los cuales forman parte hoy de lo más valioso de la escena del rock actual: declaro responsables y culpables de la muerte de ciento noventa y ocho personas en Cromagnon y del cráneo destrozado de Rubén en Vélez, a las empresas discográficas, medios gráficos, radiales y televisivos, managers y representantes, que dieron difusión a grupos de mierda integrados por pseudo músicos horribles e hijos de puta que desde sus canciones y sus escenarios hablan de que está todo bien con el descontrol, la autodestrucción con la “merca”, el “paco”, el alcohol, los psicofármacos… Ellos cobran dinero de SADAIC, regalías de la venta de sus discos, dinero fresco en sus shows… pueden robar un remís en Rosario y entrar por una puerta de la comisaría, firmar un autógrafo al comisario y salir por la puerta de atrás como si nada grave hubiera sucedido… Pueden salir al escenario con un porro de paco colgando de sus labios dando un ejemplo a sus seguidores que no están cubiertos por SADAIC, por una empresa discográfica multinacional, que no tienen una obra social como la de SADAIC o la de SADEM, que no tienen un mánager que les va a procurar un buen abogado… son muy injustos, muy cínicos, y muy poco concientes de lo que están haciendo… ¡Ustedes son culpables y cómplices de estas desgracias!

¿Vieron ustedes el bochorno de Pity “cantando” (graznando desafinadamente ) con Fito Páez? … ¿¡Qué mierda es eso!?

¡¡¡¡¡Eso es pura bosta!!!!!
Sin embargo goza de la aprobación y la difusión y de los favores de quienes acuso más arriba…

¿Y los Callejeros? ¡¿Qué es esa basura?!... ¡¿Por qué difunden esa mierda que ni siquiera puede ser considerada música mala?!

Recientemente pedí apoyo al Zar del rock y pop porteño para un show mendigando un poco de difusión y como respuesta recibí un:

-“No me interesa porque vos tocaste con Petinatto”- ¡¡¡¿¿¿ ¿??!!!

Yo en mis temas hablo del amor, de los sueños, de las estrellas, de los vínculos, de la introspección, de los átomos, de la magia y el misterio de la vida, de volar con la mente, de imaginar un mundo mejor… y me veo obligado a andar mendigando un poquito de difusión…

Si ustedes difunden a Pity, a los Callejeros, y a un montón de grupos más que bajan línea de que está todo bien con el reviente -aunque algunos de ellos envían mientras tanto a sus hijos a colegios de curas ¿¡?! y ostentan símbolos nazis como adornos de sus escenografías-… ustedes son cómplices de difundir el consumo de paco, merca, alcohol… ¿de qué lado están?... ¿qué ganan ustedes con esto?... ¿qué oscuros intereses están favoreciendo?

Yo pertenezco a la generación de pibes influenciados por Almendra, Manal, Pappo’s Blues, Pescado Rabioso, Invisible, Aquelarre, Arco Iris, Vox Dei, Los Gatos, La pesada del Rock and Roll, etc., etc., etc.…... que me dieron ganas de ser músico y de cambiar el rumbo de mi vida hacia algo mejor que la mediocridad de aquellos días. Me mostraron que entre el negro y el blanco de la “argentinidad al palo” había un hermoso arco iris… jamás me hablaron de drogas sino de despertares…

Gracias a ellos hace cuarenta años que me gano la vida honestamente como músico, gracias a ellos evolucioné como ser humano, intelectualmente, psicológicamente, espiritualmente, emocionalmente.

Los autos importados y las casas de los “countries” en las que habitan estos “Rey Midas del rock”, las compraron gracias a ese rock argentino que puso la piedra basal de este negocio, pero parece no recordarlo. Como ya se ha dicho, sus billeteras están forradas con la “piel de los músicos”…

Mucha de la pibada de hoy está descorazonada, desconcertada, frustrada, sin ilusiones, sin sueños, sin posibilidades, no cree en un porvenir y mucho peor: ¡están muy enojados!

Es nuestra obligación, es vuestra obligación, hablarles de que un mundo mejor es posible, para lo cual deben cuidar su cerebro de las drogas y el alcohol, porque el cerebro es el templo del alma, es un regalo del misterioso universo creativo con el que nos contacta la música, la buena música.

Agradeceré la difusión al menos de este reclamo que no es sólo a título personal.

Don Vilanova, alias Botafogo.

Firma: Miguel Ángel Vilanova
DNI: 11.956.658
Mat. Prof. de Músico: N° 4. Otorgada por la Sociedad Argentina de Músicos.

4 de Diciembre - Estadio Velez Sarfield

2009-11-17T15:18:00.001-08:00

PERIODISTAS SIN ARMADURA

2009-11-14T00:07:00.000-08:00

*Por Eduardo Fabregat

Los ríos de baba inundaron la esquina de Balcarce y Chile. Suele decirse que los periodistas de rock se van recubriendo demasiado de cinismo: que la necesidad de abandonar los modos y las visiones del fan en pos de una necesaria objetividad nos convierte en una suerte de muros inconmovibles. Que el ejercicio de la profesión nos aleja de la sensibilidad del público. Que al final todo da lo mismo, que cada evento es la oportunidad de lanzar un comentario sardónico por lo bajo.

El jueves por la noche, más de un fan se hubiera divertido de lo lindo: el sindicato de la prensa rockera en pleno, asistencia casi perfecta, de boca abierta, pellizcándose, mirándose unos a otros con auténtica incredulidad, como en aquel primer show que decidió el destino de cada uno.

Spinetta, Pomo, Machi, Cutaia, Frascino, Amaya, Lebon, García, Molinari, Del Guercio, Sujatovich, Vadalá, Nicotra, Verdinelli, Cardone, un tal Charly: el lugar hervía con el álbum más o menos completo del universo Luis, Invisible apenas estaba probando sonido y en el salón flotaba un aura de irrealidad. “No lo puedo creer”, se escuchaba en todos los rincones. Un cacho enorme de la historia del rock argentino se paseaba por el lugar, se saludaba, se abrazaba. “El 4 de diciembre cuelgo los botines”, dijo un testigo.

¿Exagerado? Sí. El fanatismo es exageración. Y el señor Luis Alberto Spinetta produce fanatismo no por marketeo sino por exclusiva culpa de esa obra gigante que viene construyendo desde 1969, porque se pone a cantar que es un amor de primavera que anda dando vueltas, y que la indómita luz se hizo carne en mí, y tiene la voz intacta y la guitarra roja impecable, y disfruta viendo a Pomo redoblar y a Machi exudando serenidad mientras construye un muro de sonido, y a David y el Bocón poniendo al rojo las válvulas en “Me gusta ese tajo” (“¡¡¡Boludo, estamos viendo a Pescado!!!”), y ahí están los cuatro Almendra, los del ‘69, los de El valle interior, y qué importa que ya no sean tan chiquitos. Vélez está tan cerca y tan lejos para tanta ansiedad.

El Café Molière estuvo lleno de periodistas, pero todos dejaron la armadura en la puerta. La cebadura que ya había ocasionado el rumor, y el anuncio, y la conferencia de prensa en el 25 de Mayo, se multiplicó por cien, por mil, por una cifra incalculable. Vimos a Invisible, a Pescado, vamos a ver a Jade, y a los Socios y a Almendra, y a formaciones selectas del Flaco solista, y aun algún invitado más. Spinetta, nombre mayor del mejor rock de este país, los reúne a todos. Un antídoto contra todos los males.

*Publicado originalmente en Página 12

LAS HABLADURIAS DEL MUNDO ENTRE LAS MANOS

2009-11-13T17:48:00.000-08:00

Nuestros amigos de "El Mundo entre las manos virtual" han abierto un nuevo espacio de encuentro para seguir disfrutando y parloteando acerca de nuestra cultura rock. Según lo reza su propia presentación "Las habladurías..." es "el aparato fonador de El Mundo entre las manos virtual".

Nace así una nueva trinchera roquera en la que podrás encontrar, entre temas, entrevistas y otras voces...los audios de el programa radiofónico realizado integramente por quienes hacemos "Contra todos los males..." y "El mundo entre las manos..." que dispara ondas roqueras todos los miercoles de 19.30 a 21 por RADIO REVES 88.7 en el dial cordobés.

Visita el sitio: www.lashabladuriasdelmundoentrelasmanos.blogspot.com

CUATRO!

2009-11-13T16:07:00.000-08:00

Los amigos de la marplatense F.M. D-Rock acaban deanunciar que "Al flaco...dale gracias", el triple disco homenaje a Spinetta más festejado de los últimos años, tendrá una cuarta parte. Entonados con la calidad artística lograda con el trabajo, que repercute en tres ediciones agotadas y un sinnúmero de elogios provenientes hasta del propio homenajeado, los encargados artísticos del producto se pusieron a trabajar en un cuerto disco que no sólo actualiza la obra spinettiana a ser versionada, sino que trae nuevos inéditos versionados. La lista que ha trascendido hasta el momento es la siguiente:

1- Final (Almendra) por Litto Nebbia,

2- Pequeño Ángel (con Páez) por Norma Vicedo con Rodolfo Mederos y Bernardo Baraj,

3- El Mono Tremendo (solista) por Luis Bacqué con Javier Malosetti y María Eva Albistur,

4- La Mendiga (de "Un Mañana") por Marcelo Lupis con Gustavo Moretto,
5- Ana No Duerme (Almendra) por Fernando Blanco,
6- Tema de Mario (inédito!) por Guillermo Arrom y Fernando Lupano,
7- Tu Vuelo Al Fin (de "Un Mañana") por Joey Cedrón
8- La Fiebre Paranoica (inédito! de la 1° época de Pescado Rabioso) por Esteban Cerioni con el Pollo Raffo...

Los responsables del proyecto, que ya tienen un excelente trabajo sobre la obra de Gieco ("Guardado en la memoria") avisaron también que el 2011 encontrará un homenaje a Litto Nebbia, con las mismas características y objetivos que los homenajes anteriores. Buena selección de los interpretes, versiones respetuosas bien trabajadas y el fin solidario de colaborar con el comedor infantil "Fueguitos".

"Sonajeros" FLOPA-JUAN RAVIOLI (VIVO)

2009-11-04T17:58:00.000-08:00

OFICIAL!

2009-11-01T20:04:00.001-08:00

Finalmente, es oficial. Luis Alberto Spinetta brindó la conferencia de prensa confirmando lo que todos estábamos esperando que confirme. El 4 de diciembre reunirá en el Estadio de Velez a Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Jade, Los Socios del Desierto y otros tantos invitados sorpresa en una noche que quedará en la memoria de la historia de la música popular argentina. Pasaron muchos años de versiones y desmentidas y quedan todavía muchos secretos que se irán revelando a medida que la fecha se acerque y el concierto se vaya desarrollando. Lo cierto es que, sorprendentemente, Spinetta confeso estar dándose un lujo que había soñado como forma de "devolverle a la gente todo el amor que le entregó a las bandas y para rendirle un tributo a todos los músicos que me acompañaron a través los años".

No es tiempo de análisis demasiados sesudos, sino momentos en que el sentimiento debe abrirse al disfrute del momento. Pero, de todas formas, hay muchos los que dijeron, dicen y seguirán diciendo al respecto del cambio de paradigma en el discurso spinettiano sobre el pasado. El Flaco sabe eso, y al saberlo, puso el escudo a suspicacias sutilmente al describir lo que tiene pensado para show: "La idea es ir desde el presente hacia el origen, pero desembocando en el futuro" aclaro Spinetta y muchos empiezan a tratar de dilucidar de que se tratará esa estructura que arranca del presente, va al pasado y mira al futuro.

Lo que también aparece en el horizonte, son esas "sorpresas" de las que tanto se habla. Después de la aparición del Flaco en el recital de Charly, se descuenta que el renovado hombre de bigote bicolor reeditará esa reunión. La presencia de Fito Paez no fue aún confirmada por nadie, pero resulta lo más lógico. Muchos piensan todavía en todos aquellos invitados que Spinetta invitará a "festejar" con él sin necesariamente haber compartido experiencias pasadas de manera oficial. Otra duda aparece a la hora de imaginar quién se encargará de la batería al momento de reeditar tiempo de Los Socios del Desierto. El rumor más fuerte indica que Javier Malosetti se hará cargo de los palillos para reemplazar al "tuerto" Wirtz, fallecido el año pasado. Esto tampoco fue confirmado.

En fin, Spinetta festejará sus 40 años con la música con sus amigos que lo han acompañado durante toda su carrera y con sus seguidores más fieles. Se hizo cargo de un pedido histórico, que esquivaba elegantemente cada vez que se le consultaba al respecto, le puso fecha y allí estará. Tocando para los suyos. "Básicamente voy a poner lo que pide la gente. Cada banda será presentada en su justa proporción y también aparecerán algunos invitados".

Allí estaremos, Luis.

Gracias!

JUEVENTUD DIVINO TESORO!

2009-11-01T14:25:00.001-08:00

Siempre empecinados en poner títulos, calificaciones, rótulos con marquesinas y colores, no hay cosa que moleste y seduzca más a quienes nos sentamos a escribir y hablar sobre música que encontrar a obras y artistas que no se enmarcan en los parámetros con que habitualmente categorizamos a primera escucha. Vale aclararlo a algunos nos seduce más de lo que nos incomoda, y a otros las sensaciones le suceden exactamente al revés. Pero ahí están, siempre aparecen. Para la suerte de algunos y la desgracia de los otros.

Juan Ravioli es uno de esos tipos que explotaron en los últimos años para deslumbrar a propios y extraños doblegando la apuesta por una forma de encarar el trabajo que va ganando lugar en la escena de la música nacional. Es cierto, sólo en parte. Todavía algunos hablan de "música de culto" y otros ya le dan el status de "sonido de época", quien esto escribe apoya esta segunda variable de análisis.

Cuando apareció el "Álbum para la Juventud Vol.1" este multi-instrumentista nacido en 1981 contaba ya en su curriculum con participaciones estelares en los momentos que habían logrado darle una bocanada de aire fresco a la escena local del nuevo siglo. Había fundado el trío París 1980 (con el que editó dos materiales de corta duración entre el 2002 y el 2003) y tras su disolución sus características artísticas lo llevaron a ser convocado para participar de proyectos de renombre como el trío Flopa-Manza-Minimal, formar parte de la banda estable que acompaña a Flopa y trabajar codo a codo con Lucas Martí, por nombrar tan sólo un par de experiencias.

Fue el 2006 el año del despegue definitivo de Ravioli. Se lanzó como solista a partir de un trabajo en el que logró plasmar toda su capacidad lírica y musical. Las doce canciones del "Álbum parala Juventud Vol.1"fueron trabajadas en la base de aquel proyecto llamado París 1980(estrictamente el álbum posee una especie de subtitulo con el nombre de la banda) y llevan a una escucha que encuentra claras connotaciones con una música de corte clásico setentista reinterpretado con el aporte de nuevos matices que enriquecen el trabajo desde la mirada actual (un rasgo que se ve en muchos de los artistas que dominan la escena a la que hacía referencia al comienzo de este posteo). El trabajo armónico asentado sobre melodías simples, las densidad de las letras trabajadas con un alto sentido lírico y la calidad en la ejecución instrumental llevan a quien se para del otro lado del disco a un estado de permanente movimiento pendular que parte de lo intimista y estalla en distorsiones estratégicamente ubicadas.

Ese disco, que estuvo producido por el sonidista de PEZ (Mauro Taranto) tuvo una excelente repercusión en la prensa "especializada" y rápidamente alcanzó las expectativas depositadas en él en materia de ventas.

Tres años después, Ravioli aparece con el segundo volumen de su álbum para la juventud. Una continuación de aquel trabajo, con un vuelco instalado en los puntos más álgidos de aquel trabajo del 2006. Canciones más cortas (otras más largas), arreglos armónicos más arriesgados, pero siempre acompañados de esos pasajes frescos en donde la melodía se posa frente al resto de los elementos para dar lugar a una escucha que atrapa para luego volver al juego que incomoda para seducir. Un trabajo que suma la participación de músicos de la talla de Carlos Cutaia y Fernando Kabusacki y que otra vez ubica al artista en la tropa de músicos que marcan este "sonido de época" con la participación de Ariel Minimal y Mariano Esaín (Manza, para los amigos).

Doce canciones que hacen esperar que la zaga no termine y que la apuesta por la juventud de Juan Ravioli nos mantenga expectantes hasta la aparición de algún volumen tres, con ese nombre o cualquier otro. Lo cierto es que todavía el volumen dos está calentito y hay que aprovechar el tiempo que tenemos para disfrutarlo. Hasta un nuevo desembarco en las bateas de un artista que promete y hasta ahora cumple.

GRABACIONES ENCONTRADAS

2009-10-18T20:42:00.000-07:00

Amigos, hay cosas que a uno nunca lo dejan de sorprender, por suerte. Aquí, comparto desde aquí un posteo del sitio del programa "Rock que me hiciste bien" que conduce todas las madrugadas sábados el amigo Miguel Grimberg.
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Hay cintas que siguen un derrotero incierto y mágico.
Es el caso de las de Tanguito, grabaciones que Mario Pizzurno produjo de manera independiente. Fueron realizadas por el ingeniero Tim Croatto en octubre de 1967 en la primerísima base de los estudios TNT (Santa Fe 1050, piso 1; lugar que ya no existe).
Pizzurno ejerció el papel de devoto guardián de esas cintas hasta que las puso en manos del investigador musical Andrés Jiménez. Años después, Roque Di Pietro, del sello La Vida Lenta Discos, conoció a Andrés Jiménez gracias al periodista Alfredo Rosso.
¿El resultado? "Es Tanguito solo con su guitarra", cuenta Di Pietro, "haciendo canciones de las cuales se conocía su existencia pero nunca se habían escuchado (Sutilmente a Susana, Billy el náufrago), versiones de temas que sabemos bien (Amor de primavera, Esto va para atrás, de Moris) y también temas desconocidos.
Vamos a publicar la sesión completa. Todo es inédito. La idea es editar este material antes de fin año".

(Envío de Freddy Berro)

HASTA SIEMPRE NEGRA

2009-10-04T14:53:00.000-07:00

MERCEDES SOSA (1935-2009)

"Si me voy antes que vos y visito tu silencio no es para que estés triste ni para ver tu dolor "

EL JARDIN DE LOS PRESENTES

2009-09-30T00:58:00.000-07:00

*Por Eduardo Fabregat

Hace algunos años,el rumor habría sido desestimado de inmediato. Ante la frase “Spinetta va a tocar en Vélez con compañeros de toda la vida, va a hacer temas de toda su carrera”, hasta el más ilusionado de los fans habría enarcado las cejas con incredulidad. Es que hubo una etapa en la que el Flaco se ciñó estrictamente a su actualidad. No es que estuviera “peleado” con su historia o estuviera preso de su frase “mañana es mejor”: su presente artístico siempre tuvo la potencia necesaria para alimentar el setlist. Esa decisión robusteció el deporte de los pedidores de temas, a quienes Spinetta supo dedicarles frases memorables o simples miradas que lo decían todo. El año pasado, incluso Diego Capusotto registró el fenómeno para darle vida a ese personaje que arrancaba con “Flaco, tocá ‘Muchacha’” y terminaba gritándole a un tipo en un bar “¡Medialunas de grasa, pedí medialunas de grasa!”. En esos tiempos, las escasas veces que sonaba una vieja canción se atesoraban en la memoria como un raro evento.

Una parte de la ecuación no ha cambiado: Luis Alberto sigue teniendo un presente fecundo, compone canciones tan vitales como las que integran Un mañana. Pero, cuando a comienzos de este mes comenzó a rebotar la versión de que “se viene un regreso de Invisible”, ya no hubo tanta incredulidad. Esta semana la bola fue un poco más allá, y aunque Spinetta aún no ha dicho esta guitarra es mía, el chequeo de tres fuentes diferentes permite afirmar que sí, es cierto: el Flaco tocará en Vélez el 4 de diciembre, en una noche que, por obra y gracia de cuestiones relacionadas con el calendario, propiciará reencuentros varios y un repaso histórico que, faltando casi tres meses, ya eriza la piel del spinettófilo. Para decirlo de modo algo más coloquial: se nos cae la baba de solo pensarlo.

Hace cuarenta años, Spinetta, Rodolfo García, Edelmiro Molinari y Emilio del Guercio le dieron forma a un disco fundamental en la historia del rock argentino, clásico de clásicos, una obra que aún hoy suena fresca, sin mella, impactante por la belleza de sus canciones y las firmes convicciones de cuatro músicos tan jóvenes como maduros a la hora de expresar sus urgencias creativas. Siempre identificado como el primero de Almendra, el del tipo de la lágrima y la sopapa en la cabeza, fue un faro y el puntapié inicial de una carrera comprometida en primerísimo lugar con el compromiso artístico. De allí en más, Spinetta se dedicó a explorar múltiples maneras de hacer música, encabezando proyectos como Pescado Rabioso, Invisible, Jade, Los Socios del Desierto o los diferentes envases instrumentales adoptados bajo su nombre propio. Este cronista debe confesar que la obra de Luis, con la que se cruzó a edad bien temprana, es una de las razones por las que terminó dedicado al periodismo musical. Con el tiempo, poder compartir con los lectores análisis y sensaciones surgidas de recitales y discos supuso una satisfacción especial, que se funda en un hecho central: en treinta años de seguirlo arriba del escenario o por la vía grabada, Spinetta nunca defraudó. Ningún calificativo celebratorio resultó exagerado. Cada encuentro renovó un vínculo especial; mientras el costado-fan disfrutaba de manera subjetiva, el periodístico celebraba que aun desde la obligatoria objetividad el Flaco seguía siendo un artista a destacar. En este caso, la esquizofrenia conducía a una misma conclusión.

Que esta vez no hubiera incredulidad frente a ese radiopasillo no es casual. Nadie piensa que es descabellada la recurrente mención de históricos como Machi Rufino, Pomo, Rodolfo García o hasta David Lebon. Y al cabo, que Spinetta se permita y regale a su público una noche revisionista no es en absoluto una contradicción ni un cambio de opinión. En rigor, es natural. No sólo por la redondez del aniversario de Almendra o los sesenta años del músico (si vamos al caso, la carrera de Spinetta ofrece una multitud de mojones para ponerles velita de cumpleaños), sino porque los shows de los últimos años denunciaron otra actitud con respecto a su archivo. Uno podría autoplagiarse y refritar frases, pero será mejor la honestidad: el 23 de noviembre de 2002, quien esto escribe publicó aquí la crónica del concierto que, bajo el subtítulo Electroacustik, Spinetta había dado dos días antes en el Teatro Coliseo. El siguiente extracto da una idea de que la apertura de los libros de la buena memoria no es cosa exclusiva de este aniversario.

¿Qué es lo que hace tan vital a Spinetta, un hombre que ha recorrido más de tres décadas de historia musical argentina entregando obras mayores en una infinidad de estilos y variantes? Ante todo, su delicada y apasionada entrega al arte de la música y la lírica. Luis Alberto ha tocado solo, con dúos, power tríos y tríos de fusión, agrupaciones que experimentaron con lo jazzero, latidos acústicos y electroshocks violentos. El respeto hacia sí mismo, sus músicos y su público –un público que, por añadidura, a veces se vuelve irritante en sus expresiones de devoción– es seguramente lo que lo mantiene íntegro. Pero aun así resulta asombroso que desempolve un diamante de Almendra como “Para ir” y su voz luzca intacta, y siga erizando la piel. Spinetta está entero cuando canta eso y cuando canta “Su amor allí”, un estreno con el que abrió esta serie Electroacustik, y eso lo define: el pasado y el futuro se dan la mano, y todo brilla bajo la media sonrisa de ese artista que nunca quiso saber nada con el bronce, pero se empeña en seguir escribiendo páginas que lo ameritan.

El espectáculo con el que el Flaco está cerrando este año tormentoso tuvo un debut para la historia. Fue en septiembre y nada menos que en el Teatro Colón, una tarde-noche mágica en la que comenzaron a descubrirse las sutilezas de la nueva formación instrumental. Apoyándose en la artillería de teclas de Claudio Cardone y el Mono Fontana, con Javier Malosetti dibujando casi en las sombras, en esta etapa Spinetta saca a la luz canciones de lugares y momentos diferentes. En el final de la noche del jueves, antes de un estreno sin título, mostró su enojo porque se hablara de “retrospectiva”, pero al cabo es una cuestión menor. Es que lo exhibido en el Coliseo es un pack tan valioso como atemporal, una cadena que une 1969 con 2002 de manera armoniosa. Los eslabones, además, tienen una fortaleza que no se funda en su relevancia histórica, sino en el valor de su interpretación actual. ¿Qué importa en qué disco aparece “Leves instrucciones”, si la versión que suena ahora sigue siendo emotiva, desgarradora y bella?

Así, la lista de este show produjo un arrobamiento que consiguió el milagro: hasta bien entrada la noche, los habituales pedidores de cada ceremonia spinetteana se quedaron en sus trece, abiertas las orejas y cerrada la boca. Una tras otra, “A Starosta, el idiota”, “Tonta luz”, “Al ver verás”, “La pelicana y el androide”, “Cielo invertido”, fueron creando un clima de recogimiento, preámbulo de ovaciones sin afectación. Sin manierismos, Spinetta dejó fluir la evidente comunicación con sus músicos, intérpretes de una idea que permite que una canción pueda ser lo que afuera es imposible, un mundo perfecto.

Respecto de aquella velada paqueta del Colón, hubo dos ingresos, ambos inspirados y ambos respondiendo a un espíritu que busca las canciones antes que el greatest hits tribunero. Uno fue “Alcanfor”, rara pieza oculta hacia el final de Téster de violencia, que encajó a la perfección entre la orquestada relectura de “Maribel se durmió” y “Vera”. El otro, “Asilo en tu corazón” (del La La La registrado junto a Fito Páez), se ubicó después de la urgencia rítmica de “Ludmila”, como respondiendo a un deseo oculto de la gente que nadie hubiera podido expresar de antemano. Revisando lo que Spinetta volvió a cantar en ese momento en que la comunión llegó a un punto culminante, no parece casual. “...Y me veo partir, soy un barco que se hace a la mar, y en todo retorno, un cambio nacerá...”, susurró. Podría decirse que es como una declaración de principios, pero es sabido que Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Jade, todo Luis y su obra, no “declaran” principios. El simplemente toca y canta, ahí está todo, y el que quiera que escuche.

Alguna vez acusó: “Vos nunca me oíste en tiempo, siempre tuviste un poco de miedo”. Hoy el tiempo sencillamente no importa. Bajo las tenues luces del Coliseo, ese lugar que es también parte de su historia, Luis Alberto Spinetta sigue entregando canciones necesarias, sin edad, sin excusas ni discursos. Habrá que seguir y seguir, entonces, pidiendo un asilo en su corazón artístico.

Suficiente para hacerse una idea de lo que puede significar la noche del Fortín de Liniers. Suficiente para abrir el baúl, sacar el atesorado vinilo original de Almendra y hacer del reloj un trasto inútil. Suficiente para disparar el ansia de espectadores de todas las edades, que disfrutan la convicción de seguir teniendo en plenitud a una figura central del rock argento, capaz de conmovernos con la mera idea de un concierto de la buena memoria, que puede convertir a Vélez en un jardín de puro presente.

Allí estaremos, Luis Alberto.

Link a la nota: http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/espectaculos/2-15413-2009-09-26.html

LOS MÚSICOS Y LA LEY DE SERVICIOS DE COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL

2009-09-30T00:09:00.000-07:00

La Nueva Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual representa, sin duda alguna un gran enorme avance democrático en la historia de nuestro país. Democratizar nuestras comunicaciones, tumbar los monopolios mediáticos que callan a nuestros artistas y nos llenan nuestras preferencias musicales de mandatos estéticos dependientes del mercado es un avance que no sólo los que bregamos por más democracia debemos defender con uñas y dientes sino un tema de la sociedad toda. En lo que repercute exclusivamente a la actividad musical de nuestro país, los avances también son significativos. Corto y pego, el comunicado de los Músicos Argentinos Autoconvocados para compartir y para parir, desde aquí, otra trinchera.

Músicos Convocados ha conseguido dos logros históricos en la nueva Ley de Medios Audiovisuales aprobada el 17 de septiembre por la Cámara de Diputados.

1- En el artículo 65 (contenidos de la programación) se aprobó que, como mínimo, el 30 % de la música emitida deberá ser de origen nacional, y de ese porcentaje, la mitad (50 %) tiene que ser de música producida de forma independiente (donde el autor y/o interprete ejerza los derechos de comercialización de sus propios fonogramas).

2- Se logró instalar "sobre tablas", en el debate de cada artículo en particular, la necesidad de que exista un fondo de fomento para la música (este punto no estaba contemplado en la redacción original). Así se destinó un 2 % para "la creación del Instituto Nacional de la Música" a propuesta del diputado Claudio Lozano. Sabemos que es un fondo insuficiente, pero sienta un precedente muy importante para la futura Ley Nacional de la Música. Si bien se solicitaba un 20% de algunos items que representaban el 10% del total ( como consta en el proyecto de Ley Nacional de la Musica), este reconocimiento legislativo de que la música también es un arte y por lo tanto necesita ser fomentada por el Estado, le da caracter historico a este logro. Ambos hechos constituyen una prueba clara (aunque todavía falta la aprobación del Senado) de que la realidad no es inmodificable y que, si bien una ley no transforma automáticamente una situación dada, sí mejora el punto de equilibrio en el que se desarrolla esa realidad. La actividad musical, en caso de que esta ley logre completar su aprobación en el Senado, se verá fuertemente beneficiada en su difusión y fomento.

Estos logros son producto del intenso trabajo realizado en los últimos años por la F.I.M.A (Federación Independiente de Músicos de la Argentina) y Músicos Argentinos Convocados, y de la participación en los distintos foros de los músicos organizados en todo el país.

La legitimidad del accionar de las organizaciones de músicos se vio reflejada en la gran cantidad de adhesiones, donde conviven los músicos de mayor convocatoria junto con los que inician su carrera., Músicos Convocados y la F.I.M.A agradecen el apoyo de todos los músicos y de los diputados Claudio Lozano, Eduardo Macaluse, María América González, Agustín Rossi, Cecilia Merchand, Victoria Donda, Ariel Basteiro y a Edgardo Depetri

LOS REGRESOS MENOS ESPERADOS

2009-09-24T09:35:00.000-07:00

Hace un tiempo que he planteado en estas páginas, un serie de versiones que giraron en torno al regreso de las bandas lieradas por Luis Alberto Spinetta a lo largo de su trayectoria. Conocer la postura del flaco con respecto a su obra y cómo pararse ante ella retroactivamente hacía (hace en realidad) nos pone permanentemente en la cornisa que nos hace deschar y tirar por la borda un sinnúmero de expectativas que comienzan a caer en el plano del análisis probabilístico. Pero decía en aquel viejo posteo que "de un tiempo a esta parte, estamos siendo testigos de un conglomerado de reuniones históricas que abren esperanzas, a lo que también se suma un Spinetta mucho más abierto a hablar públicamente del pasado (actitud que durante muchos años se mantuvo hermética)" a eso hay que sumarle todo lo que se escapa a dicho hermetismo. Todo lo que escapa al propio Luis Alberto Spinetta.

Los medios de prensa que se han centrado en esta temática han basado sus versiones en expresiones que otros músicos han vertido en torno al tema. Y el resultado es asombroso. Nada es claro y todo lo sólido se disuelve en la especulación. Hay data fresca. El 4 de diciembre, el Estadio de Velez Sarfield está reservado para un evento artístico. Spinetta volvería a tocar en un estadio, con número exclusivo. La excusa sería sus 40 años con la música, o en realidad, el aniversario número 40 de su primera grabación profesional. Allí pasarían todos. Allí, todos volverían a encontrarse en un escenario.
Según pudimos urgar, la única reunión confirmada sería el regreso a escena de la tríada Spinetta-Pomo-Machi, lo de Almendra también habría avanzado bastante. Nada se dice con seguridad de Pescado, de Jade, de un posible encuentro con Fito y con el remozado Charly García. Pero todo es humo, y no tanto.
Spinetta nada dice y se mantiene en el hermetismo que siempre caracterizó a su figura. Nosotros, de este lado, esperamos. Y seguiremos esperando esa confirmación que a tantos nos quita el sueño. Pero en sus palabras, sin intermediarios que especulen, sin notas que llenen páginas, sin estrategias que utilicen el tema para desviar la atención de otras batallas más importantes. Esperaremos...un poco más.
No falta demasiado.

Fotos: Archivos personal Machi Rufino

"LA MÚSICA QUE YO HAGO CADA VEZ SE ME PARECE MAS" (*)

2009-08-23T15:43:00.000-07:00

Por Diego Fischerman

Es la tercera vez que vuelve a Buenos Aires desde que, en 1977, decidió no hacerlo más. Y hay algo de novela de ciencia ficción, dice Tomás Gubitsch. Como esos viajeros para quienes el periplo dura apenas unos días mientras que en el viejo planeta han transcurrido siglos, para él llegar a esta ciudad equivale a “sentirse en casa”. Y la sensación se traslada a la música. No es mucho el rock que escucha, no es mucho el que le sigue resultando interesante y, sin embargo, aunque su música se meta en el tango, aunque muchos la definan como jazz, él se siente “un músico de rock”. Esa es su casa, para quien hace 33 años cambió, en el ambiente de la música nacional, el standard de lo posible en la guitarra eléctrica y formó parte, en poco tiempo, de los grupos de los músicos más importantes de la Argentina en la segunda mitad del siglo pasado: Luis Alberto Spinetta y Astor Piazzolla.
Gubitsch, que tocaba en el renovador grupo Generación 0, de Rodolfo Mederos, tenía poco más de quince años y llamaba la atención. Tanto que comenzó a tocar en Invisible y fue parte del que tal vez haya sido el momento áureo del grupo, el del disco El jardín de los presentes y el de aquel recital en el Luna Park en que Spinetta incluyó bandoneón. Un momento de acercamiento –el primero y tal vez el último– entre lo más original del rock y del tango, que desembocaría en el concierto de Piazzolla “dedicado a los músicos de rock”, donde hizo enfocar las luces a una platea en la que estaban Spinetta y los integrantes de Alas. Acercamiento que se extendería al segundo grupo electrónico reclutado para una gira de un año, que grabó en vivo en el Olympia de París y donde Gubitsch fue el guitarrista. El se quedó allí, aprendió otras cosas, tocó con Stéphane Grappelli, con Georges Moustaki y con Michel Portal, entre muchos otros, ganó premios, dirigió orquestas, compuso para otros, escribió para el cine y la televisión.
En 2006 presentó aquí el disco anterior del quinteto, Cinco, que fue el primero suyo en editarse en la Argentina (publicado por Acqua). Y cerrando un círculo cercano a la perfección vuelve esta vez, con apoyo de la Embajada de Francia en la Argentina, para presentar el nuevo material de su quinteto y grabarlo en vivo dentro del Festival que la que todavía es su ciudad le dedica al tango. Con el título Medianoche de un Fauno, Gubitsch hará música, con Chalan en contrabajo e incluyendo textos del poeta Jorge Fondebrider, simultáneamente con la proyección de un film en el que se ve la coreografía de Nijinsky a partir de Preludio a la siesta de un fauno, de Debussy. “Fondebrider me contó una vez –cuenta Gubitsch– que cuando Debussy le pidió permiso a Mallarmé para ponerle música a su texto, el poeta le contestó con una pregunta: ‘¿Para qué, si ya tiene su propia música?’ Nijinsky se basa en Debussy, que se basa en Mallarmé sin permiso. Entre Nijinsky y Mallarmé ya no queda nada. Y no-sotros, también sin permiso, nos basamos en el coreógrafo para pensar una nueva música, en la que decidimos que haya muy poco, apenas unos momentos, decididos de antemano.”
En el comienzo de su carrera, Gubitsch era muy chico. Pero era una época en la que, en la música, se empezaba muy joven y los chicos tenían ideas y proyectos grandes. Y Spinetta y Piazzolla no sólo eran grandes. Eran ídolos. “Y eso era más un problema que una ventaja –cuenta el guitarrista–. La idolatría no era lo mío. Siempre me llamó la atención que el primer mandamiento se refiera a eso, a la prohibición de tener ídolos. Estaba mi visión del mundo, pero también estaba mi petulancia. A los 17 años creía que el ídolo era yo. Aun así, Spinetta, después del primer disco de Almendra y de Artaud, era lo más cercano a un ídolo que yo podía tener.” El hermano de Luis Alberto era amigo del de Gubitsch y, según relata éste, “se ve que le pasó el dato y Luis me invitó a zapar el bajo a su casa en Belgrano, donde vivía con su familia. Estuvimos tocando con guitarras desenchufadas y después me dijo que fuera a un ensayo y me dijo que lo habían hablado con el grupo y me propuso formar parte de Invisible. Eso me produjo mucho conflicto, porque yo estaba tocando con Mederos y en esa época no estaba bien tocar con varios grupos. Uno pertenecía a un grupo en especial. Fue el propio Mederos, que tenía una relación muy paternal conmigo, quien me insistió para que lo hiciera”. Entre eso y tocar en el Luna Park hubo muy poco tiempo. Y Gubitsch, que muy poco antes había sido llevado preso, ritualmente, tal como sucedía en ese entonces, precisamente después de un recital de Invisible, estaba en el escenario tratando de que sus compañeros no se dieran cuenta de que era la primera vez que tenía delante una multitud de ese calibre. “Era importante, y lo era también para ellos, que eran mucho más experimentados. El Luna Park no era lo mismo que cualquier sala. Nosotros nos concentramos, como si hubiéramos sido un equipo de fútbol. Nos fuimos el día anterior a un hotel al lado del Luna Park. De lo que no creo que tuviéramos conciencia era de lo bien que sonábamos. Estábamos mal sonorizados, porque acá no se sabía muy bien cómo amplificar a un grupo así, pero creíamos que los grupos de afuera sonaban mucho mejor y ya estando en Europa me di cuenta de que no había muchos que sonaran mejor que Invisible.”
La época con Piazzolla no fue exactamente buena. “Tengo la sensación de que él se cansó rápido de esa idea de acercarse al rock y al jazz-rock –dice Gubitsch–. Y no-sotros, en lo musical, esperábamos más. La batería, por ejemplo, estaba condenada a repetir en el charleston, eternamente, la acentuación 3+3+2. Nosotros teníamos a Bru-fford en la cabeza y eso nos parecía pobrísimo. Un vez Cerávolo intentó meter algo distinto y se acercó Piazzolla y le dijo: ‘No, pibe, tocá lo que está escrito’. Y además estuvo la política. Era 1977. Los conciertos en París estaban organizados por la Marina, como contraofensiva hacia lo que llamaban la Campaña Antiargentina. Y Piazzolla no quería que dijéramos nada. A mí eso me costó que me sacaran el pasaporte y que no pudiera volver a la Argentina.”
Pasaron más de treinta años y Gubitsch volvió al país con una formación que dialoga, sin ocultarlo, con el mítico quinteto del bandoneonista. “Creo que éste es el cierre de este período –reflexiona–. La música que hago cada vez se me parece más. Y ahora siento que este quinteto, que es el grupo que me reflejó con exactitud y que está conformado exactamente por los músicos que elijo, está cumpliendo un ciclo.” Piazzollianamente, Gubitsch ya piensa en lo que vendrá.

(*)Nota aparecida en el diario Página/12. Sábado 22 de Agosto de 2009

CROMAGNON Y LOS LÍMITES DE LA JUSTICIA

2009-08-20T08:30:00.000-07:00

"Frank zappa and the mothers
Were at the best place around
But some stupid with a flare gun
Burned the place to the ground
Smoke on the water, fire in the sky"
("Smoke on the water" Deep Purple, 1972)

El martillo golpeó sobre la mesa. La Justicia ha dicho. Y Cromagnon quedará impune, una vez más. Pese a todo lo que se tejió en torno a este juicio, la Justicia tuvo que lidiar con una carga demasiado pesada. La de dictaminar responsabilidades sobre un hecho social. La de individualizar responsabilidades sobre crímenes colectivos. La de buscar responsables, una vez más, sin poder atender a la totalidad de factores.
Era de esperar un falló controvertido, un fallo carente de justicia real. Pero la cosa fue peor. No sólo por el fallo en sí, sino por las repercusiones inmediatas. Por una sociedad que no aprende, y lo que es peor, no demuestra interés en hacerlo. La corridas, los banderazos, las provocaciones, los golpes, la intervención de la polícia. Una foto más de esta Argentina, que con casi 200 años de historia todavía no hemos sabido construir. Un empresario, una policía corrupta, una banda de rock, un conjunto de prácticas irresponsables y una sociedad diezmada. El saldo, 194 muertos y una herida abierta. ¿Qué nos deja Cromagnon... 4 años después?
Partamos del consenso común. Hay una sociedad pauperizada, con base en un innegable deterioro social y económico en la que la mayoría de los seguidores del grupo Callejeros ha crecido y se ha formado. Ese factor que aparece como determinante en todos los análisis que patean el tablero, desconoce las responsabilidades individuales y colectivas que en este lugar le corresponde a las propias víctimas, a la propia banda y a nosotros mismos como jóvenes y como sociedad. Hay un tarado que prendió una bengala en un lugar cerrado, con 3 mil personas alrededor, ¿es él el único responsable? Claro que no. Si durante años se fomenta disparar al aire como metodología de festejos, el dueño del arma de la bala perdida que termina en la muerte de alguién no es el único responsable, ni es un asesino. A lo sumo, un responsable más de una prática suicida. Y el uso de elementos pirotécnicos (ya sea en lugares cerrados o abiertos) en medio de concentraciones colectivas es una práctica suicida (colectiva).
La pauperización cultural a la que nuestro país fue sometido ha creado, también, líderes de barro. Es mentira que lo que pasó en Cromagnon le pudo haber pasado a cualquier banda, a cualquier público, en cualquier lugar. En primer término porque pese a lo que nos quiera hacer creer la prensa oficial, los arrepentidos y los banderilleros de tribuna esa práctica no se daba en todos los recitales que se repetían en el país. Hay sobradas muestras, es más, hasta me atrevería a decir que el arco más amplio de la música popular argentina (y en el propio sub-universo roquero) eso no era así. Acá, Callejeros, no sólo formaba parte de una pequeña parte en donde estas cosas sucedían sino que la práctica, pese a lo que me quieran hacer creer, era alentada por la propia banda. Y si no era alentada, al menos, nada se hacía para evitarlo. Recuerdo haber estado en recitales de Callejeros en donde la banda aplaudía la revuelta grotesca de fuegos asfixiantes entre el público, recuerdo haberme quedado sin aire, tengo la certeza de que nada se hacía en materia preventiva desde el escenario. Miles de jóvenes necesitados de identidad, despojados de sus derechos básicos, se encontraban un lugar "sintiéndose parte de". Algo que, lamentablemente, llevó a muchos a la muerte. ¿Puede desconocerse la responsabilidad de quienes auspiciaban de anfitriones de una fiesta de lo que suceda en ella? Otra vez, el engaño. Las miles de personas que siguen religiosamente a un grupo de rock, necesitan al menos ser respetados. La falsa ilusión de compartir protagonismos, el cuento de "la fiesta la hacemos todos". El escenario que se trasladaba a la tribuna, obviamente en distintas condiciones. Un pequeño grupo de personas resguardadas en un escenario, ganando dinero, con la seguridad de estar protegidos, con salidas traseras propias y sin demasiados riesgos mentía al convencer a miles de personas hacinadas que "eramos todos iguales". Puede ser una consecuencia de la masificación del movimiento, del tribuneo futbolero que todo lo consume y del gran sistema que privilegia la ganancia ante todo, incluso ante la propia vida. A drede o no. Eso es lo que sucede.
El rock, la música popular, la convivencia, la identidad común, nunca fue eso. No se puede pensar que saltando, empujando, quemando, obligando a quien está a mi lado a hacer lo que no quiere se está construyendo algo común. Es una actitud en la que se pueden encontrar hasta tintes facistas. El rock, nunca fue eso. Nunca, un movimiento que se considera desde su génesis como liberador, transformador, revolucionario puede prestarse a diyuntivas como las expresadas en canticos del tipo "tal no se murio, que se muera este otro". No se puede pensar que hay un culpable en esto, porque los culpables somos todos.
¿Una lectura simplista? ¿Un lavado de manos? Puede ser...pero es l que pienso. A ver si me explico. En Cromagnon hubo:
* Habilitaciones corruptas
* Coimas a funcionario públicos
* El corte innecesario de entradas al lugar (gente hacinada= más $)
* Un techo recubierto con material inflamable
* Gente que encendía bengalas con el guiño cómplice de todos los demás
* Madres que dejaban a sus bebés en guarderías improvisadas en baños públicos
* Una banda que alentaba el uso de pirotecnia
* Puertas de seguridad que jamás se abrieron
* Ambulancias que llegaron tarde
* 194 muertos, cientos de heridos, cientos de familias destruidas
¿Qué hace la justicia y la sociedad ante esto? Evitan culpas, ambas dos. Se lavan la cara, no toman conciencia del deber que les corresponde a cada una y así se procede a la búsqueda de "chivos expiatorios". Alguién que debe pagar por todo el mundo. Obvio que hay quienes tienen más responsabilidades que otros. Obvio que no es lo mismo Chabán, los policías coimeros y Callejeros que todos los que algunas vez encendieron una bengala, alentaron su uso o no hicieron nada para impedirlo. Pero en ningún momento se toma conciencia real, al menos es mi sensación de lo que realmente pasó. "Ibarra, Chaban, la tienen que pagar", "Ni la bengala ni el roncarol, a esos pibes los mató la corrupción"... desligar responsabilidades, esa es la fórmula aquí.
20 años de prisión a Chabán y 18 al manager de Callejeros, ahí están quienes deben dar la cara. El resto, bien gracias. Las funcionarias que manejaban las habilitaciones recibieron penas de dos años cuando al fin y al cabo son las que permitieron que ese local funcionse de esa forma. Chabán y Argañaraz se cargan, hoy, con la culpa de todos los personajes que participaron de la tragedia. A los pibes los mató la corrupción, pero un poquito. Porque, más allá de la corrupción, a esos pibes los mató la bengala y una práctica del "rocanrol" que lejos de parecerse, realmente, al rock se ha convertido en todo aquello contra lo que el rock siempre combatió. Y la culpa de eso, es nuestra.

LAS LISTAS DEL SILECIO

2009-08-11T19:31:00.000-07:00

Después de mucho tiempo de promesas y especulaciones, el COMFER dió a conocer la lista de canciones prohibidas, no sólo durante la dictadura sino durante los últimos oscuros años de Lopez Rega como amo y señor de la Argentina.
Bajate la lista completa de los temas haciendo click aquí.

Fuente: Rock.com.ar

LA MALDITA MÁQUINA DE VENDER

2009-08-09T20:54:00.001-07:00

El blog de rock.com.ar lo dijo antes (está bien, lo tomó de otro posteo anterior, pero lo hizo má público aún). Horas antes, el grupo monopólico más grande del país (Clarín) aceptó el engaño en un inédito mea culpa. Pasó el tema y uno no imagina aún los millones de pesos/doláres/euros que se movieron detrás de la movida de prensa más grande de los últimos años (creo que de toda la historia del rock de nuestro país) en torno a un tema, a un artista.

¿Quién estaba detrás de los mensajes de Personal, las notas a la prensa, la transmisión en cadena nacional? Darío Lopérfido. El primer secretario de cultura delaruista, el de los "Argentina en vivo". Ese gigante mecanismo publicitario, que también contó con el guiño del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires (el obelisco envuelto en un brazalete Say No More gigante) dejó al descubierto la estafa más potente que se le pueda haber echo a los amantes de la música: "angelar a Charly", despojarlo de toda identidad, desconocer su historia, su pasado y su presente.

"Deberías saber por qué" es una buena balada, un hermoso tema que no resalta entre lo mejor que ha compuesto Charly a lo largo de trayectoria. Una buena letra y una melodía adecuada.
Pero a esa poesía, le manipularon el sentido. Escrito durante su etapa pre-internación, seguramente la letra no tenía los tintes "educadores" que le han querido imprimir cuando decían que se trataba de una reflexión clínica de la agonía. Nada de eso. Por otro lado, seguramente también le sacaron todos los arreglos con los que Charly venía experimentando en la última etapa (la falta de esas "extrañas experimentaciones sonoras" seguramente muestran a un Charly más limpio, menos "loco"... en la lectura tipo de quien desea volver a ponerlo como un líder, aunque ahora lo prefieren inofensivo). El video clip del tema también conlleva un mensaje encriptado nada sutil: los constantes primeros planos de García con la taza de café... reemplazaron el wisky y los cigarrillos. ¿Esta mal? que se yo, a lo mejor no. Pero me parece demasiado.
Igual que el recital en frente de la basílica. La alegría de que Charly esté mejor es enorme, escucharlo hablar con lucidez es algo que durante mucho tiempo anhelamos todos los que queremos tener Charly para rato, pero no a cualquier costo. Hay que cuidar a Charly, me parece que son muchos los que lo están haciendo bien.
Esta letra, que tanto han manipulado, está muy cerca de los sentidos que se despegan del disco "El Aguante", hay que bancarlo. Probablemente muchos, deberían escuchar con atención y replantearse, al menos, un par de cosas... "Che, si te pones la camiseta/Deberías saber por qué/(...) Che, si en verdad me tomás en serio /Deberías saber por qué /En el fondo no es un misterio/ Deberías saber por qué (...)"

ESTAMOS EN EL AIRE!!!

2009-08-03T15:01:00.000-07:00

Amigos! tenemos el agrado de contarles que finalmente arrancamos nuestro ciclo radial semanal. Todos los miércoles de 19 a 21.30 hs. podremos encontrarnos en esta aventura radiofónica en la nuestra propia balsa se pondrá a naufragar por todos las aguas históricas de la cultura rock en nuestro país. Pronto, estaremos subiendo los programas para que puedan oirlos on-line, sobre todo a los que están lejos y desde la distancia nos acompañan posteo tras posteo.

CONTRA TODOS LOS MALES DE ESTE MUNDO
Una realización conjunta de:
www.contratodoslosmalesdeestemundo.blogspot.com y www.elmundoentrelasmanosvirtual.blogspot.com
Idea y conducción: César Martín Pucheta, Guillermo Romani y Santiago Ramos
Colaboración: Alejandro Aimaretti y Sebastián Vreis
MIERCOLES 19hs.
RADIO REVÉS 88.7
Córdoba-Argentina

CLUB DE ALMAS

2009-08-01T15:47:00.000-07:00

Eran los comienzos de 1982, el año de la locura armamentística con la que la dictadura más sangrieta de la historia argentina buscaba perpetrarse en un poder cada vez más deslegitimado. El fin de la "plata dulce", las imagenes cada vez más claras del genocidio, las crisis internas, el miedo que comenzaba a mutar en hartazgo ... encima, la guerra. En ese contexto enmarca la historia de la música popular argentina el desembarco de un conjunto de Rosarinos de vasta experiencia en su ciudad de origen que venían a probar suerte a Buenos Aires. Aquella estación de Retiro que los recibió no presagió que aquellos pelilargos desconocidos venían a modificar un par de estructuras latentes en la cultura de nuestro país.

Sinatra llegaba a la Argentina de la mano de Palito Ortega y Juan Carlos Baglietto se coronaba en un festival organizado por la Revista Humor... después vino La Falda y la consagración definitiva. Los estudios esperaban su llegada mientras que las radios y los seguidores ya fieles ansiaban un material que les perimitese reproducir ese fenómeno que comenzaba a exprezarse en festivales, bares y tarareos callejeros. Y fue "Tiempos Dificiles" la cosagración definitiva, no sólo de Baglietto como solista e interprete sino de un conjunto de músicos con una alta calidad musical y compositiva que aparecían allí en diferentes formas. Músicos y poetas, estaban allí Adrián Abonizzio, Jorge Fandermole, Rubén Goldín, Silvina Garré, un joven Fito Páez, Sergio Sainz, entre otros.

"Tiempos Dificiles" fue el primer álbum de rock nacional en alcanzar la condición de disco de oro en la historia. Un hecho del anecdotario institucional que sirve para leer, con el paso de los años, el significado de aquel trabajo que, como decía, modificó algunas cuestiones fundamentales en las formas de pensar a la música rock. En primer lugar, hay que hacer referencia a la cuestión estrictamente musical. El rock se había conformado a lo largo de su historia como un movimiento de reacción frente a otras músicas con las que se compartía un menosprecio mutuo. Esa reactancia venía dada por dos factores, el primero tenía que ver con la vacuedad de las demás propuestas ("lo comercial") y el segundo podría encontrarse en la propuesta de rupturas que el movimiento rock siempre pregonó con el "mundo adulto" y con lo que era entendido como "lo tradicional". Estos creadores rosarinos lograron imponer una forma de hacer música que volvía al tango y al folclore, pero no como hecho aislado, sino como parte fundamental de la estrategia compositiva. Las diez de canciones que comforman el disco están enmarcadas en una fusión permanente entre el rock y las raíces más intensas de la historia tradicional de la música popular argentina.
Las letras también rompen con otra de las formas clásicas del rock en nuestro país, sobre todo con la etapa inmediatamente anterior a la aparición del disco cuando la represión y el miedo elevaba los estados de paranoia al punto máximo. Estoy hablando de la aparición de un leguaje mucho más cotidiano, desde el llano, con hisotrias simples y faciles enteder, aunque con una densidad que las hacía un poco más complejas a la hora de digerir. Esa forma de comunicación, rompía con lo que el "proceso" nos había acostumbrado en materia lírica. El uso excesivo de la metáfora, la preponderancia de la música sobre las letras y la incitación permanente a las dobles lecturas. Dobles lecturas que también encerraron un poco los guiños entre aquellas compocisiones y el público.
Pasaba en general con todo el disco, la fórmula basada en historias de anclaje cotidiano en un momento en que las voces eran silenciadas y la busqueda de identificaciones colectivas de algún tipo era imperante, aquella aparición en la escena pública despertaba simpatías de todos los sectores. Y pasó con algunas particulares, con las que se convirtieron en grades éxitos. Una de ellas, compuesta por Adrián Abonizzio, era "Mirta, de regreso", la historia de un preso que volvía y encontraba un mundo diferente transparentado en la imagen de su mujer (Mirta en cuestión) que se había resignado a no esperarlo. En aquellas épocas de exilios, de encierros políticos, de desapariciones, el público vió allí, una denuncia. Con "Era en Abril", sucedió algo parecido. La canción de Jorge Fandermole hablaba de dos padres (el tema era interpetado a dúo por Baglietto y Silvina Garré) que relataban la muerte de su hijo recién nacido. Un tema muy denso, escabroso en algún punto, a la que la interpretación le daba aún más tensión .El auditorio, aquí, lo relaciono con Malvinas, la muerte joven, el abril de aquel 1982.

Había otro subgrupo de canciones que resaltan. La presentación pública de Fito Páez es de una calidad destacable, "La vida es una moneda" y un tapado por la historia, "Puñal tras puñal", la historia de una separación con título sugestivo, quizás lo más denso de aquel joven Páez de comienzos de los ochenta.
"Tiempos Dificiles" representa así no sólo la presentación pública de un conjunto de artistas de reconocida trayectoria con el paso del tiempo, sino una obra fundamental para marcar una línea divisoria entre las formas de hacer música en la cultura rock de nuestro país. Aquel disco que abre una trilogía fundacional, hoy mitológica, marca a las claras un conjunto de necesidades de una sociedad que no terminaba de escaparle al horror pero encontraba algunas formas de decirle y de cantarle.

CUANDO 25 AÑOS NO SON NADA

2009-07-28T20:02:00.000-07:00

Entre 1982 y 1985 Alejandro Del Prado grabó dos discos que lo colocaron como uno de los artistas locales con mayor proyección en la música nacional. Pero todo se fue esfumando en esporádicas actuaciones en vivo y un injusto silencio oficial que se negaba a reconocerlo debidamente. Esa ausencia se rompe un cuarto de siglo más tarde con una decena de canciones que Del Prado compuso en los momentos en que el recuerdo parecía ser el único camino que lo mantenía en el inconsciente colectivo.
Alejandro Del Prado quedó inmortalizado al momento que su tema "Los locos de Buenos Aires" comenzó a tener trascendencia cuando acababa la primera mitad de los ochenta. Lo cierto es que durante los setenta estuvo al frente de una banda que conmovió a la escena local con base en una poesía de trazo lúcido y músicas provenientes de las entrañas más potentes del Río de la Plata. Saloma, logró grabar un albúm en 1977 ("Canciones de Buenos Aires") en cuyo créditos aparecían poetas como Jorge Boccanera, Osvaldo Ardizzone y Raúl Gonzalez Tuñon.
Lanzado en formato solista Alejandro grabó "Dejo Constancia" (1982) con la participación de Silvio Rodriguez y Litto Nebbia y el mencionado "Los locos de Buenos Aires" (1985). El reconocimiento obtenido por aquellos años se basaba en haber asentado las bases para una corriente que hoy, diversificada y readaptada, ocupa un lugar central en la cultura rock rioplatense. Del Prado es, quizás, el principal factor de referencia de artistas como Ariel Prat o la propia Bersuit Vergarabat. La conviencia constante del tango, la milonga y el candombe con el rock. El trovador con alta claridad lírica. El autor que logra pintar la vida con trazos certeros. "Yo vengo de otro siglo" significa algo más que un regreso. Es una forma de revalidar laureles y una forma de hacer música que, pese a aparentar quedar al margen del ciruito actual, parece respirar y explotar en cada rincón del Buenos Aires post-Cromagnon.
Este puñado de canciones retoma toda aquella fugaz trayectoria de los ochenta y presenta una actualidad nostalgica que eleva al oyente al mejor Buenos Aires, ese que nunca dejó de estar presente pese a las aspiraciones de primer mundo y el avasallador avance de la magnificencia futurista. "Yo vengo de otro siglo/me estoy acostumbrando/con dos X y un tango/perdón si no me ubico", aclara el autor en "2 x y un tango" y la idea recorre todo el disco. El tango ("Tango, se te nota Tango") el fútbol ("Paravalancha"), un homenaje a Alfredo Zitarroza ("Zitarroseando") y hasta un aire de reggae ("Las virtudes del petardo") van dando forma a un disco con una frescura y la densidad propia de un tipo que sigue cantando como hace 25 años pero que se mantuvo guardado durante demasiado tiempo como para hacer explotar tantas historias en un albúm. Nunca dejó de hacer música, es cierto, pero el arte de años se condensa aquí, en el primer trabajo de Del Prado originalmente editado en cd. Las reversiones de "Los Locos de Buenos Aires" y "Si te Contara" son bonus tracks a modo de curriculum, pero a la vez una manera de demostrar que las melodías precisas y las letras certeras no tienen fecha de empaque ni de vencimiento.
Finalizo... el tema "Yo conozco un Buenos Aires" empieza con la letra y la voz de Osvaldo Ardizzone: "Solo quedamos yo y vos, hermano de antes. Solo yo y vos y el perfume del recuerdo. Y el viejo coche con su trote lerdo, ya no alcanza la esquina del pasado". ¿Qué más?.

INDUSTRIA NO, INDUSTRIA SÍ: EL GARDEL PARA SPINETTA

2009-07-22T12:07:00.000-07:00

La emergencia sanitaria por la pandemía de los barbijos medíaticos ahorro ovaciones públicas. No fue a sala llena, nadie estuvo de pie. Pero la industria reconoció la trayectoria de Luis Alberto Spinetta otorgándole el máximo galardón del rubro en un año en que el flaco volvió a demostrar cuán lejos está de lo industrial, en una año en que las recetas estructuradas de la industria cultural se vieron nuevamente derribadas por un artista que no se ata, ni jamás se ató a sus reglas.
Las sonrisas que se dibujan a lo largo y a lo ancho del universo artístico nacional, los festejos, la sensación de justicia...todo eso debería ir acompañado de una reflexión que gire en torno a aquellos sectores que deciden hoy, lavarse nuevamente la cara, premiando a un artista que prefiguró la genesis de un movimiento al cual siempre combatió por la simple sensación de verse avasallada por él.
Puede resultar significativo el dato con que arrancaba este posteo, puede parecer significativo que, por el azar nunca azaroso del destino, la industria reconozca a aquel artista que alguna vez escribió: "Denuncio a los representantes y productores en general,y los merodeadores de éstos sin excepción, por indefinición ideológica y especulación comercial.Ya que estos no se diferencian de los patrones de empresa que resultan explotadores de sus obreros. O sea, por ser los engranajes de un pensamiento de liberación a quienes no les interesa que toda la pieza se mueva, dado que al producirse el más mínimo movimiento, serían los primeros en auto reprimirse y dejarían por tanto de participar en “la cosa”" sin gente alrededor. Hay una legitimación que los hilos del mundo volvieron ilegitimante, una pandemia de estructuras que evitó una ovación que también podría haberse entendido como grito de liberación.
Puede parecer una mirada demasiado crítica, tal vez romántica. Ya sabemos que todo movimiento, entre ellos el rock, necesita utilizar los mecanismos tecnológicos de reproducción masiva para poder llevar su mensaje a la mayor cantidad de cabezas posibles. No hay liberación sin mensaje, no hay mensaje sin medio y los medios se monopolizan para evitar las grietas. No las evita pero las invisibiliza. Hay situaciones en las que el rock y la industria se unen, pero en lo profundo de la relación, el alejamiento los vuelve irreconciliables.
Hay una distancia enorme entre lo que el rock propone y la industria dispone. Obviamente, existen usos múltiples y reiterados ejemplos en donde uno por sobre otro parecen prestarse una atención ficticia.

Imagen: Pablo Alonso

ASESINATO AL ROCK (Pablo Dacal)

2009-07-19T22:24:00.000-07:00

1. El rock ya no nos representa sino en parte, como el tango o la música romántica. Algo de nosotros puede ser dicho en sus términos, pero son géneros que representaron la experiencia de generaciones pasadas, no la nuestra.

2. El rock, al integrarse en todas las escalas del sistema de vida imperante, muere como canal de ideas nuevas y ocupa el lugar de la crítica dentro de la estructura del poder. Es otra oferta del discurso oficial, y atacarlo desde el Estado es parte del juego dialéctico. Creer que aún guarda algún poder de transformación es ingenuo y conservador.

3. El rock es antropofágico, y al ocupar socialmente el rol de música juvenil no permite ser desplazado. Quien tenga ideas nuevas deberá ser ingerido o pasar a la clandestinidad.

4. El rock, como todo género envejecido, añora su vitalidad original y vive enamorado de su pasado. Se expresa en el gesto de su juventud triunfante a través de la mirada pop. Creer que lo hace a través de la sexualidad o la violencia es falso: todos los géneros expresaron su propia sexualidad y violencia.

5. A través del pop hablan los arquetipos de la sociedad espectacular, utilizando ciertos géneros del siglo pasado, como el rock o el cine.

6. El mercado del rock oculta a la novedad proponiéndose como lo siempre nuevo. Decir que ya todo está realizado es parte de su truco: lo que ha sido hecho es solo lo que ha sucedido, lo nuevo esta por hacerse y no tiene nombre

7. Te sedan con sexo, drogas, rock y tecnología.

8. Géneros como el rock pueden ser interpelados, disfrutados e incluso desarrollados mediante la tradición, pero el placer o el desarrollo de una tradición no tienen que ver con la construcción de ideas nuevas.

9. No se trata de fusionar o poner en tensión géneros y estéticas del pasado, si no de utilizarlos como herramientas para que aflore nuestra sensibilidad. Las rítmicas, los colores, el sonido, la armonía y la estructura compositiva que conocemos son instrumentos que una nueva idea puede requerir, o no.

10. Las vanguardias realizan una lectura pretendidamente novedosa sobre los géneros e ideas instituidas en un momento determinado. Los movimientos genéricos, en cambio, surgen tras una verdadera ruptura con lo establecido y dejan el dibujo de una nueva moral, pudiendo o no generar moda.

11. Para encontrar lo nuevo hay que atreverse a no formar parte de la sociedad artística imperante. Si no hay sitios donde mostrar ni medios que nos comuniquen, deberemos inventarlos. Hacer sin dudarlo, como un acto de fe.

12. En la reacción que la obra genera está el norte de nuestro movimiento: solo hay que saber oírla.

13. Una nueva sensibilidad no encuentra la manera de expresarse física y espiritualmente con facilidad.

14. La canción y la historieta son las formas narrativas de nuestro tiempo, cargan con la herencia secreta de la poesía y la tragedia, y continuarán existiendo cuando todo estalle.

15. El mundo tal cuál lo conocemos vivirá probablemente mucho menos de un siglo. Nuestra música, al igual que nuestra vida, debe dejar de relacionarse con temporalidades ficticias como el futuro o el pasado para enfrentar lo actual en toda su crudeza.

16. Cantamos nuestro idioma y vivimos nuestro sitio.

17. No nos alcanza el tiempo.

Pablo Dacal
Rosario - Buenos Aires, Argentina
Diciembre de 2006

FELIZ DÍA!

2009-07-19T21:15:00.000-07:00

Podría ir una versión completa pero me interesó más compartir con ustedes este fragmento aparecido en la Televisión Española que data del año 1990. Abrazos a todos, gracias por estar! Feliz día!!!

EL OFICIO DE LA PASIÓN

2009-07-16T15:49:00.000-07:00

Las nuevas formas de comunicación, que entre otras cosas hacen posible este espacio, y las pasiones en común me llevaron a conocer a Gustavo Farías. Uno de los tantos hombres que hicieron de su pasión un oficio. Gustavo tiene 41 años y desde temprana edad encontró primero su conexión espiritual con la música para luego dejarse seducir por la historia de nuestro rock. Con el paso del tiempo, el hombre se convirtió en coleccionista y su habitat natural se compone por cientos de LP´s originales. Un tesoro que hoy comparte con nosotros. Su experiencia, sus preferencias, sus tesoros...la vida de un coleccionista...

¿Cuándo y cómo empezó tu relación, primero con la música y luego con esta faceta de coleccionista?
Mi relacion con la musica comienza desde que tengo memoria,ya que mi papá escuchaba bastante musica (algunas no muy buenas como Los iracundos, Sandro, Palito Ortega, etc) y otras si, Beatles, Creedence, Stones. Mi relacion con la que realmente me gusta (el rock nacional) y con mi locura por coleccionar,empieza cuando tenia 11 ó 12 años.Un compañero de la escuela me invita a su casa y me propone escuchar la musica de sus hermanos (algo mayores que el),
y pone lo primero que encuentra (era un cassette de Pastoral,Humanos),y no se que fue,pero algo cambio en mi cabeza para siempre (y eso que a esa edad uno no tiene muy en claro lo que le gusta,menos en lo musical)escuchar esa musica,esas voces me dio ganas de conocer todo el origen de esa musica espectacular.Y bueno ya pasaron mas de 20 años y todavia sigo disfrutando del rock nacional.

En el transcurrir del coleccionista ¿llega un momento de seleccionar qué sí y qué no, hay un perfil delimitado o todo lo que vaya apareciendo sirve de algún modo? ¿Cómo es tu caso?
En un principio si,buscas determinados discos para conocer ciertas bandas ó estilos. Pero cuando tenes tanto, ya medio que experimentas con cosas que por ahi no son tan conocidas, y resultan ser muy buenas.

Sabemos que existen formas de organizarse, encuentros públicos y otras instancias ¿Cómo se arman esos encuentros, cómo se amplifican los contactos, cómo se realimenta el universo del coleccionista?
Yo particularmente nunca fui a ningun encuentro de coleccionistas,como que soy un poco solitario en ese tema.

Hay como una imagen mítica creada desde el ideario "comercial", por llamarlo de algún modo que indica a este tipo de actividades en términos "económicamente redituables" ¿es asi? ¿Se puede ganar plata siendo coleccionista? Más allá que en tu caso responda a una cuestión pasional.
Si porsupuesto que es redituable,hay gente que paga mucho dinero cuando encuentran lo que buscan desde hace mucho tiempo. Como pones ahi no es mi caso, me han ofrecido mucha plata ó hasta poner un stand (donde me aseguran que con mi material saco buena plata) pero lo mio pasa por otro lado, es el disfrutar de todos y cada uno de mis discos (no paso un solo dia sin escuchar alguno) junto a mi familia, eso no tiene precio.

Contanos un poco lo que tenés y cuál es el perfil de tu colección.
Todavia no hice un stock real,pero debo tener casi 500 discos,algo asi como 6000 temas (el 80% es en vinilo). Mi coleccion está orientada casi en su totalidad al rock nacional,hay algunos discos internacionales, pero no tanto como de rock nac.

Creo estar al lado de un conocedor nato de muchas cosas que se han perdido lamentablemente ¿Cuáles son tus tesoros más preciados?
Por ejemplo el disco Humanos de Pastoral (con el sobre original, el que tiene el informe de la grabacion) , el disco de Charly Garcia, Festival del amor (donde despedia a La maquina de hacer pajaros,con temas ineditos ó en versiones diferentes de Leon Gieco, Nito Mestre, etc) un simple de Arco Iris con el tema Llego el cambio (prohibido por Ongania). Los temas de los primeros Abuelos de la nada (con Pappo en guitarra) y muchos mas (no tengo tanto espacio)

Lo que tenés debería ser considerado algo así como "patrimonio cultural", por decirlo de alguna forma. Más allá de los espacios que antes citabas ¿Crees que puede haber alguna otra forma de compartirlo "con el mundo", al menos en parte?
Creo que si, con los blogs, con paginas en internet, pero fundamentalmente (para mi) tendria que haber mas programas en la radio, que difundan nuestro Rock (pero en forma seria), no tan comercial (como el puro rock nacional) ,ni tan politizadas, como las emisoras que pasan a duras penas nuestra musica.

EL ACENTO EN LA COMUNICACIÓN (Pelo 1979)

2009-07-16T09:22:00.000-07:00

De regreso en Buenos Aires luego de un extenso periplo europeo, Charly García relata las experiencias recogidas en los diferentes lugares que visitó. Los contactos con las filiales de la grabadora que lo representa, las posibilidades de llevar su grupo a Europa. el encuentro en España con Moris y la incidencia de este viaje en el futuro de Seru Giran son abordados en este relato. Una vivencia que traerá cambios.

"El motivo de mi viaje a Europa fue combinar dos cosas: placer y negocios. En la parte turística, el viaje fue totalmente positivo porque es como que se me achico mucho el mundo. El itinerario fue París, donde me quede un mes, luego Londres (ahí pase Año Nuevo), la parte italiana de Suiza. Milán, Madrid y Roma. En principio, fui a París porque quería encontrarme con una compañía de ballet brasileño: Grupo Corpo, donde esta el chico que diseñó la tapa de Seru Giran.
"Por mi lado, me fui a realizar algunos contactos. Por recomendaciones que me había llevado de la Argentina, fui a la WEA y visite todas las subsidiarias en Europa. El saldo fue muy positivo en todos los lugares en que estuve. No concreté nada porque para firmar un contrato internacional hay que asesorarse muy bien, poner abogados, y yo estaba muy apurado. Voy a contar lo que paso en cada lugar. En principio, fui a la WEA de París, que es una compañía gigantesca donde hay por todos lados posters de Rod Stewart y conjuntos de música disco. En Europa, lo que mas funciona es el disco, como musica comercial, después están los conjuntos punk que no tienen mucha difusión por la radio pero de todas maneras cualquier compañía tiene cuatro o cinco de catalogo. También esta gustando mucho otra música como el reggae que hace Bob Marley.

España, punto clave

"En París, tuve la suerte de conocer a un productor, no de la WEA en una fiesta. El escuchó el disco, le gusto muchísimo y se ofreció para servirme de intérprete para hacer mis contactos porque yo de francés no entiendo nada, solamente sé pedir el desayuno: le petit-dé-jeuner. Hablamos con el encargado de la parte internacional de la WEA de Paris y le gusto mucho el material. Entendió de lo que se trataba, le pareció un poco underground para el mercado frances, pero igualmente piensa que funcionaría si el conjunto estuviera alla. El se ofreció a sacar el disco sin ningún problema pero con la condición de que demos una serie de recitales que el se encargaría de organizar.
"La idea de Europa es hacer todo el continente porque hacer un solo pais, arriesgar tanto —llevar equipos, gente, etcétera— no justifica el esfuerzo. El punto principal de Europa para nosotros es España porque es donde podemos empezar a trabajar mas rápido y con mejores posibilidades Y todo eso por el idioma y porque se esta gestando un movimiento de rock muy importante; ellos están ávidos de conjuntos. El disco fue algo que me abrió muchas puertas porque allá escuchan en seguida el material. Además, llevé mi libro de prensa con toda mi trayectoria: Sui Generis, La Maquina, las críticas a Seru Giran. Les impresionaba muchisimo la cantidad de gente que había en el Luna Park fue una cosa que no entendían porque un grupo parisino lo más que lleva son mil personas. Se sorprendieron con que en la Argentina hubo tanta gente copada con el rock. También les causaba mucha gracia algunos artículos de revistas semanales de actualidad, que titularon alguna nota: 'El músico que derrotó a Monzón'. Y los sorprendió, especialmente, porque Monzón es muy conocido en Europa"

Encuentro con Moris

"Después, fui a Milán pero no tuve suerte porque la mujer que tenia que ver en la grabadora estaba en un congreso internacional (MIDEM). De todos modos, dejé el material y quedaron en contestarme por carta. Y finalmente fui a España. Ahi tampoco encontré a contacto que llevaba porque estaba en ese mismo congreso del disco pero hablé con otras personas que, aunque no tenían capacidad de decisión para editar el material, igualmente eran empleados importantes de la compañía que me hicieron todo el cope para que vaya ya mismo allá. Estuve con Moris y le va muy bien. Tenia una dirección de Moris pero ya se había mudado, pero un día lo encontré por casualidad en la calle: él iba en un auto y yo en un taxi. Fui a su casa, me mostró lo que esta haciendo, tiene mucho trabajo. En España se trabaja mucho en discotecas que son lo que aqui los shows. Hay como cinco mil discotecas, además de los recitales y festivales, que allá se hacen con frecuencia. Con la gente de WEA quedé en volver cuando termine algunos trabajos acá. A las cosas también hay que darles tiempo, no hay que descuidar lo que hacemos acá, tenemos compromisos tomados y además tenemos superganas de tocar en la Argentina. Tenemos muchas ganas de apoyar el álbum y de mostrar algunas cosas nuevas que estamos haciendo. Posiblemente, vayamos a grabar el segundo long play a España. En abril vamos a terminar de hacer algunos trabajos pendientes, luego haremos un impasse y enseguida vamos a programar uno o dos recitales grandes en la Capital Federal para este año, además de que ya estamos componiendo el material del segundo álbum."

Londres: no había nadie

"Cuando llegué a Londres, pensé encontrarme con todo lo que creía que era. Pero me dio la impresión de llegar a una cancha de futbol cuando termina el partido: no había nadie. De todas maneras, cuando llegue era invierno y hacia entre 15 y 20 grados bajo cero, asi es que la gente muy bien no estaba. Además, las cañerías estaban rotas, la calefacción no funcionaba porque habían saltado las usinas, había muchas huelgas, estaba todo muy convulsionado. Volviendo a los planes de Seru Giran, voy a viajar primero para hacer todos los contactos necesarios, y eso me puede llevar una semana o un mes. No tiene sentido que todos viajemos a la aventura sino que hay que arreglar todo concientemente, y luego sí viajaremos todos. "Cuando en Europa escucharon la musica que hacíamos, vieron algo de música folklórica argentina moderna, arreglada. No la asociaron para nada con jazz-rock o con rock. Desde la tapa ya les pareció algo subterráneo. Me decían que las canciones están quizás excesivamente arregladas pero les gustaba muchísimo. En Londres, objetaron el castellano. En París, para editar se puede hacer una mezcla de castellano y francés, porque hay varios artistas argentinos que les está yendo muy bien, por ejemplo, Susana Rinaldi y el cuarteto Cedrón, que cantan en castellano. En cambio, en Inglaterra hay que cantar en inglés y ya estamos trabajando en eso, hay que traducir las letras, hacer un buen trabajo. Eso seguramente lo vamos a encarar mejor en Europa. Seguramente, del segundo álbum se van a utilizar las mismas pistas para cantarlas en ingles y tenemos intenciones de producir nosotros mismos una recopilación del primero y el segundo disco para editar en inglés, para presentar la WEA."

Algo que llegue a la gente

"En España, se percibe mucho la influencia de Aquelarre. Todo su trabajo de llevar el rock en castellano por todo el país fue una cosa que quizás cuando ellos estaban no fructificó en la oportunidad de grabar, pero todo eso sirvió para abrir el mercado.
"Aunque no están todos los temas compuestos, en el nuevo material de Seru Giran vamos a poner el acento en la comunicación. Trataremos de que el long play sea más agresivo que el primero. Seguramente va a ser sin orquesta, puede ser que incluyamos alguna sección de vientos, pero básicamente queremos tener un sonido directo, todos los instrumentos en primer plano. Esto es un intento. Hacemos este intento por la gente de la Argentina. Es preciso hacer algo que le llegue al público, sin hacer las canciones de Sui Generis. Se trata de hacer una música donde las letras hagan participar más a la gente."

FUENTE: MAGICAS RUINAS

RUN RUNES...

2009-07-16T08:40:00.000-07:00

De un tiempo a esta parte se han echado a rodar rumores en torno a una posible reunión de las ex bandas del flaco Luis Alberto Spinetta. Por separado o todas juntas. Sí, leyó bien...todas juntas. Uno de las últimas versiones que salieron a la luz tiene que ver con una posible fecha (se señala diciembre de 2009) que Spinetta organizaría en River en la que todas las formaciones lideradas en algún momento por el flaco deambularían de un un momento a otro.
Lo que no queda nunca claro es cuáles son las fuentes a las que se recurre, nunca queda claro en qué nos estamos basando miles de almas para apuntalar nuestra esperanza de presenciar en vivo la historia de nuestro rock. Nada es verdad o todo es cierto, nunca lo sabremos. Puede que el rumor preceda la decisión o estamos, tal vez, ante presagios certeros.
El 4 de Julio, Machi Rufino escribió en su página de facebook "Rumor has it... :)" y la bola se hizo enorme. "Nooooo!!! No me digas que...? Es lo que yo pienso?", "Loco!!!No me digas!!! Si es asi ya empiezo a emocionarme." Fue el propio Machi el encargado de subir la apuesta: "Hace ya algún tiempo que me estan preguntando pública y privadamente sobre un rumor que está corriendo y yo mismo lo desmentí, pero los rumores a veces son por algo...De todas maneras no hay nada en firme, veremos...." Pero enseguida puso paños fríos al asunto. Alguien reflexionó "Estaría buenísimo... pero no creo q esto se le pase por la cabeza principalmente al Flaco... Tal vez para un solo show... Hast q no pase no lo creo..." y el bajista asintió con un simple "Hacés muy bien :)" Todo quedó donde había empezado.
En fin, una vez más, estamos en medio de un oleada de rumores como las que tantas veces hemos asistido. De un tiempo a esta parte, estamos siendo testigos de un conglomerado de reuniones históricas que abren esperanzas, a lo que también se suma un Spinetta mucho más abierto a hablar públicamente del pasado (actitud que durante muchos años se mantuvo hermética) . Lo cierto es que la información debe manejarse con pinzas, no hay que ilusionarse demasiado aunque es preciso no perder la ilusión. Lo que acaba de leer tiene la intención de aportar a una discusión que se viene presentando en foros, en discusiones privadas y en el pequeño universo roquero de nuestro país. Aunque, es cierto, corriendo el riesgo de caer en una de las tantas irresponsabilidades periodísticas que siempre critiqué.

LA BERSUIT SE DESNUDA

2009-07-07T21:48:00.000-07:00

Los atajos que suelen abrirse al costado de los caminos que se comienzan a intoxicar de éxito han servido en algunos casos para dar luz a nuevas estéticas en las trayectorias grupales e individuales y en otros para sacar a relucir virtudes y defectos personales que sirven para entender mejor el funcionamiento interno de un grupo a la hora de encarar las concepciones artísticas que se complementan en la producción final del producto colectivo. Bersuit Vergarabat (sigo prefiriendo llamarlos así) estalló en esquirlas que se diferencian a simple vista. Mientras se esperan nuevos brotes de este parate bersuitero, las dos peladas brillantes del grupo mostraron su carta de presentación. El alma de la banda se desgrana en público.

"Cordera Suelto" es un disco de canciones compuesto entre finales del 2008 y comienzos de este 2009. Un disco recargado de esas historias que le gusta cantar al pelado que desde hace años lidera la banda que aparece en pijama sobre los escenarios en que pisa. Canciones optimistas, directas, historias acompasadas de melodías cadenciosas. Listas para ser coreadas, para sonar en las FM. El primer corte del disco ("Me la juego a morir") contiene el engaño de ser el único tema del disco con matices electronicas bien marcados, pero no miente en el espíritu con que se despacha ante un público que quizás no esperaba un disco solista de Cordera y queda boquiabierto frente a un trabajo prolijo y con mucha calidad estética. Es cierto, la mano de Santaolalla y Kerpel (siempre presentes) y el "oído-cash" de Afo Verde, no pueden derivar en otra cosa que en un máquina de hits. La marca registrada que a esta altura es la voz del Cordera aporta mucho y si bien el trabajo que no arriesga demasiado, mantiene el espíritu bersuitero hasta con la cuidada inclusión de una bossa ("Mensajera") y un tango ("No hay monstruos invencibles") que mantienen el "aura" en un trabajo parejito.

En el otro extremo, Juan Subirá y su "Fisura Expuesta", un disco a corazón abierto. Un compilado de compocisiones propias que datan de varios años. Algunas que fueron quedando afuera de la discografía bersuitera y otras que el tecladista resguardaba bajo llave esperando la oportunidad de sacarlas a la luz. Un trabajo mucho más oscuro, arriegado, con experimentaciones que irrumpen en formato de collages sonoros entre milongas, tangos y candombes. Un disco altamente recomendable con rupturas internas, saltos rítmicos y estilísticos que remiten, en algunos puntos, a la etapa progresiva de la música autóctona. Con colaboraciones notables como la Andrés Calamaro ("Salvavidas de plomo"), la de Palo Pandolfo ("Menos uno") y hasta del propio Gustavo Cordera ("Al borde"), el trabajo remite a la etapa de culto bersuitera que tiene su máxima expresión en Don Leopardo, grabado en 1996. Un disco complejo, un grito de liberación artística, sin ataduras, repleto de tinieblas, de esas que hoy ya no tienen lugar en el cachengue de la bersuit del SXXI. Me atrevo a decir que estamos en frente de lo más interesante en materia de solistas en la producción nacional del 2009.

Una coincidencia no menor, Cordera y Subirá tomaron las voces de sus hijos para que acompañasen sus respectivos álbumes. El primero para cerrarlo con un tango que suena a canción de cuna, el segundo para abrirlo entre jadeos infantiles y golpes al teclado. De las entrañas de la Bersuit Vergarabat nacen dos discos que explicitan la urdimbre exitosa que llevó a la banda a lo más alto de la escena local. Una urdimbre que se va transformando lentamente en un mantra que promete completarse con nuevas apariciones que, lejos de parecer un parate, representan una explosión colectiva de individualidades virtuosas que demuestran saber jugar con cartas propias. Hay Bersuit Vergarabat para rato, ya sea por el todo o por la suma de sus partes.

MAMÁ ROCK

2009-07-05T17:41:00.000-07:00

En los últimos años parece que la historia ha comenzado a desmitificarse, pero no siempre fue así. Es más aún, hoy la cuestión es resistida por muchos sectores (retrógrados, conservadores, machistas, puristas o como quieran llamarse). El espacio de la mujer en el rock es un tema conflictivo y lo fue siempre.
Se les aduce falta de potencia, se les critica ese don natural que hace prevalecer en ellas agudos que en algunos casos resultan molestos para quienes gozan con el chasquido distorsionado de una guitarra, se bastardea sus posturas y se las acusa constantemente de poseer frivolidades que estarían en contra de una cultura como la del “movimiento rock”. Pese a esto la mujer ha logrado hacerse con el transcurso de los años un lugar en el género que durante décadas fue impensado. Hubo quienes se animaron a transgredir, quienes abrieron el camino, hubo pioneras. En nuestro país, en nuestro rock, esa mujer se llamo Gabriela.
Como siempre sucede, hubo un antecedente. Entre los primeros simples que la pionera “Mandioca” logró dar a luz había uno de una joven modelo devenida en cantante que se llamaba Cristina Plate pero la corta carrera de la artista quedó prácticamente trunca después de aquel EP (algunos dicen que el ambiente del rock perjudicaba su carrera como modelo) que salió en conjunto con el primero de Miguel Abuelo y del trío Manal.

Gabriela fue la primera mujer que logró registrar un larga duración con nombre propio y es por esto que se la considera la primera mujer del rock argentino.
Gabriela era una chica que deambulaba a comienzos de los años 70 por la escena que nucleaba a los impulsores de aquellos míticos primeros festivales B.A.Rock, aquellos hippies. Pero Gabriela no era una chica más, ya que poseía una armonía vocal muy trabajada por aquellos días además de componer canciones que encajaban perfectamente con las ideas y el folclore roquero de esos años. Así fue como la cantante debutó en el segundo festival B.A.Rock realizado en 1971. En esa ocasión la banda que acompañaba a Gabriela es observada hoy con cierto asombró y algunos no dudan en colgarle el rótulo de “supergrupo”: Edelmiro Molinari se hacía cargo de la guitarra, Litto Nebbia de los teclados mientras David Lebón desde el bajo marcaba ritmo junto a Oscar Moro que se lucía desde la batería. En aquel festival (realizado en el Velódromo) Gabriela se presentó en sociedad ante aproximadamente 5.000 almas.
Seguido a eso, la cantante se unió al movimiento que proponía la alternativa acústica con fuertes guiños al folk, la canción y el folclore. Así fue que participó del hoy mítico “Acusticazo” (algo así como un umplugged pero mucho antes que a la MTV se les prenda la lamparita tragabilletes) junto a León Gieco, Raúl Porchetto y Litto Nebbia entre otros.
Fue en ese 1972 cuando tras la buena difusión de su segundo simple (“Mamá, Mercurio ha venido por mí”) Gabriela se meta a desarrollar lo que fue su primer disco homónimo.
El disco sorprendía no sólo al público, lo que se plasmó en una difusión más que interesante para la época, sino que recibía excelentes críticas como la de la Revista Pelo que la acusaba de demostrar que “las nenas, más que cantar como adornos, pueden hacerlo en serio y además componer”. La primera patada a la estructura machista: una mujer componía rock, lo cantaba, grababa discos y le iba muy bien.
Su actuación en el B.A.Rock III quedó inmortalizada en la película de Anibal Uset (“Rock hasta que se ponga el sol”) y en 1974 Gabriela editó su tercer EP que contenía “Voy a dejar esta casa, papá” y el excelente “Has tu mente al invierno del sur”. Siguió con sus presentaciones hasta que en 1976 (como muchos) decidió radicarse con su entonces pareja, Edelmiro Molinari, en Los Ángeles.
Allí compuso lo que iba a ser su regreso a las tierras pampas: “Ubalé” que se editó en la Argentina en 1982 y fue presentado en una pequeña estadía de la cantante en nuestro país.
Muchos se habían olvidado de ella cuando reapareció (nuevamente en Argentina) en 1990 con su tercer álbum: “Altas planicies”, un disco que tuvo muy poca repercusión y que contó con la participación de varios históricos del movimiento nacional.
Actualmente radicada en los Estados Unidos y en pareja con Pino Marrone (el ahora blusero guitarrista de Crucis) Gabriela fue la encargada de abrir un camino que aún hoy es sinuoso y lleno de obstáculos. Muchas son las damas que han dejado su sello en la historia de nuestro rock, pero (si sirve como dato) Gabriela grabó 10 años antes que Celeste Carballo y que Patricia Sosa con La Torre, 15 años antes que la aparición de Fabiana Cantillo en Los Twist y casi con casi dos décadas de anterioridad que las Viudas o Hilda Lizarazu. Un camino abierto por una mujer que, cuando la cosa comenzaba a gestarse logró romper con preconceptos y tabúes para encarnar todos los sueños, realidades y proyectos de toda una generación de artistas que parió esto que hoy tenemos…(obviamente, a veces para mal…los hijos se rebelan)

Publicado también en EL MUNDO ENTRE LAS MANOS

NOS PONGAMOS EN PELOTAS!

2009-07-02T10:03:00.000-07:00

Entre las gloriosas épocas de Juan Gatti, la complejidad de Rocambole o las fotos de "Dylan" Martí, la historia de las caratulas aparecidas a lo largo de la historia del Rock en la Argentina guarda su lugar para aquellos que decidieron, en diferentes épocas, poner el cuerpo, literalmente. Como bien lo marca la historia, tuvieron que pasar poco más de dos décadas para que a alguien se le ocurriese emular la histórica tapa de la pareja Lennon-Yoko Ono en Two virgins (1968) en donde el todavía beatle y su esposa oriantal posaban en tapa como dios los trajo al mundo. Aquello era todo un concepto de época, sin dejar de notar el caracter rupturista de aquella imagen que copó bateas de una sociedad acartonada.

Hubo en la Argentina intentos, insunuaciones, sospechas...de todo. Lo sexual continúo siendo un tabú. Se transparentaba en las letra pero las imágenes (y sobre todo las portadas!) parecía un escollo que nadie se aventuraba a cruzar. La supuesta vagina chorreada del Durazno Sangrando de Invisible (1975), el culo pop de Superficies de Placer (Virus, 1987) y más acá en el tiempo... las tetas calientes de Leche (IKV, 1999), la morcilla de Divididos en Vengo del Placard de otro (2002) y la provocativa tapa de Jessico (Babasónicos, 2001).

Pero, en rigor de verdad, fueron los Pachuco Cadaver los primeros que pusieron su cuerpo al servicio del packashing de su primer disco editado en el país , 3 huevos bajo tierra, aparecido en 1991. "Yo le dije a Piccolini: la única manera de que vendamos este disco en la Argentina, es poniéndonos en bolas en la tapa" cuenta Roberto Pettinatto, que radicado en España buscaba su experiencia post-Sumo luego de encontrarse con Guillermo Piccolini y Willy Crook. La tapa, pasará la historia por el tamaño del pito del saxofonista y periodista devenido en showman televisivo. La idea es del propio Pettinatto: "De todas las tomas elegimos ésta porque era en la que mi pito salía más chico, y me parecía que la gente de lo que iba a hablar era del pito chico de Pettinatto. Mucho más en este país, donde a todos les gusta burlarse del pito chico ajeno". Así fue la idea y el resultado de aquella tapa que sirvió de presentación para una banda que ha pasado a la historia sin ser, a mi humilde modo de ver las cosas, el reconocimiento merecido. Al igual que Almendra, la explosión Sumo tuvo tres vertientes. Las dos más conocidas (Divididos y Las Pelotas) y Pachuco Cadaver.

Después vinieron otras famosas exposiciones corporales. Quizás, la única capaz de vencer en el rubro a la comentada anteriormente, sea la tapa de Cabeza de los Pez, aparecido en 1994. Una verdadera muestra de prepucios en primerísmo plano. Ariel Minimal, Poli y Alez Barbieri tomaron sus repsetivos penes, lo apretaron y dejaron al descubierto, ese pedazo de cuero que la creación puso al miembro masculino para proteger al glande. Tal cual es la tapa.

Las caratulas siguieron, la andrógina desnudez de Andrea Alvarez en Dormis? (2005) y la apuesta de Gil Solá al desnudar a su hija y su mujer y hacerlas caminar por el medio de la pampa secapara la caratula de Leaving las vergas es una prueba más de las experincias nudistas en la historia de nuestro rock. Experiencias que tienen que ver con un concepto estético, pero también con una actitud ante la vida, la sociedad, sus modismos, formas de ver al mundo, hartarse de él y conmoverlo de manera permanente.

Podés leer la historia de las tapas de los discos del rock argentino en el libro "A todo volumen. historias de tapas del rock argentino" que editó Sebastián Ramos en el 2008.

DESENTERRANDO LA MARIPOSA (Pelo 1981)

2009-07-01T11:40:00.000-07:00

Precursor de la música de rock argentina, regresó al país Miguel Abuelo. Su larga experiencia en varios países de Europa nutrió su acervo musical y humano, al que muy pronto tendrá acceso el público cuando se presente en un escenario local.

Mediados de la década del '60. Pueyrredón 1723. Subsuelo. Allí se reúnen todas las noches un grupo de muchachos, a los que más tarde se les daría el nombre de "pioneros del rock argentino". Billy Bond, Javier Martínez, Moris, Los Gatos, Tango, los hermanos Fattorusso, entre otros. El lugar es "La Cueva" y puede decirse que allí nace el rock nacional. Y entre todos esos jóvenes, hay uno bajito pero de gran talento: Miguel Abuelo. El mismo que hace diez años partió hacia Europa y que ahora ha regresado con sus valijas repletas de experiencias y ganas de mostrarle a sus compatriotas la música que hace.
Miguel Abuelo: "En Europa estuve haciendo lo de siempre, o sea: teatro, cine, televisión, música, composición, bandas de sonido para películas, etcétera. Anduve por España, Francia, Inglaterra. Toqué con Mike Heron de la Incredible String Band. También toqué con músicos franceses, ingleses, españoles y argentinos, como Miguel Cantilo, Kubero Díaz, Carlos Joana, Miguel Segovia. Cachorro López. "Además edité un libro —que ahora va a salir aquí— en Barcelona. En él hay poemas, dibujos, blues, rock, funky. En los últimos tiempos canté tango en España."
Antes de partir, Miguel Abuelo había formado parte de uno de los primeros grupos del rock argentino: Los Abuelos de la Nada, banda en la que también estaban Pomo y Pappo. Ese grupo fue revivido por Miguel Abuelo en Europa.
MA: "Los Abuelos resurgieron con otra gente. Tocábamos con Miguel Cantilo, Morsi Requena, Kubero Díaz y músicos brasileños."

EMPUJANDO EL CARRO

Durante los diez años que estuvo en Europa, Miguel Abuelo trabajó en diferentes facetas artísticas.
MA: "Ya fuera empujando el carro o como mascarón de proa, siempre estuve ligado al arte. Hay editados como diez discos en los cuales trabajé como invitado de otros músicos. Que lleven mi nombre tengo un álbum editado en París, dos simples y un simple más de música para películas. El long-play vendió once mil placas, que es muy poco. Pero lo que pasó fue que el grupo se desarmó al poco tiempo de aparecido el disco y por eso no tuvo difusión. Sé que hay disquerías argentinas que están interesadas en importarlo.
"Ahora he vuelto para quedarme definitivamente. Aquí tengo un objetivo primordial que es el de hacer música. Quiero hacer giras y presentarme por todo el país. Tengo una cantidad de temas compuestos y también escenas visualizadas que habrá que desarrollar paulatinamente. Si bien volví solo, aquí estaba Cachorro López que es un bajista que ya tocó varias veces conmigo y que ahora va a volver a hacerlo. El resto de la banda lo estamos formando.
"Mi música actual es una confluencia de diferentes corrientes. No tengo ningún tipo de prejuicios ni ataduras. Por ser argentino, por haber nacido sobre un cascote tan grande y polifacético como es Buenos Aires, abarco desde el tango hasta el jazz-rock, del rock hasta el folklore, desde la música hindú, hasta la polca rusa. En realidad esto es un divague infame porque la posibilidad de hacer cosas es menor en cuanto a tres o cuatro horas de concierto que se puedan dar. De a poquito vamos a ir dándole forma al grupo y a la música.
"La música no termina, no para. Es una consecuencia de la vida de uno, por lo tanto continúa tan frágilmente como la piel que se desintegra. En mis temas no se ha perdido la esencia poética de 'Mariposas de madera', por ejemplo. Pero debido a la aparición de nuevos elementos sociales, técnicos, potenciales, he cambiado. Ya no soy aquel Miguelito que cantaba 'Mariposas de madera' con vibrato nervioso. Ahora soy más sustancial, tengo más centro de gravedad, por lo que los temas cambiaron completamente de acuerdo al tiempo. Cambiaron, se mutaron, se enterraron, son otros.

PRECIOSOS RECUERDOS

Diez años es mucho tiempo y Miguel Abuelo lo sabe. Sabe también que la gran mayoría del público actual no vivió las épocas de La Cueva, y que son pocos quienes lo recordarán. Sin embargo, eso es algo que no te preocupa.
MA: "Soy consciente de que tengo que largar de cero. Cada cosa que me ha pasado en la vida, tuve que largar de cero. La vida es un cero, sino no podríamos dormir todos los días. Lo que me alienta a vivir es la posibilidad de estar creando todo el tiempo. Y eso es algo que está dentro mío desde las épocas de La Cueva. Tengo unos recuerdos preciosos de aquella época. Recuerdo pelos, cintas volando, risas francas y abiertas, una amistad sin compromiso, una ambición por lo más grande y un lenguaje —por cierto muy poco objetivo— pero sí muy cargado de juventud. Era muy grato aquel vivir estrafalario."

Curiosamente, varios de los ex pobladores de La Cueva que se habían alejado del país, están en estos momentos en Argentina.
MA: "A Moris lo vi por televisión. Creo que sigue su camino, sigue su impulso, su naturaleza. Por cierto es una naturaleza que da bastante que rabiar a un oyente que espera más de esa naturaleza. Pero a mí no me corresponde rabiar con esa naturaleza; más bien le guardo afecto. Cada uno hace lo que puede.
"Yo soy un enamorado de la música de Javier Martínez. Creo que lo que están incubando en el estudio no debe ser ninguna tontería porque son tres grandes 'bichos' los que se juntaron ahí adentro."

A pesar de los diez años en que estuvo fuera del país, Miguel Abuelo conoce bastante de lo que se hizo en el rock nacional en todo este tiempo.
MA: "Escuché a Seru Giran, Spinetta y sus etcéteras, un poco de León Gieco. En realidad no me interesó lo que ocurría en el movimiento musical en este país. Y no lo digo despectivamente, sino con cariño. Lo que ocurre es que estuve desconectado.
"Creo que en dos meses más volveré a estar sobre un escenario argentino. Voy a hacer temas míos, de Cachorro López, de Daniel Melingo, etcétera. Algunos temas populares de diferentes regiones ... Lo latino me interesa, porque soy latino. La música europea me interesa, porque viví mucho tiempo en Europa. La electrónica también me interesa. En realidad, lo que más quiero es cantar, cantar, cantar. Cantar y decir cosas..."

Fuente: MAGICAS RUINAS

TENÉS QUE ESCUCHAR II

2009-06-23T06:50:00.000-07:00

Argonauticks: Una banda muy interesante, con matices compositivos que van del jazz, al progresivo pasando por rítmicas con fuerte acento en el reggae. Fusión que se apoya en una extraña conjugación idiomática. Cantante italiano y una disco en la calle desde el 2008, "Babel ´n´ auticka", que podés bajar directamente de la página oficial de la banda.

Escuchá: Click acá

Marcos Luc: El músico cordobés (ex Ma´Per Que) se lanza a su carrera solista con la misma solidez compositiva que lo caracterizó en su experiencia previa. Contador de historias memorables, un artista integral que se ubica como referente indiscutido del complicado circulo musical del centro del país.

Escuchá: Click acá

ABONIZZIO

2009-06-17T21:52:00.000-07:00

El 2009 encuentra a Adrián Abonizzio a punto de entrar a grabar su nuevo material llamado "La Madre de todas las batallas", esperando un mejor destino para su querido Rosario Central y seguramente dándole forma a un montón de otrs proyectos y espacio musicales y culturales que hacen de aquella ciudad santafesina cuna cultural de la Argentina. Esta bien, esto último suena exagerado, pero repasemos la historia (al menos de nuestro rock) y veamos si la afirmación esta muy alejada de la realidad: Hace un par de años, hacia finales de 2006, tuve la suerte de cruzar con Abonizzio unas pocs palabras que quedaron en un viejo grabador y que hoy quiero compartir con ustedes desde este espacio. Rosario y la Trova. Con ustedes, palabras de un trovador.

...El trabajo permanente con Lalo de Los Santos...
"Yo ya había grabado un tema que le había puesto letra sobre una música de él, esto fue cuando Lalo estaba en vida y después esta un proyecto que se llama "Tangolpeando", que es un disco de tangos (N.R: el disco espera aparecer al mundo durante este 2009). Ahora descubrí otras cosas que estan hechas, grabaciones caseras que estoy tratando de pasar en limipo para darnos el gusto, hasta que se termine el material, de seguir componiendo. Su partida imipidió que sigamos componiendo y lo que quedó es un pequeño homenaje a nosotros, a nuestra amistad y bueno...no son muchos, son tres o cuatro temas pero que tengo ganas de seguir trabajando"

..."Perspectivas actuales de la trovarosarina"...

Aquello es como que terminó casi cronologicamente, una cuestión de edad y hasta de forma de vida. Es como que la ilusión ya se profesionalizó, por decirlo de alguna manera. Cuando uno empieza está muy ilusionado en concretar cosas que uno tiene adentr y comparte cosas, ahora se comparten menos cosas, cada uno graba o filma películas pero no estamos juntos con esa ilusión. Ese abismo de pensar "qué pasará con nosotros". Ya pasó, ya convertimos ese sueño en realidad pero yo creo que la cosa se diversificó, para todos lados. Creo que la vida te va presentando algunos atajos y algunas encrucijadas. Algunos resolvemos las encrucijadas, algunos se toman algún atajo, pero bueno o malo, eso no quiero juzgarlo. Pero bueno, creo que pertencemos a una manada espiritual que todavía está junta aunque no físicamente.

..."Rosario del 82`y después"...
Ahora en cuanto a los hijos o la descendencia...no se si no la hubo o uno no se da cuenta. Lo que sí, se guarda un respeto generacional a lo que hicimos nosotros, lo admito con orgullo y sin arrogancia. Es como que de la nada, eramos un equipo del interior, peleamos por un campeonato de ascenso, jugamos en primera y es como que robamos algún campeonato. Después no nos fuimos al descenso, pero nos quedamos ahí con un trofeo en la vitrina.
Hay que reconocer que esto es como una tribu. Uno recoge la experiencia de los mayores y se supone que esa experiencia es tomada por el que viene después. No se si dejamos una descendencia, no se si tenemos la culpa de haberla dejado o no. Tal vez la hayamos dejado pero con otros matices porque pasó mucho tiempo y hubo muchos sonidos y muchas cosas. A mi me gusta mucho el tema del músico que se planta y toca sólo la guitarra y eso aunque parece fácil es lo más dificil. A veces es fácil enmascar todo un tema musical con sonidos, con la banda y demás pero en caunto a la escencia del trovador, yo no veo que haya mucha continuidad en Rosario. Si veo que se diversificó mucho más para el lado del folclore, hay mucho de eso en Rosario. Ahora, creo que no me corresponde decir si dejamos o no. Uno no sabe que es y menos va saber que el otro es lo que no sabe que es. Parece un juego de palabras, pero es así.

Seguí el quehacer de Adrían Abonizzio